La Tierra tembló en 1996 con la invasión alienígena de Independence Day, una de las más apabullantes de la historia del cine gracias a los efectos especiales orquestados por Roland Emmerich, maestro del cine mega-catastrofista de gran espectáculo. 20 años después, llegó la secuela, con naves extraterrestres todavía más gigantescas. Había ideas para una tercera, pero por ahora han quedado en nada. Sin embargo, nunca hay que decir nunca.

Aquí te decimos dónde verlas. 

Independence Day (1996)

La primera Independence Day fue la película más taquillera de aquel año, llegando a recaudar 800 millones de dólares en todo el mundo. Era como un remake de Ultimátum a la Tierra o La Guerra de los Mundos con los efectos especiales más punteros del momento en manos del siempre catastrofista Roland Emmerich, aunque todavía no había filmado El día de mañana (2004). Bill Pullman estaba al mando de una Casa Blanca preocupada por unificar el mundo para hacer frente al enemigo común. Los alienígenas tuvieron la mala idea de atacar la víspera de un 4 de julio, sin contar que con ello animaban a los patriotas a salir en defensa de su país. 

Independence Day: Contraataque (2016)

La Tierra ha elaborado un programa de defensa basado en la tecnología alienígena retenida veinte años atrás. Pero, entre tanto, los alienígenas se han sofisticado, y atracan de nuevo con naves más grandes y poderosas. Bill Pullman, Jeff Goldblum y Judd Hirsch se reencuentran en esta espectacular secuela que también da paso a una nueva generación de defensores del planeta, entre los que destacan Maika Monroe, Liam Hemsworth y Jessie T. Usher. Aunque ya no está Will Smith, el humor vuelve a ser clave en este nuevo espectáculo: Independence Day: Contraataque fue otro gran éxito aunque con la mitad de recaudación que su predecesora.  Se esperaba más, y quizás por eso todavía estamos esperando la tercera.  

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Exestrella infantil convertida en estrella de películas navideñas para Netflix, Lindsay Lohan ha triunfado en el cine, ha hecho infinidad de cameos en televisión y hasta ha convencido en la exigente escena teatral londinense, defendiendo textos de nada menos que David Mamet como en el montaje Speed The Plow.

Aunque en su edad adulta ha pasado más tiempo intentando retomar su carrera que disfrutando del éxito, la actriz estadounidense cuenta con unos cuantos taquillazos, principalmente en el género de la comedia. En su peculiar filmografía también aparecen los nombres de varios cineastas de culto, que han dirigido a Lindsay Lohan en películas estrenadas en prestigiosos festivales de cine internacionales.

En esta lista seleccionamos las 10 mejores películas de su trayectoria.

El último show (2006)

El último show es la muy oportuna y libre traducción del título de la última película que dirigió el gran Robert Altman: A Prairie Home Companion. Ambientada en el teatro desde el que se graba uno de los programas de radio más populares de Estados Unidos, Lindsay Lohan se codea en esta película con Meryl Streep, Woody Harrelson, Tommy Lee Jones, John C. Reilly, Kevin Kline y Lily Tomlin. La magia que se crea en una emisión radiofónica, entre música en directo y ficciones sonoras, se traslada a la pantalla en esta pequeña joya del cineasta. Casi todos los actores, incluyendo Lohan, tienen que demostrar en este largometraje su talento como cantantes.

Chicas malas (2004)

Cuando trabajó a las órdenes de Robert Altman, Lindsay Lohan venía de su mayor éxito comercial: Chicas malas. Esta comedia de instituto escrita por la que entonces era una casi desconocida guionista, Tina Fey, es uno de los clásicos imprescindibles de la generación millenial; el tipo de película que, sin darte cuenta, has visto un buen número de veces.

Lindsay Lohan interpreta a Cady, una dulce estudiante que llega nueva al instituto y comete el error de enamorarse del exnovio de la chica más popular del lugar. Regina George y sus dos secuaces comienzan una campaña de bullying de la que Cady solo puede sobrevivir de una forma: usando sus mismas armas.

Machete (2010)

Se trata de una de las piruetas cienmatográficas de Robert Rodriguez. Grindhouse era una sesión doble condensada en un largometraje y compuesta por dos películas muy diferentes. Una estaba dirigida por Rodriguez y la otra por Quentin Tarantino. También contenía,a modo de broma, un falso trailer de una película protagonizada por Dani Trejo. Esa película imaginaria se convirtió años después en una realidad: Machete.

En ella, un ex federal mexicano que se ve envuelto en varios conflictos con la mafia. Para vengarse de sus enemigos y limpiar su nombre, emprende una lucha que le lleva a secuestrar a April, la alocada hija de un capo y el personaje interpretado por Lindsay Lohan.

The Canyons (2013)

En 2013, Lindsay Lohan regresó a los festivales de cine con The Canyons. El director con el que trabajaba esta vez es otro clásico, Paul Schrader ( Aflicción, American Gigoló). Y el guionista de la película es el escritor Bret Easton Ellis, el autor de American Psycho.

En este thriller erótico, dos parejas interconectadas entre sí dinamitan el rodaje de una película de terror de bajo presupuesto que un grupo de veinteañeros de clase acomodada preparan en Los Ángeles. Lindsay Lohan es Tara, una exmodelo que es novia del protagonista, Christian, un niño mimado que emplea el dinero de su padre en financiar un largometraje.

Tú a Londres y yo a California (1998)

La película con la que Lindsay Lohan se hizo famosa siendo niña no es una película original. Es el remake del clásico de la década de los sesenta, Tú a Boston y yo a California. La comedia de enredo con toques románticos va de dos niñas que no saben que tienen una hermana gemela hasta que se topan de bruces la una con la otra en un campamento de verano. Investigando, se dan cuenta que en su día sus padres se divorciaron y se quedaron cada uno con una de ellas. Las chicas sienten curiosidad por conocer a su madre o padre, así que deciden intercambiarse cuando regresan a casa tras las vacaciones. Como en todos esos años los vuelos hicieron las distancias más cortas, su versión se llamó Tú a Londres y yo a California.

Ponte en mi lugar (2003)

Antes de Chicas malas, Lindsay Lohan arrasó en los cines junto a Jaime Lee Curtis con un subgénero en el que ella es la reina: las comedias de intercambios. En Ponte en mi lugar, una seria doctora a punto de casarse tras haber enviudado no tiene nada que ver con su hija adolescente, que quiere dedicarse a la música. Pero un accidente con unas galletas de la fortuna chinas hace que las dos se queden encerradas en el cuerpo de la otra. Aunque eso les ayuda a comprender mejor la una a la otra, solo tienen dos días para regresar a sus cuerpos, ya que es cuando se celebra la boda de la madre. El éxito de taquilla fue tan grande que generó una secuela más de 20 años después, con las dos protagonistas retomando sus papeles.

Devuélveme mi suerte (2006)

Para repetir el exitazo en taquilla, Lindsay Lohan aceptó poco después protagonizar una comedia romántica con una premisa similar a sus anteriores películas. En este caso, el intercambio ocurre de forma distinta a Tú a Londres y yo a California y Ponte en mi lugar. En Devuélveme mi suerte encarna a Ashley, una chica neoyorquina a la que todo le sale bien. Durante un baile de máscaras, conoce a Jake (Chris Pine), al que le pasa todo lo contrario que a ella: es gafe. Los dos se besan y poco a poco descubren que han cambiado los papeles. Ahora es a él a quien le sonríe la vida y a ella a la que todo le sale mal.

Herbie: A tope (2005)

El otro subgénero favorito de Lindsay Lohan es el de retomar los clásicos de los años sesenta. La comedia de aventuras deportiva Herbie: A tope es la última entrega de una franquicia comenzada en los cines en aquella época. El protagonista es un coche, un Volkswagen Escarabajo con características humanas. En el pasado, había sido una estrella en las carreras, pero años después ha terminado en un desguace. Hasta que el padre de Maggie, una joven periodista deportiva, le regala a su hija ese coche para celebrar su nueva vida en Nueva York. Juntos comienzan a competir de nuevo en las carreras.

Scary Movie 5 (2013)

Es difícil innovar cuando tu franquicia va de parodiar los éxitos del cine de terror del momento. Los responsables de Scary Movie lo intentaron en la quinta entrega de la saga fichando a Lindsay Lohan para interpretarse a sí misma. En realidad, la actriz solo aparece en una escena junto a Charlie Sheen que dura tres minutos, pero es lo más memorable de todo el metraje de esta comedia. En esta secuela, los guionistas hacen mofa de títulos como Paranormal Activity 2, Cisne negro e Inception. Scary Movie 5 supuso el regreso de Lindsay Lohan tras salir de un centro de rehabilitación.

Sé quién me mató (2007)

Aunque parezca imposible, todavía hay hueco en la filmografía de Lindsay Lohan para otra película que comienza con un extraño intercambio, aunque en Sé quién me mató se emplea para elevar el tono de suspense psicológico. Aubrey es una brillante estudiante universitaria de un idílico pueblo estadounidense que es secuestrada y torturada por un asesino en serie. Cuando escapa, recobra el conocimiento en un hospital. Allí asegura que ella no es quien piensan que es, y que la verdadera Aubrey sigue en peligro de muerte.

Las mejores películas de Lindsay Lohan

Este listado de JustWatch muestra las 10 mejores películas en las que interviene Lindsey Lohan y te contamos en qué plataformas de streaming puedes verlas.

Los triángulos amorosos han sido el día a día del guionista avispado desde que Hollywood aprendió que tres corazones en conflicto venden más entradas que dos. Ya sean melodramas de la época dorada, comedias románticas ochenteras o épicas catastróficas, la tensión en hipotenusa de personas que no saben muy bien lo que quieren ha parido muchas de las historias más ardientes y tristes del séptimo arte. La duda entre lo que nos conviene y quien nos sube la bilirrubina nos es conocida, y por eso las seguimos viendo, así que en JustWatch te ofrecemos una selección de los conflictos más recordados de la gran pantalla.

1. Casablanca (1942)

Cuenta la leyenda que Michael Curtiz no sabía muy bien qué estaba haciendo, pero le salió el triángulo amoroso que todos los demás intentan imitar desde hace ochenta años. Rick Blaine debe decidir entre recuperar al amor que le partió el corazón en París, o hacer lo que toca por la causa antinazi. Suena simple, pero no lo es ni de lejos. Casablanca funciona porque, más allá de las fuerzas de Hitler, no hay villanos claros. Víctor Laszlo no es el marido celoso de turno; es un héroe de la resistencia que no merece un abandono gratuito, Ilsa no es una mujer caprichosa, y Rick... es Humphrey Bogart, o el duro que sabe hacer lo correcto cuando el mundo se está desmoronando.

2. Jules y Jim (1962)

Una historia de amor contada durante décadas, desde antes de la Primera Guerra Mundial hasta los años treinta, centrada en Catherine, la mujer interpretada por Jeanne Moreau que cambia la amistad entre Jules y Jim para siempre. No es la típica femme fatale, sino alguien que vive según sus propias reglas, de una forma que trae consecuencias para los que la rodean. François Truffaut no creía en buenos ni malos, por ello no da una resolución clara, aborda Jules y Jim como un documental sobre sus propios amigos, con la espontaneidad de la Nouvelle Vague a través del primer plano, con cámara en mano y elipsis que no juzgan ni intentan dar lecciones morales sobre las relaciones.

3. Doctor Zhivago (1965)

Yuri Zhivago se debate entre el amor de su esposa Tonya y el de Lara en medio de la Revolución Rusa, con Omar Sharif como el poeta dividido entre el deber familiar y la pasión que todos podríamos sentir por la imponente Julie Christie, que se contrapone a una Geraldine Chaplin que queda lejos de ser la típica esposa sufrida. David Lean transformó la novela de Pasternak en una superproducción con paisajes rusos grandiosos, con besos furtivos en la estepa nevada que acercan la historia de Doctor Zhivago a la épica de una tragedia clásica.

4. El graduado (1967)

El Benjamin de Dustin Hoffman no podía evitar liarse con la señora Robinson, pero la cosa complica cuando se enamora de su hija. Sobre el papel, El graduado suena a la típica comedia de enredo, pero Mike Nichols la rodó como si fuera un thriller psicológico. Es uno de los triángulos más incómodos del cine, con Anne Bancroft superando el cliché de la mujer mayor que seduce a un joven inocente, siendo también una víctima; manipuladora, pero vulnerable. Todo dentro de opresivas casas de clase media alta que se convierten en trampas, y con una banda sonora de Simon & Garfunkel tan recordada como melancólica, que redondea el cine sin moraleja clara que el director había ensayado el año antes en ¿Quién teme a Virginia Woolf?.

5. La chica de rosa (1986)

La película que hizo madurar a los chicos anclados en la friendzone. Molly Ringwald resume el dilema adolescente en los ochenta con su personaje de Andie, quien se debate entre Duckie, su mejor amigo, claramente enamorado de ella, y Blane, el pijo popular que nos cae mal a todos. La magia de John Hughes en La chica de rosa es que no toma las decisiones esperables, abordando las diferencias de clase social, los dos mundos diferentes de la Norteamérica residencial es un nuevo obstáculo romántico que, ahora visto con un tratamiento un tanto ingenuo y desfasado, le da una vuelta al cuento de hadas de princesas, príncipes azules, y de amigos que de verdad lo son.

6. Dirty Dancing (1987)

La química de Jennifer Grey y Patrick Swayze sigue funcionando décadas después como principal combustible del dilema de Baby, que tiene que elegir entre Robbie, que representa su mundo de privilegios, y Johnny, el instructor de baile que le enseña mucho más que a moverse al ritmo de la música. Este, el chico malo con fondo noble, transforma a Baby de niña rica a mujer independiente en medio del mundo de la danza, que tiene su punto obvio de reflejo del despertar sexual, pero también es un símbolo de ruptura con las convenciones sociales en una época que el cine lo reflejaba de esa forma, tanto en Dirty Dancing como en Flashdance o Footloose.

7. Bocados de realidad (1994)

Antes de dirigir Separación, Ben Stiller rodó y protagonizó la película que reflejaba parte de las ansiedades sociales de la Generación X a través de una dramedia romántica en la que Winona Ryder está dividida entre Troy, un artista bohemio e inmaduro, y Michael, un ejecutivo ambicioso. Ethan Hawke bordó al joven rebelde pero inmovilista de la época y Stiller, a un yuppie muy alejado de sus clásicos payasetes. Opciones irreconciliables en un momento vital en el que las decisiones amorosas parecían sentenciar lo que habría de llegar en la vida, dentro de un contexto generacional que hoy se codifica más utilitarismo e individualismo. La BSO de Bocados de realidad sigue siendo un hito generacional.

8. Titanic (1997)

El naufragio del Titanic funciona como una onda expansiva de la tragedia real que acontece en el triángulo amoroso más taquillero de la historia: Rose realmente no puede elegir entre Cal, su prometido adinerado, y Jack, el artista bohemio sin un duro, aunque tenga claro a quién prefiere. Las convenciones sociales atan a todos demasiado en corto y se convierten un iceberg. James Cameron sabía exactamente qué botones emocionales tocar en medio de su gran espectáculo de catástrofes, refinando cada detalle, hasta el casting perfecto; Leonardo DiCaprio y Kate Winslet tenían una química natural y Billy Zane era experto en crear villanos detestables.

9. Moulin Rouge (2001)

Uno de los espectáculos musicales más delirantes de este siglo, con el director Baz Luhrmann en modo desatado con su estilo visual anárquico, convirtiendo cada número en un manifiesto kitsch, una oda a la exageración en la que música contemporánea cuenta una historia de amor atemporal: la cortesana que debe elegir entre el latido honesto en el corazón y el dinero. En Moulin Rouge, Nicole Kidman es una artista con tuberculosis que se niega a ser víctima de las circunstancias, Ewan McGregor el poeta sin un duro pero encantador y Richard Roxburgh, el duque, la encarnación del poder sin escrúpulos.

10. El diario de Bridget Jones (2001)

Helen Fielding escribió una actualización de Orgullo y prejuicio ambientada en el Londres de los noventa, y Sharon Maguire la llevó al cine con Renée Zellweger como una mujer que debe elegir entre Daniel Cleaver, un tipo encantador pero poco fiable—con la cara de Hugh Grant—, y Mark Darcy, un señor serio, aparentemente arrogante, pero en el fondo decente—un Colin Firth repitiendo personaje y apellido de la adaptación de Jane Austen—. El diario de Bridget Jones, y sus secuelas, se sustentan sobre un triángulo que representa una disyuntiva tan real como la vida misma, la pasión inmediata pero sin garantías frente a la compatibilidad mutua a largo plazo.

11. Y tu mamá también (2001)

Entre todos estos triángulos nos falta uno sobre ruedas, una road movie para hablar de la amistad, el deseo y el paso del tiempo en el viaje de Julio y Tenoch, Gael García Bernal y Diego Luna, dos amigos de toda la vida que invitan a Luisa, la esposa de un primo mayor, a acompañarlos en su aventura. Maribel Verdú es una mujer que busca redescubrir la vida antes de enfrentarse a su propia crisis personal, lo que lleva a una serie de encuentros sexuales que Alfonso Cuarón convierte en momentos de revelación emocional. Y tu mamá también riega de erotismo y melancolía una historia de amor donde también juega su baza el factor de la clase social en México, aunque también esté hablando de la mortalidad y el fin de la inocencia.

12. Soñadores (2003)

El París del 68 según Bernardo Bertolucci, un despertar sexual cargado de política, en el que Matthew, un estudiante estadounidense, se queda a vivir con los hermanos gemelos Théo e Isabelle durante las revueltas estudiantiles de la capital francesa. Eva Green impresionó al mundo con su magnética Isabelle, el centro de un triángulo que explora la frontera difusa entre el amor fraternal y el romántico. En Soñadores, la Nouvelle Vague se reformulaba en medio de pasiones juveniles e idealismo social, un retrato generacional tórrido con la cinefilia como telón de fondo.

13. Crepúsculo (2008)

Muchas adolescentes de la generación millenial crecieron viendo año tras año cómo evolucionaba el folletín vampírico adolescente-mormón más famoso de la gran pantalla: Bella debe elegir entre Edward, el chupasangre atormentado, y Jacob, el hombre lobo guardián. Crepúsculo solo empezaba una historia desarrollada en muchas secuelas en las que Kristen Stewart era una adolescente confusa, en medio de fuerzas sobrenaturales que representan la atracción hacia lo peligroso o lo seguro, el blanquito de familia con pedigrí o musculitos con brazos protectores y una bestia dentro. La alegoría de la escritora Stephenie Meyer no era muy sutil, no.

14. Rivales (2024)

Luca Guadagnino adaptaba la novela de Taylor Jenkins Reid con un triángulo amoroso en diferentes estratos temporales en los que Tashi, Art y Patrick mantienen una relación compleja durante más de una década, con el tenis profesional como telón de fondo. En Rivales, Zendaya interpreta a una mujer que entiende perfectamente su poder sobre los dos hombres y lo aprovecha, creando una competencia que desafía la amistad masculina a través de la ambición, y el deporte es el carburante mismo de las dinámicas de poder, donde los partidos se convierten en batallas emocionales también fuera de la pista.

Dónde ver los mejores triángulos amorosos del cine

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No hay una serie como La edad dorada (2022), simplemente porque por muchas ahijadas que su éxito haya acunado la combinación ideada por Julian Fellowes tras Downton Abbey (2010) funciona con la pulcritud de un reloj. La serie cuenta la historia de Marian Brook, una joven que se muda a Nueva York en los años 1880 con sus tías ricas, justo cuando los viejos gatopardos y los nuevos burgueses millonarios se disputaban el poder social.

Añade al drama que esta guerra fría despierta con el millón de dólares que costó cada capítulo y los 1,6 millones de personas que vieron el final de la temporada en EE. UU. Aunque aquí hemos llegado por los vestidos, los palacetes neoyorquinos y por Christine Baranski y Carrie Coon (obvio). Pero ¿qué otras series podemos rastrear para prepararnos para la inminente temporada tres de la serie de Max? En Justwatch te proponemos una guía con diez.

Downton Abbey (2010)

La madre de La edad dorada, ¿la abuela dorada? Así calificaríamos, sin duda alguna, a Maggie Smith. También creada y coescrita por Julian Fellowes, fue referente en esta dulce intersección entre el drama históricamente riguroso y el culebrón. Tal que un Cuéntame cómo pasó con litros de té caliente, la historia sigue a la adinerada familia Crawley y a su personal, que viven en un castillo inglés en la campiña. Durante sus seis temporadas, viviremos episodios como el hundimiento del Titanic, la gripe española, la Primera Guerra Mundial y la Guerra de Independencia de Irlanda, todo por una módica suscripción VOD. Está la serie, acabada, y Downton Abbey (2019), que la cierra.

Los Bridgerton (2020)

La primera producción de época de Shondaland, lo cual ya debería decirnos algo. Y es que, por mucho que Los Bridgerton (2020), siga a otra familia (los Bridgerton, claro) mientras intentan hacerse un lugar en la alta sociedad durante la Regencia británica, y aunque compartan cotilleo, palacetes y tacitas de té, nada tiene que ver la serie de Shonda Rhimes con la primera de Julian Fellowes. Downtown Abbey es mildly hot (calentura moderada), mientras que en esta adaptación de las novelas de Julia Quinn sólo hay flaming lips (labios ardientes). Gente guapa, roces asegurados, alguna modernez. Y perdonad el inglés, nos sobrecoge un aire elevado e insular.

The Crown (2016)

Recordáis el rictus de Helen Mirren en el póster de The Queen (La Reina) (2006). Esa misma rectitud castigadora ejecuta la monarca en el culebrón dinástico que Peter Morgan, director de la película, proyectó sobre su serie, The Crown (2016). Pero ahora miramos a toda la Corona, como intricado clan. Sigue la historia de la reina Isabel desde su matrimonio en 1947 hasta la boda de su hijo, el príncipe Carlos, con Camilla Parker Bowles en 2005. La serie ha ido acumulando premios con los años, pero han sido Claire Foy, Olivia Colman, Gillian Anderson o Elizabeth Debicki quienes nos han mantenido al filo de la pantalla todo este tiempo.

1883 (2021)

Una precuela de Yellowstone (2018) que sí, puedes ver sin haber visto la serie de Kevin Costner. En 1883 (2021), una familia de Tennessee emprende el arduo viaje hacia el Oeste lejano, hacia Oregón, en una caravana en busca de una vida mejor. Si La edad dorada nos iba dando pistas de cómo era el final del siglo XIX para quienes no podían vivir en un adinerado barrio de Nueva York, 1883 (2021) nos mete de lleno en un capítulo a parte de la Gran Historia de Estados Unidos. En fin, si no la ves por mí, vela por el mostacho de Sam Elliott o porque simplemente tiene a Tim McGraw haciendo de vaquero.

Norte y Sur (1985)

Basada en una novela de Elizabeth Gaskell, Norte y Sur (1985) fue otro drama de época británico, ahora ambientado a mediados del siglo XIX. Aquí acompañábamos a Margaret Hale, originaria del sur de Inglaterra que trataba de acostumbrarse a las novísimas formas de vida industrial del norte, donde se mudaba con su padre. Suena antiguo, pero el cambio es fuertecito. La historia también presenta a los Thornton, una altiva familia propietaria de una fábrica de algodón que choca en ideales con Margaret, quien se une a la causa de los trabajadores de la fábrica, pero que en el fondo se siente irresistiblemente atraída por John Thornton. Lo que decía, fuertecita.

Outlander (2014)

Si te gustan las tacitas, el romance y los galanes escoceses (y a quién no), ¡esta es tu serie! Outlander (2014) es un culebrón basado en la serie de novelas de Diana Gabaldon, quien trabajó como profesora de historia antes del impepinable éxito de sus libros y se esmeraba en mantener la precisión histórica, incluso si empezó usando los viajes en el tiempo como recurso literario. De hecho, la serie refleja esta atención al detalle, a pesar de estar rodada en un estudio en California y ni recrando auténticas peripecias (románticas) entre continentes y siglos. Caitríona Balfe hace de una enfermera de la Segunda Guerra Mundial que es transportada por accidente hasta 1743, donde conoce a un atractivo escocés llamado Jamie Fraser (Sam Heughan). Y las chispas…

Belgravia (2020)

La tía de La edad dorada porque argumentalmente resulta muy parecida, aunque Belgravia (2020) sólo parta de la novela homónima, también de Julian Fellowes: ambientada a mediados del siglo XIX, en seis capítulos conocemos a la familia Trenchard, nuevos ricos en el barrio londinense que da nombre a la miniserie. Sin embargo, su posición se ve comprometida cuando un secreto familiar de décadas de antigüedad vuelve para atormentarlos. Casi se atragantan con las galletitas, pero en general lo pasamos muy mal. En fin, Belgravia posee todas las características de un drama de Fellowes: vestuario espléndido, decorados suntuosos, pullas entre familias y una buena dosis de escándalo.

Mr. Sunshine (2018)

Marchémonos de Europa, ¿no? Hay un K-Drama (un culebrón coreano) que rompió todos los récords en Asia cuando se estrenó. Llegamos a Hanseong, hoy conocida bajo el nombre de Seúl, en los años inmediatamente anteriores a la anexión japonesa de Joseon (hoy conocida como Corea). Allí encontramos a Eugene Choi, un oficial del Cuerpo de Marines que logró escapar de niño de Corea. Ahora, de regreso al país en una misión oficial, tiene que navegar por los tormentosos círculos diplomáticos de un reino entre guerras intenas y al borde de la quiebra. Todo, por supuesto, mientras también lidia con sus sentimientos cada vez mayores por la noble Go Ae-shin, quien secretamente es una excelente francotiradora que trabaja con el Ejército Justo, las milicias nacionalistas. En Mr. Sunshine (2018) os espera mucho (K-) Drama.

The Great (2020)

Como en Los Bridgerton, el rigor histórico no es particularmente relevante para The Great (2020). Bueno, en realidad no es nada relevante. Lo que esta serie propone es una divertida biografía alternativa de la emperatriz rusa Catalina la Grande (Elle Fanning), ambientada en un mundo de fantasía infantil marcada por el humor y la irreverencia. La trama, escrita por Tony McNamara y basada en su obra homónima de 2008, sigue el ascenso de Catalina como la gobernante rusa con el reinado más largo de la historia, incluyendo los intentos (¿ficticios?) de la monarca por asesinar a su psicótico esposo, el emperador Pedro III (Nicholas Hoult). Los fans de The Great (2020) son un nicho precioso y valen oro, por mucho que la serie fuera cancelada tras su tercera temporada.

Sanditon (2019)

La historia tras la creación del material que adapta esta serie infravisibilizada es casi tan jugosa como sus capítulos. En 1817, Jane Austen falleció antes de poder terminar su última novela, Sanditon. Dos siglos después, en 2019, Andrew Davies la cerraría para la pequeña pantalla, en un culebrón de tacitas que se centra en una joven británica (Rose Williams) que se instala en un balneario en una época socialmente muy virulanta. Tres temporadas muy bien aprovechadas.

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La saga Transporter nos ha llevado a través de las carreteras más peligrosas de Europa, protagonizando misiones explosivas que garantizan acción sin pausa y puro entretenimiento. Con un estilo visual inconfundible, marcado por la velocidad, coreografías impecables y una narrativa cargada de adrenalina centrada en el enigmático Frank Martin, la franquicia se convirtió en un fenómeno de taquilla y un punto de inflexión en la carrera de Jason Statham. Aunque no todas sus entregas han sido igual de exitosas, tanto las películas como las series derivadas ofrecen suficientes razones para darles una oportunidad. A continuación, te dejamos la lista completa para que disfrutes la saga en orden y sepas dónde ver cada título en las plataformas de streaming disponibles en España. ¡Aquí vamos!

Transporter (2002)

Esta es la famosa película que lo inició todo. Con la dirección de Louis Leterrier, Corey Yuen (Retroceder nunca, rendirse jamás) y coescrita por Luc Besson (El quinto elemento), Transporter presentó por primera vez al mundo a Frank Martin, un ex-militar convertido en conductor de alto riesgo, con reglas estrictas, una precisión letal y estilo impecable. Jason Statham fue el elegido para encarnar a este personaje con una mezcla de frialdad, seducción y brutal eficiencia. No es sorpresa que este haya sido el papel que lo catapultó al estrellato del cine de acción. 

La película es sin duda la mejor de la saga, gracias a sus espectaculares persecuciones, combates coreografiados al milímetro y una historia que mezcla crimen, lealtad y redención. Un excelente punto de partida para conocer esta saga y dejarse enamorar por el talento y determinación de su protagonista. 

Transporter 2 (2005)

Tan solo 3 años después de su debut cinematográfico, llegó Transporter 2, con un Frank Martin más letal y elegante que nunca. La secuela fue dirigida por Louis Leterrier (Fast X) y llevó la acción de Europa a Miami, buscando aumentar el nivel de espectáculo en un nuevo y colorido escenario. La trama nos presenta a Frank en un nuevo encargo: ejercer como chófer de un niño, hijo de un alto cargo del gobierno estadounidense. Pero, como suele ocurrir en esta saga, el trabajo va mucho más allá de simplemente conducir. Cuando el pequeño es secuestrado en medio de una conspiración bioterrorista, Frank tendrá que sacar a relucir todas sus habilidades para salvar el día. 

Transporter 2 ofrece secuencias explosivas, acrobacias imposibles y persecuciones de precisión quirúrgica. Al igual que las últimas entregas de la serie A todo gas, esta película se inclina por un tono más fantasioso y espectacular. Pero no nos quejamos: es entretenimiento puro, sin frenos.

Transporter 3 (2008)

En 2008, Jason Statham se puso por última vez el traje de Frank Martin para cerrar con broche de oro la trilogía original. Transporter 3, que apostó por regresar al paisaje europeo, fue dirigida por Olivier Megaton (Taken 2). Esta entrega pone a Frank en una misión cargada de tensión: debe transportar a una joven ucraniana mientras lleva un brazalete explosivo que detona si se aleja del coche. Este encargo forzado pronto se convierte en una lucha por la libertad, salpicada de persecuciones adrenalínicas, combates cuerpo a cuerpo y un inesperado toque de romance (que nunca está de más). 

En esta última película se percibe un intento claro de volver a las raíces de la franquicia, fusionando la acción estilizada con una historia algo más emocional y personal. Un final potente e imprescindible para despedirse del icónico Frank Martin.

Transporter the series (2012)

Con el éxito de la trilogía a sus espaldas, Transporter dio el salto a la televisión. Si bien el actor británico Chris Vance fue el elegido para tomar el papel de Frank Martin, se intentó mantener el mismo estilo de las películas. Esta serie fue co-producida entre Francia, Canadá y Alemania, y tuvo dos temporadas que sumaron 24 episodios. Aquí como era de esperar hay misiones de alto riesgo, persecuciones espectaculares, tecnología de lujo y enemigos implacables. Frank se enfrenta a todo tipo de encargos imposibles, mientras vamos conociendo más sobre su pasado y su propio código de honor. 

Si bien la serie no tuvo el nivel de impacto de sus películas, Transporter: la serie brindó a los fans una buena dosis de acción semanal para aquellos que se quedaron con ganas de más aventuras del icónico  transportista. 

Transporter Legacy (2015)

En un intento por revivir la saga, nació Transporter: Legacy con una nueva cara al volante. Aunque muchos fans esperaban volver a ver a Jason Statham enfundado en su clásico traje negro, fue el británico Ed Skrein (Deadpool) quien asumió el papel del icónico transportista. La acción regresa a la Riviera francesa, donde Frank acepta una misión que rápidamente se complica: ha sido manipulado por un grupo de mujeres que buscan vengarse de una red criminal de trata de personas. 

Dirigida por Camille Delamarre (Brick Mansions), Transporter: Legacy ofrecía todos los ingredientes clásicos, pero la fórmula no terminó de cuajar. La recepción fue tibia, y el reboot no logró consolidarse como una nueva saga, quedando como una entrega independiente dentro del universo Transporter. Aun así, para los amantes de la acción, esta película sigue siendo una opción entretenida.

Dónde ver las películas y series de ‘Transporter’ en línea

Más que una simple colección de películas de acción, Transporter se ha convertido en un símbolo de velocidad, precisión y estilo. Ya sea con Jason Statham al volante o con nuevos rostros tomando el relevo, la franquicia supo marcar territorio entre los fans del cine adrenalínico. Ahora que conoces el orden completo, puedes consultar nuestra guía para saber dónde ver cada película y serie del universo Transporter desde España.

Desde que se estrenase allá por el año 2007, La que se avecina se ha convertido en una de las rockstars de la ficción televisiva española, acumulando temporadas gracias a sus buenos datos de audiencia con el paso del tiempo.

Si bien a la serie le queda cuerda para rato, en Justwatch hemos agrupado las 10 series que más podrían gustar a sus fans por ser similares en trama, estilo y género. Sigue leyendo para conocerlas todas.

Aquí no hay quien viva (2007)

Si hay una serie que se parece bastante (por no decir que son iguales) a La que se avecina, es Aquí no hay quien viva. De hecho, comparten creadores y actores, además de ser una sitcom que se desarrolla en un edificio, con su presidente de la comunidad y su portero, claro.

Aquí no hay quien viva arrasó en audiencia a principios de los 2000, batiendo en duelo directo a otra ficción mítica como Los Serrano. Hoy en día sus fans siguen viendo los capítulos ya que resisten muy bien el paso del tiempo.

Si eres fan de la serie, en Justwatch hemos creado una lista con las 10 series más similares a Aquí no hay quien viva.

Mis adorables vecinos (2004)

Las series españolas siempre han vivido un gran idilio con las comedias y una buena muestra de ello fue Mis adorables vecinos, que logró mantenerse en antena durante 4 temporadas y 62 episodios.

En la serie se cuenta la historia de una familia humilde que comienza a ganar mucho dinero gracias a su hija artista y decide mudarse a una urbanización repleta de chalets. Allí convivirán con sus vecinos, una familia de clase alta que no comparte ni sus formas ni sus modales.

Los ladrones van a la oficina (1999)

Unos años antes de los 2000, Los ladrones van a la oficina ya daban muestras de lo que una serie de comedia podía lograr en España. Lanzaron más de 100 episodios y supusieron la catapulta televisiva de intérpretes como Anabel Alonso, que tuvo uno de sus primeros papeles conocidos en la televisión.

La historia se centra en varios delincuentes que se reúnen en un bar llamado “La Oficina”. Aunque se dedican a la estafa y el robo, en el fondo son buenas personas.

Manos a la obra (1998)

A priori no parece que contar las reformas de dos albañiles sea la historia más sugerente para atrapar a la audiencia, pero sin duda Manos a la obra despejó cualquier duda siendo líder de audiencia de su franja durante los tres primeros años de emisión.

Antena 3 haría una continuación en 2001 bajo el nombre Manolo y Benito Corporeision, que tuvo un inicio fulgurante, pero que poco a poco fue perdiendo audiencia hasta ser cancelada finalmente por la cadena tras 12 episodios emitidos.

Los Serrano (2003)

Principal rival por hacerse con la audiencia de la época, Los Serrano libró una bonita batalla en la televisión frente Aquí no hay quien viva, y aunque no la ganó, también logró grabarse en la retina de toda una generación.

La serie sigue a la familia Serrano, que regenta una taberna, y a la unión de Diego con Lucía, que junta a dos familias que no tienen nada que ver y que tendrán que aprender a convivir.

Los hombres de Paco (2005)

Durante 9 temporadas y más de 100 episodios Los hombres de Paco se hizo un huevo en la televisión y dejó algunos de los personajes más icónicos de la historia reciente de la ficción española. 

De hecho, Antena 3 decide sacar una segunda parte de la serie en 2021, una especie de décima temporada con 16 capítulos que servirían como colofón final a la serie original, y que no pudo repetir el éxito de audiencia de la primera parte.

Médico de familia (1995)

Se trata de uno de los primeros fenómenos de masas de la televisión en España que logró mantener durante 9 temporadas sus increíbles datos de audiencia. Médico de familia terminó su periplo en la televisión con una media por encima del 40% de rating, números que hoy serían inimaginables.

La historia se centra en un médico viudo que tiene tres hijos y que debe rehacer su vida familiar mientras se enfrenta día a día a la realidad demandante de su trabajo en un centro.

El éxito de la serie se tradujo, además de en la audiencia, en que fue emitida en toda hispanoamérica.

7 vidas (1999)

Puede que sea la única junto a Aquí no hay quien viva, que sea capaz de ponerse a la altura en cuanto a diálogos y ritmo de los capítulos de La que se avecina. Y es que 7 vidas fue una de las ficciones precursoras de las sitcoms en España, y sin duda una de las más queridas por la audiencia.

La trama sigue a un grupo de amigos y conocidos que se reúnen en el bar Kasi ke no, en el que sus maneras de ser y de entender la vida se mezclan continuamente, dando lugar a situaciones de los más cómicas.

The Big Bang theory (2007)

Nos desmarcamos de todas las series españolas de la lista por un momento y nos zambullimos en una de las mejores sitcoms recientes estadounidenses con The Big Bang Theory.

La serie cuenta la vida de Sheldon y Leonard, dos auténticos cerebritos que comparten piso y que son capaces de realizar trabajos matemáticos de órdago, pero que no tienen idea de cómo relacionarse con el sexo opuesto. La llegada de su vecina Penny alterará su vida por completo.

Gracias a su gran éxito, se desarrollaron algunos spin off con personajes de la historia principal, que en Justwatch hemos ordenado de forma cronológica en nuestra lista Todas las series y spin-off de The Big Bang Theory en orden y dónde verlas online.

Aída (2005)

En algunas ocasiones, el spin off de una serie puede superar a la original. Y este es uno de esos casos, ya que Aída, cuyo personaje principal salió de 7 vidas, mejoró los datos de audiencia de su antecesora.

La serie sigue a Aída y su familia en un barrio humilde en el que todos intentan salir hacia adelante a pesar de las numerosas adversidades que se encuentran en su día a día. Algunos intérpretes como Paco León, Eduardo Casanova o Ana Polvorosa se dieron a conocer en esta ficción y les sirvió como trampolín para muchos de sus trabajos posteriores.

Por otra parte, está previsto que se lance una continuación en forma de película bajo el nombre de Aída y vuelta.

¿Dónde puedo encontrar online estas 10 series similares a La que se avecina?

En la lista que te compartimos abajo, aparecen las 10 mejores series similares a La que se avecina, así como las plataformas online en las que puedes encontrarlas. 

La mente de Stephen King nos ha regalado múltiples historias de terror que han sido llevadas al cine y se han convertido en joyas del género en la gran pantalla. Una de ellas, Carrie, basada en su novela homónima de 1974, ha tenido 4 películas hasta la fecha: un largometraje, una secuela y dos remakes de la obra original.

Si te gusta el terror psicológico, los poderes telequinéticos y las historias sangrientas que permanecen en la retina, te presentamos todas las películas de Carrie en orden cronológico y analizamos cómo ha evolucionado este personaje icónico con cada entrega.

Carrie (1976)

Esta es la versión original que fue dirigida por Brian De Palma y que se considera como una obra maestra del terror de los años 70. En Carrie, Sissy Spacek encarna a Carrie White, una adolescente marginada por sus compañeros de clase y reprimida por su madre, que es una fanática religiosa. 

Cuando Carrie descubre que posee poderes telequinéticos, la historia da un giro terrorífico que desemboca en una de las escenas más escalofriantes y representativas de la historia del cine de terror: el baño de sangre en el baile de graduación. Spacek logró una nominación al Óscar por su interpretación.

Carrie 2: La ira (1999)

Pasamos a Carrie 2: La ira, una secuela directa que se ambienta años después de los eventos del largometraje original y que gira en torno al personaje de Rachel Lang, otra joven que también tiene poderes telequinéticos. 

Aunque en este caso la película no está basada en la novela de King, toma elementos del universo de Carrie, conectándose con los sucesos de la primera película. Aunque no triunfó entre la crítica como la obra original, con el paso del tiempo se ha convertido título de culto por su estética noventera y su mensaje feminista.

Carrie (2002)

Llegamos a Carrie, una versión hecha para televisión, que está protagonizada por Angela Bettis, y que se mantiene mucho más fiel a la novela original de King. 

En el film se incluye una narrativa más extensa, con una estructura con secuencias de flashbacks y entrevistas que amplían el universo de la historia. La interpretación de Bettis destaca por ser perturbadora y vulnerable, y si bien no tuvo el impacto de la película de 1976, obtuvo una buena recepción por parte de los fans de la novela.

Carrie (2013)

La más reciente adaptación es Carrie, la cual está protagonizada por Chloë Grace Moretz (Kick-Ass: Listo para machacar) y dirigida por Kimberly Peirce (Kidding). 

En esta entrega se moderniza bastante la historia, ya que se introducen elementos como las redes sociales y el bullying digital, puntos que no existían en las primeras adaptaciones de la novela. 

Por otro lado, Julianne Moore (Hannibal) es la encargada de dar vida a la madre fanática religiosa. 

A continuación encontrarás una lista con las plataformas online en las que puedes ver online cada película de Carrie, y si te gustan las novelas de Stephen King, te recomendamos leer nuestra guía Dónde ver en streaming las mejores adaptaciones de Stephen King, para que no te pierdas ninguna de sus historias.

¿Dónde puedo encontrar online todas las películas de Carrie?

En la lista que te compartimos abajo, aparecen todas las películas y las plataformas online en las que puedes disfrutar de todos los films de Carrie hasta la fecha.

Es bien sabido que la carrera de Chris Evans está profundamente ligada a su icónico papel como Capitán América en el universo cinematográfico de Marvel. Y aunque su filmografía no es especialmente extensa, ha sabido demostrar una notable versatilidad y un fuerte compromiso con cada proyecto que emprende. Más allá de los escudos y los trajes de superhéroe, Evans también ha brillado en el terreno del romance, protagonizando películas que nos han hecho suspirar, reír y, por qué no, soñar un poco. 

Su más reciente aparición en Materialistas confirma que sigue apostando por explorar el amor en la gran pantalla, mostrando una faceta menos heroica, pero igual de carismática. Si quieres ver a Chris en su versión más galán, perderte en sus ojos azules y volver a creer en el amor, aquí te dejamos sus mejores películas románticas y una guía para verlas online desde España.

No es otra estúpida película americana (2001)

Antes de convertirse en el superhéroe que todos conocemos o el galán de dramas románticos, Chris Evans se ganó al público con esta parodia adolescente que hoy ya es considerada de culto. Aquí interpreta a Jake Wyler, el típico chico popular del instituto, y demuestra por primera vez su carisma, su timing cómico y, por supuesto, su faceta romántica, aunque envuelta en un humor extremadamente absurdo. Eso sí, No es otra estúpida película americana no ha envejecido del todo bien: muchos de sus chistes, propios de los años 2000, hoy podrían ser cuestionados (o directamente cancelados) por su tono irreverente y políticamente incorrecto. 

Aun así, entre clichés y momentos que te harán llorar de risa, en esta película también hay espacio para una historia de amor que, por más exagerada que parezca, nos deja con una sonrisa. La recomendamos por ser una comedia que marcó los inicios de Evans y que vale la pena para ver a Chris en su versión más joven y desinhibida.

La pérdida de un diamante lágrima (2008)

Probablemente, La pérdida de un diamante lágrima sea uno de los títulos más distintos en la filmografía de Chris Evans. La película que co-protagonizó con Bryce Dallas Howard (Argylle), está ambientada en el sur profundo de Estados Unidos en los años 20, y la trama gira en torno a una joven rica y rebelde que contrata a un joven de clase trabajadora para que la acompañe a los eventos sociales. Ese joven es Jimmy, el personaje de Evans. 

Si bien en esta historia no hay humor ni escenas de acción, su interpretación sobria y contenida dejó entrever una sensibilidad poco explorada hasta el momento. Aquí hay miradas contenidas, tensiones sociales y un romance imposible, lo que la hace ideal para quienes quieren descubrir a Chris en un rol más introspectivo y clásico.

Dime con cuántos (2011)

Una de nuestras comedias románticas favoritas con Chris Evans es Dime con cuántos de 2011. Aquí junto a Anna Faris (Una película de miedo), protagoniza una historia que mezcla humor, química y una buena dosis de autodescubrimiento. Ella interpreta a Ally, una mujer que, tras leer un artículo que asegura que las mujeres con más de 20 parejas no encontrarán marido, decide reencontrarse con sus ex para asegurarse de que no dejó escapar al indicado. Evans es su vecino y cómplice en esta absurda misión, con quien, como era de esperarse, surge una conexión inesperada. Con escenas divertidas y mucha piel entre sus protagonistas, esta rom-com es ideal para quienes buscan ver a Chris en su versión más seductora, graciosa y cercana.

Déjate querer  (2014)

En Déjate querer, Chris Evans hace dupla con Michelle Monaghan (Misión Imposible 3) e interpreta a un guionista de comedias románticas que, paradójicamente, no cree en el amor. Lo que sigue es un cambio de opinión, cuando conoce a una mujer comprometida que lo pone a prueba emocional y creativamente. Parte del atractivo de la película es que cuestiona  los clichés del género mientras de alguna manera les hace honor. Si bien no fue un éxito rotundo en taquilla, esta comedia romántica es adorable y nos ofrece a un Evans encantador, sarcástico y vulnerable a partes iguales. Si lo tuyo son los personajes cínicos que aprenden su lección, entonces Déjate querer es para ti.  

Antes de que te vayas (2014)

Para el 2014, Chris Evans ya tenía varios éxitos en su bolsillo incluyendo Capitán América: el primer vengador, pero Antes de que te vayas fue un hito especial en su carrera por marcar su debut como director. Aquí interpreta a Nick, un músico callejero que conoce a una joven interpretada por Alice Eve (Ni en sueños) atrapada en Nueva York tras perder el último tren a casa. La película retrata una noche de conversaciones profundas, paseos por la ciudad y confesiones entre ambos personajes, que poco a poco se convierte en una conexión sincera y emocional. Chris en este proyecto se aleja de la comedia romántica tradicional. Dando espacio a un  tono íntimo y melancólico. Si te gustan las películas románticas sensibles, que dejan un mensaje profundo, Antes de que te vayas es una buena elección.

Ghosted (2023)

En 2023 Chris Evans estrenó junto a Apple TV, la película de acción romántica Ghosted. Si bien vuelve a ponerse en modo galán, esta vez lo hace desde un lugar más torpe y encantador. En Ghosted interpreta a Cole, un tipo común que se enamora perdidamente de Sadie (interpretada por Ana de Armas) tras tan solo una cita. Su intensidad es alarmante, pero para peor, lo que no sabe es que Sadie es en realidad una espía internacional. Puro caos en el horizonte, y lo que  empieza como una historia de amor se convierte en una aventura explosiva alrededor del mundo. Esta dupla que ya había trabajado codo a codo en Puñales por la espalda, aquí muestran su química y la capacidad de hacer reír a la audiencia. No es la película más brillante de todas, pero sí garantiza un momento entretenido para los fans de Evans.

Materialistas (2025)

Dirigida por Celine Song (Vidas pasadas), Materialistas es uno de los proyectos más esperados de Chris Evans desde su despedida del universo Marvel en Avengers: Endgame. En este sofisticado drama romántico, Evans interpreta a John, un aspirante a actor y exnovio de Lucy, encarnada por Dakota Johnson (Madame Web), una exitosa casamentera atrapada entre el confort material y el deseo de una conexión real. Evans, que ya ha demostrado no temer alejarse de la imagen impecable del Capitán América, apuesta aquí por un personaje herido, vulnerable y contradictorio. En Materialistas, se sumerge más que nunca en el terreno de los amores imperfectos, explorando con sensibilidad a un hombre marcado por una dura vida y la búsqueda de redención emocional.

Dónde ver todas las películas románticas de Chris Evans online

Aunque Chris Evans será para siempre recordado como el heroico Capitán América, su filmografía romántica demuestra que también sabe conquistar desde la vulnerabilidad, el humor y la emoción genuina. Ya sea como galán encantador, músico melancólico o exnovio derrotado, Evans ha logrado hacerse un lugar también en el corazón del cine romántico. Si quieres ver una de sus adorables películas, aquí te contamos dónde encontrarlas en los servicios de streaming desde España. 

Riri Williams está a punto de hacer su puesta de largo en el Universo Cinematográfico de Marvel con Ironheart, la serie que protagoniza una joven inventora que se perfila como la heredera del legado de Tony Stark. Antes de empezar las aventuras de la nueva portadora de la armadura, puedes refrescar o ver por primera vez ciertos títulos clave que entrelazan la nueva serie con eventos que han moldeado el MCU estos años: la tecnología de Stark, conflictos en Wakanda, el multiverso y la magia. En JustWatch te ayudamos a encontrar todos estos títulos en las plataformas de streaming disponibles.

1. Iron Man (2008)

Todo esto comenzó con Tony Stark en una cueva afgana, construyendo la primera armadura. Iron Man no solo marcó el inicio del MCU, sino que estableció los cimientos tecnológicos sobre los que Riri Williams construirá su propia versión del exoesqueleto. En los cómics esta relación es mucho más directa, pero en las películas sus caminos de origen tenían detalles en común, con todo, no es una imitadora o heredera de Iron Man. Riri se inspira en el ingenio de Tony y en sus diseños, pero Ironheart es distinta: no es multimillonaria, no tiene los recursos de Tony y es considerablemente más joven al comienzo de su carrera como superheroína.

2. Iron Man 3 (2013)

Iron Man 3 exploró las vulnerabilidades psicológicas detrás de la armadura. Tras los eventos de Los Vengadores, Tony Stark sufre las consecuencias de la batalla de Nueva York, y Riri Williams también vivió una experiencia a esa altura cuando estuvo en Wakanda, envuelta en una lucha contra los talokanil de Namor. Por ello, estamos en una nueva fase para ella, frente a un nuevo peligro, pero con nueva experiencia. Además, el mensaje central de "soy Iron Man, incluso sin la armadura" tendrá continuidad en la filosofía de Riri, quien debe demostrar que su valor como heroína trasciende la tecnología que utiliza.

3. Black Panther: Wakanda Forever (2022)

La presentación oficial de Riri Williams en el MCU fue en Black Panther: Wakanda Forever, donde vemos a la joven inventora como una estudiante del MIT cuyo tremendo talento la convierte en objetivo de Wakanda. Casi como un típico episodio “backdoor pilot”, se nos explicaban sus motivaciones y su primera armadura funcional, cuya mayor diferencia con la de Tony Stark es que está construida con una combinación de tecnología estadounidense y preciado vibranium. Su relación con Shuri establece conexiones que seguramente se explorarán en el futuro y las consecuencias políticas internacionales del gran conflicto de esta van a definir el mundo de la serie.

4. Spider-Man: Homecoming (2017)

La idea de un Peter Parker como agente juvenil tutelado por Tony Stark no es muy diferente al origen de Ironheart en los cómics, de hecho, en las películas, el traje de Spider-Man no deja de ser una miniarmadura con un poder de destrucción potencial con más que ver con el mundo de Iron Man que con el propio hombre araña de siempre. No hay que descartar que la progresión de Riri en la serie tenga mucho que ver con la de Parker en Spider- Man: Homecoming, recordemos, también un joven científico brillante que en los cómics se inventaba su propio traje y sistema lanzaredes.

5. Doctor Strange en el multiverso de la locura (2022)

Para asimilar el mundo de Ironheart, Doctor Strange es relevante porque establece que la magia y la ciencia pueden coexistir en el MCU, de hecho, las amenazas en la serie requieren más que soluciones tecnológicas. Pero en El Multiverso de la locura se establece que las acciones en una realidad pueden tener consecuencias en otras, y aquí nos interesa la Dimensión Oscura, que aparece de nuevo al final de la película, cuando Stephen Strange y Clea saltan a ella a través de un portal en medio de Nueva York. ¿La clave? Está gobernada por Dormammu, que se asocia mucho con El Encapuchado, el villano de la serie, como fuente de sus poderes en los cómics.

6. Thor: Ragnarok (2017)

Aunque pueda parecer una conexión lejana, Thor: Ragnarok introduce elementos que serán importantes para Ironheart. La combinación de tecnología avanzada con elementos místicos que vemos en Sakaar prefigura precedentes sobre cómo la tecnología puede interactuar con fuerzas cósmicas, con naves y armas que parecen mágicas, como en Asgard donde los diversos artefactos parecen sobrenaturales por naturaleza, pero según Thor, tiene sus raíces en su avanzada comprensión de la ciencia. Teniendo en cuenta que sabemos que el Parker Robbins de Anthony Ramos luce una capa encantada y que el conflicto central de Ia serie es el choque de la ingeniería y las fuerzas ancestrales, la franquicia de Thor puede ir preparando el terreno.

7. Bruja Escarlata y Visión (2021)

Bruja Escarlata y Visión incide en la fusión de la tecnología y la magia, las realidades perceptibles etc, pero también explora el lado más místico e incomprensible de esta en el MCU, valioso para investigar y comprender cómo pueden funcionar los poderes del Encapuchado, o cómo introducir poder en ciertos artefactos. En los cómics, el Encapuchado obtiene sus poderes de una capucha y unas botas mágicas, algo que probablemente se trasladará de alguna forma a la armadura de Ironheart, según indica su tráiler. Como bola extra, no está de más repasar Agatha ¿Quién si no?, el ejemplo más reciente de Marvel en estos mundos.

8. She-Hulk: Abogada Hulka (2022)

Seguro que muchos creen que el último proyecto que se podría esperar asociado a Ironheart sea She-Hulk: Abogada Hulka, pero ojo con los episodios 3, 4 y 9, en donde vemos dónde está ahora Wong, el Hechicero Supremo. De hecho le vemos dirigirse a Donny Blaze, un antiguo alumno de Kamar-Taj que fue expulsado y ahora trabaja como mago. Wong se cruzó en el camino de Blaze cuando éste abrió un portal y envió a Madisynn King a otra dimensión donde conoció a un demonio llamado Jake... y en esta serie parece que habrá demonios. No descartemos que el personaje aparezca aquí a echar una mano a Riri en algún momento.

9. Ms. Marvel (2022)

La idea principal que conecta Ms. Marvel e Ironheart es que Kamala Khan representa la nueva generación de héroes de Marvel, y su serie es la primera que dio espacio a un personaje nuevo, lo que establece el tono en el que otros como ella encajan en el MCU. Vamos a ver los temas de identidad cultural diferente, el peso de heredar un legado heroico, en el caso de Khan el legado de Carol Danvers, en el de Riri, Iron Man. Pero también estableció un modelo narrativo para series centradas en protagonistas adolescentes femeninas que deben equilibrar responsabilidades heroicas con vida la cotidiana.

10. Leyendas de Marvel Studios (2021)

El episodio más reciente de los útiles resúmenes de Leyendas de Marvel Studios es, precisamente, sobre Riri Williams, repasando su insólito viaje de los pasillos de la universidad a los campos ricos en vibranium de Wakanda, para volver a Estados Unidos. Pero ojo, en la segunda temporada hay uno muy útil, dedicado a James "Rhodey" Rhodes que recapitula su evolución desde ser el mejor amigo de Tony Stark a Máquina de Guerra, estableciendo conexiones directas con el legado tecnológico que Riri Williams heredará y siendo el precedente más directo de alguien que no es Tony Stark utilizando y perfeccionando la tecnología de Iron Man.

¿Dónde puedo ver todas las películas y series para preparar ‘Ironheart’?

Para descubrir todas las películas y series del Universo Cinematográfico de Marvel que ver antes de Ironheart, consulta la siguiente guía de streaming de JustWatch. Puedes filtrar tu búsqueda por servicio de streaming, género, precio, clasificación por edades y puntuación. Asegúrate de crear tu lista de favoritos para no perderte nunca y recibir notificaciones útiles sobre qué ver a continuación según tus preferencias.

La velocidad siempre ha tenido algo que engancha al cine, por algo Brad Pitt se ha subido a un monoplaza en la próxima F1: la película. Puede ser por el olor a gasolina, o esa mezcla imposible de glamour y peligro de muerte que rodeaba a los pilotos sobre todo en los años 60 y 70. Lo cierto es que desde hace décadas los directores han encontrado en los circuitos material suficiente para contar historias que van mucho más allá del deporte puro. Esta selección de JustWatch incluye desde las producciones más ambiciosas hasta algunas joyas menos conocidas que merecen ser redescubiertas.

1. Grand Prix (1966)

John Frankenheimer consiguió con Grand Prix la gran película de Fórmula 1, al menos durante 60 años, una lección magistral de cómo filmar velocidad de verdad, sin trucos baratos sino cámaras literalmente montadas en los coches; la fuerza centrípeta se nota en cada curva. Seguimos a James Garner, un americano que intenta hacerse un hueco en el mundo europeo de las carreras, pero también a otros tres pilotos durante una temporada completa, entendiendo su mentalidad y el contexto, ya que en los 60, conducir en F1 era casi un acto suicida, puesto que los accidentes mortales eran habituales y la película no lo endulza en absoluto. Ganó tres Óscars técnicos, incluyendo el sonido y los efectos especiales, que siguen funcionando como un bólido a día de hoy.

2. Rush (2013)

Ron Howard ya tenía experiencia en el cine con coches en el inicio de su carrera, por lo que era el director adecuado para contar la rivalidad entre Niki Lauda y James Hunt, el austríaco meticuloso y calculador frente al inglés salvaje y borracho. Rush funciona porque no intenta romantizar la época—el accidente de Lauda en Nürburgring está filmado con una crudeza que pone los pelos de punta—, pero tampoco cae en el morbo fácil. Daniel Brühl se transformó en Lauda, no solo ya porque físicamente es idéntico, sino que transmite la misma frialdad analítica mientras el magnético Hunt de Hemsworth usa la temeridad como filosofía de vida.

3. Grand Prix en la Montaña de los Inventos (Flåklypa Grand Prix, 1975)

Una pequeña obra maestra artesanal muy desconocida, procedente de Noruega, que pone en ridículo a muchas producciones digitales actuales. Ivo Caprino tardó años en completar la animación en stop-motion—cada fotograma está hecho a mano—y el resultado es único. La historia sigue a un inventor y sus amigos construyendo un coche revolucionario para competir contra los grandes equipos internacionales. La secuencia final de la carrera de Grand Prix en la Montaña de los Inventos es pura adrenalina, pese a estar protagonizada por muñecos de plastilina, con tensión real y momentos de humor aderezados de la banda sonora de Bent Fabricius-Bjerre, que se ha se ha hecho bastante popular en Escandinavia.

4. Senna (2024)

La vida de Senna fue contada en un demoledor documental de 2010, que sirve de base para esta miniserie de Netflix en la que Gabriel Leone tiene la difícil tarea de interpretar a alguien que en Brasil es prácticamente una figura religiosa. Senna expande aspectos como la presión mediática, las relaciones familiares, y la relación casi mística del piloto con las carreras. La reconstrucción de los años 80 y 90 está muy cuidada, con réplicas exactas de los McLaren de la época y la tensión a veces es irrespirable, pese a que el final, claro, sea el que todos conocemos.

5. Un instante, una vida (Bobby Deerfield, 1977)

Al Pacino interpreta a un piloto americano en Europa—un tema recurrente, como estamos viendo—, pero la F1 queda en segundo plano frente a una historia de amor con un final anunciado. En Un instante, una vida, Marthe Keller destacaba como la mujer terminal que enseña a vivir a Deerfield, que vive encerrado en su mundo de hoteles caros y circuitos impersonales. Sydney Pollack usa el trasfondo de las carreras como reflejo del aislamiento emocional del protagonista, con secuencias en Mónaco y otros circuitos europeos llenas de elegancia visual, en equilibrio con un núcleo de gran melodrama americano de los que ya no abundan.

6. Rivales pero amigos (The Young Racers, 1963)

Roger Corman nunca tuvo un duro para hacer películas, pero sabía aprovechar las limitaciones mejor que nadie y su Rivales pero amigos no es una excepción: la rodó prácticamente sin presupuesto en circuitos reales, durante carreras de verdad, y esa autenticidad accidental le da un valor documental que otras superproducciones posteriores no consiguieron. Siguiendo la típica confrontación de piloto veterano contra joven promesa, Mark Damon y William Campbell no piensan nunca que están en una película de serie B y se toman en serio sus interpretaciones, en combinación con algunas imágenes de impacto de la F1 primitiva: coches sin demasiada protección, circuitos peligrosos y la obsesión americana por el espectáculo en vivo.

7. La saga de los Hardeman (The Betsy, 1978)

Otro gran melodrama de los 70 que parece la Dallas de la industria automovilística. Un Laurence Olivier mayor, pero todavía imponente, interpreta al patriarca de una dinastía de fabricantes de coches, mientras Tommy Lee Jones hace de piloto que se ve atrapado en las luchas de poder corporativas. La saga de los Hardeman adapta una novela de Harold Robbins y funciona mejor como retrato generacional (suben muy fuerte los humos de El Padrino) que como thriller de deportes, también con Robert Duvall y Katharine Ross completando un reparto de lujo, para lograr sortear lo que podría haber sido un culebrón donde las carreras tienen su punto, pese a estar relegadas a la situación general.

8. Ferrari (2023)

Ferrari quizá no es la mejor película de Michael Mann, ni siquiera es una típica peli de F1 al uso, sino que se centra más en el hombre detrás de una de las marcas claves para entender las carreras y el mundo del motor. Nos situamos en 1957, posiblemente el año más duro en la vida de Enzo Ferrari: crisis económica, la muerte de su hijo, tragedias asociadas a sus coches... Mann utiliza la Mille Miglia, una carrera casi suicida que cruzaba Italia, como metáfora de la obsesión de Ferrari por la velocidad. Aunque los modelos que aparecen mayormente son deportivos, no monoplaza, Enzo es una figura adyacente suficientemente importante como para estar aquí.

Dónde ver las mejores películas y series de Fórmula 1

Puedes descubrir las series y películas de Fórmula 1 disponibles consultando la siguiente guía de streaming de JustWatch. Puedes filtrar tu búsqueda por servicio de streaming, género, precio, clasificación por edades y puntuación. Asegúrate de crear tu lista de favoritos para no perderte nunca y recibir notificaciones útiles sobre qué ver a continuación según tus preferencias.

En esta lista, comentamos diez grandes westerns muy variados que no han sido lo suficientemente valorados por el público, y te explicamos por qué deberías darles otra vuelta, o una primera oportunidad si eres aficionado al género y no los has visto nunca.

El sabor de la venganza (Joaquín Luis Romero Marchent, 1964)

No hay nadie más aficionado a los westerns de los hermanos Marchent que Quentin Tarantino: una pena que Condenados a vivir, uno de sus grandes favoritos, no esté disponible, pero El sabor de la venganza es otro clásico (infravalorado) que nos recuerda a los que hicieron grande el eurowestern a la española, hablando precisamente de tres hermanos que buscan vengar la muerte de su padre, cada uno a su personal manera. Había que aprovechar los poblados del Oeste de Tabernas (Almería), y estaba claro que los Marchent podían hacerlo igual de bien que los italianos. 

El retorno de Ringo (Duccio Tessari, 1965)

Django o Sartana, entre otros iconos del spaghetti western, captaron toda la atención, pero las dos películas en las que Giuliano Gemma se identifica con Ringo, El retorno de Ringo y Una pistola para Ringo, ambas rodadas en Almería por el mismo director y estrenadas el mismo año (sin que haya una conexión argumental demasiado clara) no son nada desdeñables. Gemma está imponente, y son dos westerns la mar de frescos en los que lidia con bandidos mexicanos liderados por Fernando Sancho, bajo la mirada de una mujer tan hermosa como Nieves Navarro, que figuraba en los créditos como Susan Scott. Le alegran la tarde al más descreído del género. 

Una cuerda, un colt (Robert Hossein, 1969)

Los franceses no se prodigaron demasiado en el eurowestern, pero Una cuerda, un colt, del gran Robert Hossein, protagonista, director y coguionista junto a Dario Argento (luego un tanto desacreditado por el propio Hossein), es magnífico, a la altura de su precedente El sabor de la violencia, y con banda sonora de su padre, André Hossein, en modo Morricone. Hossein interpreta aquí a un pistolero melancólico que vive en el casino abandonado de un pueblo derruido que es contratado por una viuda para llevar a cabo una venganza de lo más perversa. Un western oscuro, cruel y existencial. 

El especialista (Sergio Corbucci, 1969)

Si hablamos de eurowestern a la francesa, habrá que recordar el protagonizado por Johnny Halliday,  El especialista, a las órdenes del gran Sergio Corbucci, uno de los llamados “tres sergios” del spaghetti western (Corbucci, Leone y Sollima), que tiene en su haber obras maestras mucho más reconocidas como Django (1966) y El gran Silencio (1968). Y la verdad es que el cantante de Souvenir, Souvenir da muy bien como el expeditivo pistolero que, con su Colt, su Winchester o sus puños, es capaz de diezmar a todos los bandidos que se le pongan por delante. La banda sonora no corre a su cargo, pero la firma un excelente Angelo Francesco Lavagnino. 

Rápida y mortal (Sam Raimi, 1995)

El mundo no estaba preparado para una mujer de armas tomar como una Sharon Stone en la cima de su carrera. Pero el paso del tiempo no ha hecho más que favorecer el extraordinario western de Sam Raimi Rápida y mortal, algo así como una versión feminista del Infierno de cobardes, de Clint Eastwood, en la que el querido y añorado Gene Hackman ejerce de villano despiadado. Entre los muchos pistoleros que circulan por un pueblo de mala muerte llamado Redención también está un jovencísimo Leonardo DiCaprio. No tiene desperdicio. 

Jauja (Lisandro Alonso, 2014)

También en Argentina se cocinan excelentes westerns como esta obra maestra protagonizada por Viggo Mortensen (que también firma la banda sonora). El planteamiento recuerda al de Centauros del desierto, aunque en clave más poética, con deslumbrante fotografía de Timo Salminen –el director de fotografía de Aki Kaurismäki– y ambientado en la Patagonia decimonónica. Alonso lleva el género en la sangre, prueba de ello es que uno de los tres episodios de su siguiente película después de Jauja, Eureka, también es un western, y otro está ambientado en la reserva sioux de Dakota del Sur. 

Mi hija, mi hermana (Thomas Bidegain, 2015)

El guionista habitual de Jacques Audiard se estrenó como director con un neowestern contemporáneo más que notable, Mi hija, mi hermana que vuelve a tener ecos de la inmortal Centauros del desierto en su planteamiento argumental: el bueno de François Damiens, amante de la música country y con la calva siempre cubierta por un Stetson, es un padre en busca de su hija desaparecida en el mundo actual. Y esa búsqueda se convertirá en un viaje que lo llevará muy lejos, más allá de lo que jamás habría imaginado. 

Los hermanos Sisters (Jacques Audiard, 2018)

Jacques Audiard, director, y Thomas Bidegain, guionista, adaptaron la excelente y divertidísima novela de Patrick DeWitt, Los hermanos Sisters, sobre dos hermanos asesinos, interpretados por Joaquin Phoenix y John C. Reilly, que reciben el encargo de encontrar a un químico (Riz Ahmed) que ha dado con una quimérica fórmula capaz de multiplicar el oro. Jake Gyllenhaal también está sobre su pista. No tuvo la acogida que se merecía, quizás porque el humor de DeWitt se capta mejor negro sobre blanco que en la gran pantalla. 

Los colonos (Felipe Gálvez Haberle, 2023)

También en Chile se hacen westerns fascinantes, como Los colonos, que nos lleva al Chile decimonónico, una época y un territorio en el que los grandes terratenientes mandaban a sanguinarios exploradores para que cercaran tierras de las que habían ganado la propiedad, aunque estuvieran en territorio indígena. Un western basado en hechos reales, que denuncia, con nombres y apellidos, las masacres de indígenas llevadas a cabo por las grandes familias que todavía, en muchos casos, ocupan una posición de inmenso poder en el país. 

Hasta el fin del mundo (Viggo Mortensen, 2023)

Después de protagonizar Jauja, Viggo Mortensen dirigió su propio y muy sensible western Hasta el fin del mundo, con cameo de Lisandro Alonso, que se caracteriza por mostrar la dura vida de las mujeres que se quedaban solas en el rancho cuando sus maridos decidían irse a la guerra. Mortensen es el marido ausente, y la gran Vicky Krieps la esposa que se lleva todo el protagonismo en un western cocinado a fuego lento, donde se las verá con hombres mucho menos agradables que se las harán pasar canutas. Otra película que claramente necesita una mirada más atenta por parte de los espectadores. 

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Se acerca el Orgullo y aquí nos plantamos, maricas, bolleras y bisexuales por etapas, a reivindicar nuestra visibilidad, pero sobre todo nuestros derechos y los de les hermanes LGTBIQA+ (porque recuerden, la lucha es de y por todes). En fin, que la jarana se anime con algunos de los mejores besos queer del cine y las series: algunos lésbicos, otros bisexuales (vaya, de personajes bisexuales) y otros tantos gays. Varios momentos conocidos y otros más allá de la nata de clásicos como Brokeback Mountain: En terreno vedado (2005) o La vida de Adèle (2013). Consulta la siguiente guía de JustWatch para acceder a tan variado tapeo.

1. Greta Garbo como la bisexual Reina Cristina

Empecemos por el principio. La reina Cristina de Suecia (1933) es un biopic dirigido por Rouben Mamoulian con Greta Garbo como la monarca del siglo XVII, cuya sexualidad fue siempre representada como fluida y transgresora. La película pudo estrenarse porque eran tiempos del Hollywood pre-Código (1929-1934), y en una de sus primeras escenas, la reina Cristina (Garbo), disfrazada de hombre mientras viaja, besa a una de sus cortesanas en la boca. Aunque breve, fue un gesto muy audaz para 1933. En el film, la historia de amor principal de Christina es con un embajador masculino (John Gilbert), pero claramente ella es bisexual.

2. El primer morreo gay en ‘Alas’

Se acerca el clímax de Alas (1927): David yace herido de muerte, con su mejor amigo Jack acunándolo en brazos. Visiblemente consternado, lo besa tiernamente en la boca mientras muere. Hoy lo leeríamos como un ñoño despido, pero fue el primer beso gay del cine. El gesto entre Jack (Charles "Buddy" Rogers) y David (Richard Arlen) se ha leído como una señal de camaradería, pues ambos personajes estaban enamorados por trama de la inocente Mary (Clara Bow) y se decía que la amistad en la guerra se expresaba a besos pero amiga, date cuenta. Este dramón, dirigida por William A. Wellman, es célebre por ser la primera en ganar el Oscar a la Mejor Película.

3. Lo que Corky y Violet no hicieron en ‘Lazos ardientes’

Dentro de la oleada neonoir de los noventa, la reacción mainstream ambivalente al surgimiento del Nuevo Cine Queer, entre las promesas envenenadas de Catherine Tramell y las fugas gay de Gregg Araki, se enmarca la primera película de las hermanas Wachowski. En Lazos ardientes (1996), Violet (Jennifer Tilly) y Corky (Gina Gershon) son amantes que planean robarle dos millones de dólares al novio mafioso de Violet.

Un día, después de que éste las interrumpa a medio polvo en el sofá, Violet acompaña a Corky hasta su coche y le dice aquello de: “No me disculpo por lo que hice, me disculpo por lo que no hice”, antes de que ambas se coman la boca. ¡Reinas! Eso sí, Gina Gershon declaró recientemente a Entertainment Weekly que a las hermanas Wachowski les ofrecieron más dinero para que contrataran a un hombre en lugar de ella, cosa que por suerte no hicieron.

4. Willow y Tara hacen historia en ‘Buffy cazavampiros’

El momento lésbico más importante de la tele fue sin duda el episodio Cachorro de la serie de Ellen, el 30 de abril de 1997. En él, Ellen Morgan (Ellen DeGeneres) salía del armario entre estrellas invitadas: Demi Moore, Laura Dern (como el interés amoroso de Ellen), Oprah Winfrey, Gina Gershon, Billy Bob Thornton… Pero luego, en 2001 vimos más acción lésbica que en los diez años anteriores juntos, y por fin los besos fueron dejando de ser un gancho para las audiencias. Buffy cazavampiros (1997) rompía moldes al desarrollar, más allá de la anécdota, la relación entre las brujas Willow (bisexual) y Tara. Por suerte el armario se hizo inhabitable también en series híper comerciales como 24 o Urgencias, con la lesbianísima Dra. Kerry Weaver.

5. Más fluidos en ‘La doncella’

No es un beso, “aunque”. En el tremendísimo thriller erótico de Park Chan-wook La doncella (2016), Hideko (la genial, fantástica, Kim Min-hee) es una rica heredera japonesa que vive recluida en una mansión rural que seduce a su criada (Kim Tae-ri), sin por ello dejar de tener un plan oculto urdido para ellas. Bueno. La cosa acaba en una escena de sexo oral muy hot, que remata con Kim Min-hee levantándose con la cara mojadísima, desde la nariz hasta la barbilla. Toda la parte inferior de su cara está empapada. Es muy sexy, pero también es exactamente como en la vida real: comer coño es suave e íntimo, pero también salpica.

6. ‘Moonlight’ nos sacó una lagrimilla tierna

Cómo no incluir a esta ganadora del Oscar, Moonlight (2016), el tríptico de salida del armario, crecimiento y redención dirigido por Barry Jenkins. Chiron pasa de niño apocado a adolescente a adolescente seguro, a adulto pagado de sí mismo, y en el proceso acabamos sintiéndonos algo responsables de él. Por ello, cuando por fin encuentra el amor en Kevin, aplaudimos de manos y pies. En la playa, bajo la luna, la pareja se fuman un porro, hablan y luego se besan suavemente. Es tierno, es mutuo, y Chiron, es la primera vez en su vida que lo aceptan física y emocionalmente. Ay, mamá.

7. Meghan, fuerísima del armario en ‘But I’m A Cheerleader’

But I’m a Cheerleader (2000) es una de las mejores comedias queer de la historia, así que nada menos que incluir un beso que tanto se siente un pequeño acto de rebeldía y aceptación, como una patada entre las piernas del heteropatriarcado opresor. El beso entre Meghan y Graham ocurre en True Directions, un campamento de terapia de conversión para curar adolescentes homosexuales (uf). Meghan (Natasha Lyonne, jovencísima) llega en negación pero no puede sacar los ojos de Graham (Clea DuVall), una rebelde que, admitámoslo, sería el sueño húmedo de cualquier chica en el armario. El momento es sólo uno de los grandes hitos en una película imprescindible.

8. Monería en ‘Schitt’s Creek’

David es uno de los personajes más monérrimos de la ya de por sí adorable serie Schitt’s Creek, y ese es un buenísimo motivo, ya de por sí, para incluirla en la lista. David llega con su buena bolsa de traumas, y Patrick vive tan completamente libre de astucia, engaños y segundas intenciones que casi ofende. Su problema es que es tan novato que no sabe lo que hace, y no sabe cómo emular el tipo de personas cínicas que siempre han rodeado a David. El primer paso para el hijo de los Rose, una familia en decadencia de la que Patrick podría ser un bonico Golden Retriever. ¡Nos encanta!

9. La mejor forma de ligoteo, por ‘The Watermelon Woman’

El primer largometraje escrito y dirigido por una cineasta lesbiana negra en el Nuevo Cine Queer, The Watermelon Woman (1997) es histórica por méritos propios. Cheryl Dunye escribe, dirige y protagoniza esta película pionera y semiautoficcional, en la que recrea su vida como dependienta en un videoclub y cineasta en ciernes. Cheryl prepara un documental sobre una actriz negra de la década de 1930, conocida por ser “la mujer de la sandía” pero completamente olvidada. Una investigación, la suya, que se le olvida fácilmente cuando la estupenda clienta Diana entra por la puerta y arranca su ligoteo. El primer beso no tarda en llegar (apasionado, juguetón) después de que Diana le encienda el cigarrillo de Cheryl en su primera cita. Desde entonces, por cinefilia, siempre llevo mechero por si una lesbiana se me acerca.

10. Nuestras niñas, Jules y Rue, en ‘Euphoria’

Euphoria (2019), capítulo 1. Tras un día glorioso y una noche tensa, marcada por un encuentro peligroso para Jules y la recaída a las drogas de Rue, ambas terminan en la habitación de Jules. Durante esas horas construyen un vínculo intenso, unidas por la soledad y la sensación de no encajar. Sentadas en la cama, una abrumada Rue besa por impulso a Jules. Aunque sorprendida, Jules no se aparta. Es un momento íntimo, tierno y cargado de vulnerabilidad, más ligado a la búsqueda de consuelo y conexión que al deseo. Y ese beso se convertirá en el punto de partida de la relación más frágil y compleja que vertebra la serie.

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La serie surcoreana El juego del calamar ha sido, junto a la española La casa de papel, uno de los fenómenos globales más grandes en la historia de Netflix. En ambos casos tiene mucho mérito, teniendo en cuenta que son series que no están rodadas en inglés.

Además de sus tres temporadas oficiales, El juego del calamar ha dado lugar a varios contenidos alternativos. Entre ellos, la propia Netflix ha lanzado un concurso que, irónicamente, se parece mucho a la trama de la serie, a pesar de que esta encierra una crítica social bastante evidente. 

Netflix tiene hasta un contenido llamado El juego del calamar: chimenea. Se trata de una chimenea digital, un elemento decorativo que resulta en un plano fijo de una chimenea en movimiento en una grabación que dura una hora.

El juego del calamar (2021)

En el año 2021 se estrenó la primera de las tres temporadas de El juego del calamar. La serie de ficción se centra en Seong, un hombre divorciado y padre que es ludópata. Tiene tantas deudas que decide aceptar la extraña oferta de un desconocido para formar parte de una misteriosa competición. En ese recinto secreto, se encuentra con otros 455 aspirantes que, al igual que él, se encuentran en una situación extrema y están dispuestos a arriesgar su vida por ganar el premio millonario del juego. Para ello, tienen que pasar distintas pruebas eliminatorias. Las alianzas y deslealtades son imprescindibles para sobrevivir.

El juego del calamar: El desafío (2023)

El éxito de la serie fue tan brutal en todo el planeta que Netflix decidió llevar su historia a la vida real. Al menos en la medida de lo posible. Tal y como ocurre en la ficción, en este concurso, llamado El juego del calamar: El desafío y de producción estadounidense, un grupo de 456 personas se encierra en un extraño edificio para superar pruebas, que resultan similares a juegos infantiles. Solo puede quedar uno, que es quien se lleva un premio millonario. El resto son eliminados. En la serie, los descalificados mueren. En el concurso hasta donde sabemos, nadie muere. Recuerda, eso sí, al mítico Humor amarillo.

Así se hizo El juego del calamar: El desafío (2023)

Una de las cosas que más llaman a los espectadores del concurso real sobre El juego del calamar: El desafío es cómo sus responsables han trasladado a la realidad una competición que, entre otras cosas, en la serie resulta espectacular por ser ficticia. Un largometraje llamado Así se hizo El Juego del calamar: El desafío repasa cómo se transformó el particular universo visual de esta ficción asiática en un programa de telerrealidad de competición que resulta tanto o más trepidante que el relato original. El programa especial explica cómo se han reconstruido los set de las pruebas para ser realmente completadas o cómo se han adaptado para dar pie a la sorpresa y que la audiencia no se encuentre exactamente con los mismos retos.

El juego del calamar: detrás de cámaras (2025)

La segunda temporada de la serie surcoreana se hizo esperar, ya que su creador Hwang Dong-huyk había concebido en principio la historia como una miniserie. El tiempo mereció la pena y el director y guionista supo crear una trama que justificara el regreso de uno de los protagonistas de la historia al mismo mortífero lugar. Se estrenó en 2025 y junto a ella Netflix lanzó un programa especial detras de cámaras que repasa el cómo se hizo de esta segunda tanda de episodios, con entrevistas exclusivas del director, los principales actores e incluso el equipo técnico e imágenes inéditas del set de rodaje.

Dónde ver todos los programas y películas de El juego del calamar en orden

Esta guía de JustWatch te permite descubrir cómo ver todos los programas y películas de El juego del calamar en orden y en qué plataformas de streaming puedes encontrarlas.

Ahora ya no nos sorprende que Aang, aquel niño pelado de doce años, fuese en efecto el poderoso maestro elemental conocido como Avatar, destinado a poner fin a una guerra imperialista de cien años contra la Nación del Fuego. La serie original de Avatar: La leyenda de Aang (2005) de Michael Dante DiMartino y Bryan Konietzko caló tanto en nuestro sustrato cultural que incluso los descreídos de la animación conocen esta tierra pseudomedieval orientalista estructurada alrededor de maestros capaces de manipular los elementos del agua, la tierra, el fuego y el aire. Con el estreno de La leyenda de Aang: El último Airbender (2026), un revival de la época de adolescente de nuestro cabeza-brillante y corazón-amplísimo preferido, en JustWatch hacemos la vista atrás para contar en qué plataformas podéis ver todo el Avatarverso y en qué orden.

Avatar: La leyenda de Aang - Libro 1: Agua (2005)

Cada temporada de Avatar: La Leyenda de Aang se concentra entre las tapas de un “libro” en concreto. La temporada 1 se apoda ‘Agua’, porque arranca en el seno de la Tribu del Agua, aquí no hay secreto. Aang es encontrado dentro de un enorme trozo de hielo por dos adolescentes de la Tribu Agua, Katara y Sokka. Su despertar es un evento que, aunque todavía no lo sepan, tendrá consecuencias históricas. Como Aang necesita dominar los cuatro elementos para convertirse en un Avatar completo, Sokka y Katara deciden llevarlo a la Tribu Agua del Norte para que aprenda de un maestro del Agua Control. En el camino, se enfrentan a Zuko, de la Nación del Fuego, el primero de muchos enemigos de un país… Fogoso.

Avatar: La leyenda de Aang - Libro 2: Tierra (2006)

La segunda temporada de Avatar: La leyenda de Aang arranca con el trío bien formado, ahora reclutando a Toph Beifong, una joven ciega terraformadora, y sigue con el viaje de este cuarteto y su enorme bisonte hacia la capital de la Tierra. Mientras tanto, debido a sus acciones en el Polo Norte en el Libro del Agua, Zuko, el viejo Iroh y la princesa Azula son declarados traidores por la Nación del Fuego y abandonan su país hacia el desierto, donde un choque con Aang parece inevitable. A estas alturas, nadie se extrañaba de que una serie con vocación familiar y buen carácter pudiera estar, también, a la altura de las críticas, pero los Emmy y los Annie que ganó reforzaron el brillo de esta perlita.

Avatar: La leyenda de Aang - Libro 3: Fuego (2007) 

Esta es una temporada final recordadísima, con algún Annie y Golden Reel a parte. Aang aprende ahora a controlar el fuego gracias a un aliado inesperado, y se enfrenta junto a Katara, Sokka y Toph al tiránico Señor del Fuego Ozai antes de la llegada del Cometa de Sozin. Mientras, el Príncipe Zuko es bienvenido de nuevo en la Nación del Fuego, en un arco que nada tiene que envidiar a los shonen actuales. A esta temporada le siguió la trilogía de cómics La Promesa, ambientada un año después del final de la serie. Aunque los últimos capítulos no necesitan ningún añadido, si podéis, echadle un ojo.

Airbender, el último guerrero (2010)

Visto el éxito de la serie, así como la barrera de entrada que suponía el hecho de que fuera animación para todos los públicos (dejaremos el debate para otro momento), M. Night Shyamalan aceptó encantado escribir y dirigir Airbender, el último guerrero (2010), un retelling en un universo paralelo de los eventos del Libro del Agua, cambiando personajes, caracterización y trama respecto de la historia animada. Bryan Konietzko y Michael Dante DiMartino, los creadores originales, no participaron y se han distanciado públicamente del proyecto, que ha envejecido muy regular. De hecho, Roger Ebert escribió: “Las leyes del azar sugieren que algo debería haber salido bien. No es el caso”.

La leyenda de Korra - Libro uno: Aire (2012)

Avatar: La Leyenda de Aang tuvo tan buena acogida que se obvió el fracaso de la película y se hizo una secuela, La Leyenda de Korra (2012). Emitida entre 2012 y 2014, arranca con el Libro uno: Aire, que transcurre setenta años después de la serie original y que sigue a la sucesora de Aang en el cargo de maestro de elementos, una joven de 17 años llamada Korra. Como la original, también Korra fue muy aplaudida por su riqueza en la de mundos orientalistas, por cómo deconstruía el colonialismo, el machismo y el capacitismo.

Esta temporada destaca no solo por lo carismático de su protagonista, sino también por reimaginar el mundo de Avatar, desde un prisma bastante denso y estetizado: Ciudad República tiene influencias steampunk y Tenzin, el hijo de Aang, convive con un abanico de perspectivas sobre quién era y qué hizo bien (y mal) el legado del Avatar.

La leyenda de Korra - Libro dos: Espíritus (2013)

La temporada 2 de La leyenda de Korra pasa seis meses después de dominar el elemento del Aire, Korra visita la Tribu del Agua del Sur y conoce a su tío Unalaq, quien calma a un espíritu furioso y se ofrece a enseñarle a controlarlo. La tensión aumenta cuando Unalaq desencadena una guerra civil entre las Tribus del Agua. Tras perder la memoria en una batalla espiritual, Korra descubre la historia del Avatar Wan y el origen de los espíritus buenos y malos, Raava y Vaatu. Korra sólo podrá derrotar a Vaatu gracias a Tenzin y Jinora, dupla de amigos inicial, homólogo de Avatar: La Leyenda de Aang.

La leyenda de Korra - Libro tres: Cambio (2014)

En el Libro del Cambio, Korra se convierte ya definitivamente en una serie de conspiración política. Porque los espíritus y los humanos pueden coexistir en paz, pero toda la parafarnalia de los elementos (incluída la aparición de nuevos Maestros Aire) queda en pausa cuando Zaheer escapa de prisión y forma el Loto Rojo, un grupo anarquista que busca derrocar gobiernos mundiales y matar al Avatar. Mientras el equipo de Korra recluta Maestros Aire y visita la ciudad metalúrgica de Zaofu, Zaheer asesina a la Reina Tierra y amenaza al Templo Aire del Norte. Para quien sospechara del carácter grave de la serie, este final de la temporada es simplemente espeluznante.

La leyenda de Korra - Libro cuatro: Equilibrio (2014)

La trama de la conspiración política se agravia con el bajo-bajísimo de Korra, que arranca la temporada 4 lidiando con el trauma y la inseguridad, aislada de sus amigos mientras se recupera física y emocionalmente. Todo, conduce a una moraleja por lo que vale, de veras, el sacrificio y a una épica batalla final por el futuro del mundo. El cuarto libro también marca un hito en la representación LGBTQA+ en la animación. Tanto Avatar: La leyenda de Aang como La Leyenda de Korra se consideran dos de las mejores franquicias animadas de la historia, y este final aún nos resuena.

Avatar: La leyenda de Aang (2024)

Era inevitable. En Avatar: La leyenda de Aang (2024) Albert Kim tomaba el relevo de M. Night Shyamalan en otro retelling (“pero ahora bien”) de la serie original en dos temporadas más: el 6 de marzo de 2024, se anunció que la historia había sido renovada por una segunda y tercera temporada, cerrando el arco de Aang. Las nuevas caras de Katara (Kiawentiio), Sokka (Ian Ousley) y Aang (Gordon Cormier) son, por lo menos, más carismáticas que en la película de Shyamalan, aunque las críticas de la serie no la vuelven indispensable para fans de la animada. De momento, no tenemos más noticias de ellas.

La leyenda de Aang: El último Airbender (2026)

La leyenda de Aang: El último Airbender (2026) es la primera película de Avatar Studios, compañía de producción de Nickelodeon con Bryan Konietzko y Michael Dante DiMartino por corresponsables creativos. Ambientada años después de los eventos de Avatar: La leyenda de Aang, la película seguirá al grupillo inicial en sus años adultos-mozos. En junio de 2022, se anunció que Lauren Montgomery, artista de storyboard en la serie y supervisora de producción ​​de Korra, sería la directora junto a William Mata. Steven Yeun vuelve como el Avatar Wan y Dave Bautista pondrá la voz del antagonista, eso es casi todo lo que sabemos.

¿Dónde puedo ver todas las temporadas y películas de ‘Avatar’ y ‘Korra’?

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Pocas películas de acción real han suscitado tanto revuelo como los remakes de los clásicos animados de Disney. Esta controversia se debe a algunos cambios (muchos realizados con buenas intenciones, otros tantos motivados por modas) que la compañía ha introducido y que han acabado desdibujando la esencia de algunas de sus historias originales. 

Si bien adaptar un clásico de dibujos animados al cine de acción real no es una tarea sencilla, estas producciones cometieron errores que no pasaron desapercibidos para el público. Presta atención porque a continuación te mostramos los 10 peores cambios en los remakes live-action de Disney, así como las plataformas donde puedes verlos.

101 dálmatas. ¡Más vivos que nunca! (1996)

Aunque ya han pasado muchos años desde su adaptación, 101 dálmatas. ¡Más vivos que nunca! también incluyó algunos cambios que trastocaron la versión animada que conocíamos. 

La principal diferencia es que en el film de acción real los perros no hablan. Este era uno de los principales encantos de la película de dibujos, algo que aporta personalidad y despertaba una gran sintonía emocional.

A pesar de ello, y debido a su éxito, la película tuvo una secuela bajo el título de 102 dálmatas.

Aladdín (2019)

Continuamos esta lista de cambios cuestionables de Disney con el remake de Aladdin, protagonizado por Mena Massoud, Naomi Scott y Will Smith, y dirigido por Guy Ritchie. En esta adaptación al mundo de la acción real, Ritchie decidió convertir a Jafar en un pájaro en lugar de en una cobra, como ocurría en la película original.

Este reemplazo dio lugar a una situación menos intimidante para el protagonista, lo que conllevó una enorme decepción por parte del público. A pesar de esto, se encuentra entre las mejores películas de Will Smith.

Dumbo (2019)

Otro de los títulos que no gozó de buenos cambios fue Dumbo, a la que Tim Burton le quitó una de sus escenas más icónicas.

Nos referimos, en concreto, al número psicodélico de los elefantes rosas, que era uno de los momentos más mágicos del Dumbo animado. En el remake, el director decidió reemplazarlo con un desfile de burbujas, borrando todo rastro de la psicodelia y la imaginación del film original. 

Sin duda ha sido una de los trabajos que más revuelo ha levantado entre todas las películas de Tim Burton.

Cenicienta (2015)

En la versión de acción real de Cenicienta, se respeta con bastante fidelidad a la película original, aunque por el camino se cortaron algunos de los números musicales que aparecen en el film clásico.

Al recortar algunas de las melodías más destacadas, se pierde parte del ritmo y la magia musical que caracterizaban a la historia original. 

La versión de acción real, protagonizada por Lily James y dirigida por Kenneth Branagh, logró una nominación a los Premios Óscar en la categoría de Mejor vestuario.

El libro de la selva (2016)

Si bien es cierto que es una película muy fiel a la obra original, y que su CGI es impresionante (no es casualidad su Óscar a Mejores efectos visuales), en El libro de la selva también se produjeron cambios desafortunados.

La banda sonora se volvió algo trivial y los animales, aunque hiperrealistas, no tenían la expresividad de los dibujos animados, lo que llevó a algunos a criticar la película por transformar un cuento mágico en una fría exhibición técnica.

La bella y la bestia (2017)

Otra adaptación que no se mantuvo fiel a la película original es La bella y la bestia, sobre todo en el juego que desempeñan algunos personajes secundarios, como los objetos animados del castillo, que ahora son mucho menos espontáneos en comparación con el film animado.

Otra de las críticas es que la bestia es mucho menos fiera que en la película de dibujos, algo que va en detrimento del contraste emocional icónico entre la belleza de Bella y la brutalidad de él.

Mulán (2020)

Sus dos nominaciones a los Premios Óscar y la recepción positiva general, no pueden ocultar algunos cambios que el live-action de Mulán introdujo, innecesariamente según muchos, a la historia del film.

La eliminación de Li Shang, icono bisexual y figura central del respeto mutuo, el film dividió su función entre dos personajes nuevos. Esto provocó que Mulán perdiera una relación icónica, empeorando la química emocional y reduciendo la carga simbólica que Shang representaba. 

La Sirenita (2023)

En la película de acción real de La sirenita se eliminaron los temas musicales de Les Poissons y Daughters of Triton y el número de Scuttle con Awkwafina fue criticado por su letra. 

Por otro lado, la representación del Rey Tritón y la iluminación submarina no contaron con la fuerza emocional de la obra original. Todo esto a pesar del elenco de campanillas que tuvo la película: Halle Bailey, Javier Bardem, Simone Ashley…

Peter Pan & Wendy (2023)

Más reciente es el live-action Peter Pan & Wendy, donde uno de sus aspectos más cuestionados fue la pérdida de protagonismo de Peter Pan, opacado por Wendy, que se convierte en la figura central del relato. 

Si bien es cierto que la intención era empoderar a Wendy, esta estrategia termina diluyendo el papel y la personalidad icónicos de Peter y convierte la historia en algo más genérico. Alexander Molony es el encargado de dar vida a Pan, mientras que Wendy es encarnado por Ever Anderson.

Blancanieves (2025)

La nueva versión de Blancanieves apostó por un casting muy inclusivo para el film dirigido por Marc Webb, sin embargo los enanitos, uno de los elementos esenciales de la historia, fueron reemplazados por compañeros mágicos creados mediante CGI.

La cinta también diluyó la esencia de la relación de Blancanieves con los enanos, la cual pierde carisma, y el mensaje actual no se integra bien con la narrativa clásica.

¿Dónde puedo encontrar online estos 10 remakes live-action de Disney?

En la lista que te compartimos abajo, aparecen los 10 remakes live-action de Disney que te contamos, así como las plataformas online en las que puedes encontrarlos. 

La Cuéntame cómo pasó (2001) perpetuamente colgada de una bolsita de té, con tramas de auténtico culebrón (de cubertería de plata hurtada a muertes realmente engorrosas) y un reparto estelar, de Hugh Bonneville, a Laura Carmichael, pasando por Maggie Smith o Michelle Dockery. Downtown Abbey garantiza un visionado disfrutón y high-class. Porque si el Titanic se hunde al principio de la primera temporada, es para dar paso a seis arcos a espaldas de la Primera Guerra Mundial, la pandemia de gripe española y los mil cambios socioestructurales del país, hasta el impacto sobre la saga Crawley del primer cine clásico. 

Ahora, con Downton Abbey: El gran final (2025) a la vuelta de la esquina, toca hacer memoria. Vive una verdadera flamante experiencia British en tus plataformas de confianza: usa esta guía de JustWatch para navegar entre todas las temporadas y películas disponibles en España de la serie creada por Lord Julian Fellowes.

Downton Abbey - Temporada 1 (2010)

La primera temporada de Downton Abbey comienza con el hundimiento del Titanic en 1912, donde mueren los herederos de la familia Crawley. Matthew Crawley, un primo lejano interpretado por Dan Stevens, es designado sucesor. La trama sigue con la independencia de Albania, el auge de las Sufragistas (con Lady Sybil, Jessica Brown Findlay, como activista) y las tensiones previas a la Primera Guerra Mundial. Mary Crawley (Michelle Dockery) vive un romance prohibido con Kemal Pamuk (Theo James), un diplomático otomano... La temporada culmina en agosto de 1914, con el asesinato del archiduque Fernando y la declaración de guerra británica a Alemania.

Downton Abbey - Temporada 2 (2011)

La segunda temporada de Downton Abbey comienza en 1916, durante la Batalla del Somme, una de las más sangrientas de la Primera Guerra Mundial. Veremos cómo afecta a los Crawley la Ley del Servicio Militar y cómo se proclama la independencia de Irlanda. Luego, en el segundo episodio, la historia ya avanza hasta 1917: con la finca Crawley transformada en hospital de guerra y varios personajes, incluído Matthew, alistados. El corazón histórico de la temporada sería la Primera Guerra Mundial, que culmina en noviembre de 1918, pero poco después, llega la pandemia de gripe española. Por suerte, Fellowes decidió cerrar el arco con un episodio navideño en 1919. Hó, hó, hó.

Downton Abbey - Temporada 3 (2012)

Menos tiempo, conflicto concentrado. La tercera temporada de Downton Abbey acorta la línea temporal a tan solo dos años, entre 1920 y 1921. Tras superar la guerra y la pandemia, la familia Crawley se enfrenta a la pérdida de su fortuna debido a las inversiones fallidas del conde en el Grand Trunk Railway, que quebró entre 1919 y 1920. Pero la saga está dispuesta a luchar por la finca en la que residen. Otras dos revoluciones se advienen: el sufragio femenino y la independencia irlandesa. Ojo, porque es la última temporada de Dan Stevens en Downton Abbey, con un potentísimo final de temporada (también navideño).

Downton Abbey - Temporada 4 (2013)

La miseria acaba con la cuarta temporada de Downton Abbey. Este trecho abarca 1922 y 1923, años en que el Partido Conservador asumió el poder y el rey Jorge V seguía en el trono. La historia comienza seis meses con Mary y la familia en duelo. Lady Rose (Lily James) se adentra en la escena del jazz, un panorama socialmente más abierto, mientras las ideas socialistas y antiaristocráticas van ganando fuerza en Reino Unido. Aunque la temporada se enfoca más en conflictos familiares, atenderemos al cambio de primer ministro de David Lloyd George a Andrew Bonar Law, y luego a Stanley Baldwin, y la fusión ferroviaria del NER. Y esperad un episodio especial en que Lady Rose conoce al rey y a la reina en el Palacio de Buckingham.

Downton Abbey - Temporada 5 (2014)

La quinta temporada de Downton Abbey transcurre en 1924, un año marcado por la disputa política entre los Partidos Conservador y Laborista en Reino Unido. La modernización en la finca de Downton continúa, con las nuevas generaciones (específicamente, Mary y Tom Branson, al que da vida Allen Leech), enfrentándose a Robert Crawley (Hugh Bonneville) sobre el futuro de la propiedad.

Sobrevuelan los tejemanejes culebronescos el juicio y encarcelamiento de Adolf Hitler en febrero y la primera emisión de radio del rey Jorge V, en abril. Sin embargo, la temporada se centra principalmente en las relaciones familiares, tensiones sociales y cambios en la vida aristocrática: de hecho, el episodio especial final ocurre durante una partida de caza en Northumberland, en otoño de 1924. ¿Hay algo más high class que eso?

Downton Abbey - Temporada 6 (2015)

Hará una década de la sexta temporada de Downton Abbey, la última. Si has llegado hasta aquí es porque tienes el cuerpo para melodrama, pero espera otro tramo de penuria en el bolsillo. Ambientada en 1925, la amenaza de la bancarrota se cierne sobre la familia. El auge de la clase media y la creciente fluidez de las distinciones entre los estratos sociales provocan numerosos cambios que no siempre gustan a los meñiques tiesos por la porcelana.

Oh, pero en la temporada habrá varias bodas, varios partos, regresos esperados, una inauguración y un especial navideño de dos horas, un final de traca… Aunque a estas alturas las audiencias se habían alejado, y mucho, de Downton Abbey, que ahora ocupaba un espacio como referente pop pero había decaído en espectadores reales de forma drástica.

Downton Abbey (2019)

Por ello nadie esperaba el éxito de la primera película de Downtown Abbey, que cuatro años después superaría fácilmente los resultados de Ad Astra y Rambo: Last Blood, con 31 millones de dólares recaudados en Gran Bretaña sólo el primer fin de semana. El factor nostalgia. La película continúa la historia en 1927, durante una visita ficticia pero creíble del rey Jorge V y la reina María a la finca.

La historia se desarrolla en pocos días, cuando un asesino planea atentar contra el monarca y mientras los Crawley deben lidiar con el personal de la realeza, francamente insufribles. La película remata con el regreso del Sr. Carson (Jim Carter), el mayordomo, que afirma que Downton seguirá en pie en cien años, come what may.

Downton Abbey: Una Nueva Era (2022)

Downton Abbey: Una Nueva Era se sitúa en 1928, nueve meses después de la primera película. La familia Crawley viaja a Francia después de que Violet Crawley (Maggie Smith) herede una villa. Violet fallece poco después, dejando la propiedad a su nieta Sybbie Branson. Mientras, en Inglaterra, Lady Mary (Dockery) supervisa el rodaje de El Jugador en Downton, lo cual ya es un enredo de producción de primera categoría, y Thomas Barrow (Robert James-Collier) acepta una oferta para mudarse a Hollywood. La película culmina con la boda de Tom Branson (Allen Leech) y Lucy Smith (Tuppence Middleton), heredera de Lady Bagshaw. Pronto se instalan en Downton con su hijo recién nacido, bajo el retrato de Violet… Claramente esperábamos una continuación.

Downton Abbey: El gran final (2025)

En septiembre, esperamos ver cómo la familia entra en la década de 1930 en una película que de verdad será lo último que veamos de los Crawley. Para Downton Abbey: El gran final se ha especulado sobre posibles divorcios, matrimonios y nuevas caras estelares, pero a día de hoy son sólo conjeturas. Excepto Matthew Goode, gran parte del cast de la franquicia original y de las dos películas anteriores regresa, con Joely Richardson, Alessandro Nivola, Simon Russell Beale y Arty Froushan uniéndose a la familia. Escribe Lord Julian Fellowes y dirige Simon Curtis, también al frente de Downton Abbey: Una Nueva Era. 

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Hay decenas de películas sobre el mundo de la lucha libre profesional, en Estados Unidos y en el resto del mundo. Pero, ¿cuáles podrían ser las diez mejores? En esta lista lanzamos una lista de diez clásicos del género, así como las plataformas en las que poder verlas.

Noche en la ciudad (1950)

Noche en la ciudad, el magistral noir londinense de Jules Dassin (Rififí, La ciudad desnuda) presentaba a un desalmado Richard Widmark capaz de robarle los ahorros a la bella Gene Tierney. El tipo, Harry Fabian, lograba salir adelante convirtiéndose en promotor de lucha libre, y en concreto de un luchador encarnado por el veterano Stanislaus Zbyszko, que ya había aparecido en un corto documental sobre el campeonato de wrestling de 1911. Es posible que Dassin entendiera la lucha libre como una metáfora del capitalismo salvaje, porque lo metieron en la lista negra, y ya no volvió a Hollywood. 

La cocina del infierno (1978)

Sylvester Stallone no pudo debutar mejor como director que con La cocina del infierno, la historia de los tres hermanos Carboni que salen adelante en Hell’s Kitchen de los años 40 convirtiendo en luchador profesional al más pequeño, en edad, de los tres, al que daba vida el boxeador Lee Canalito. Presentado como Kid Salami en un tugurio de lucha clandestina llamado Paradise Alley, se enfrentaba a Big Glory (Frank McRae, que volvería a trabajar con Sly en Rocky II) o a Frankie, el rompehuesos, al que daba vida Terry Funk, dos veces campeón mundial de lucha libre en la vida real. 

Chicas con gancho (1981)

El gran Robert Aldrich (Doce del patíbulo) cerró su carrera con Chicas con gancho, una entrañable aproximación de las luchadoras femeninas que inspiró la serie Glow, también ambientada en los años 80. Peter Falk era el promotor de mala muerte que atravesaba el país acompañado de dos chicas que había bautizado como las California Dolls, Vicki Frederick y Laurene Landon. Estas fueron duramente entrenadas por la luchadora Mildred Burke hasta que pudieron darlo todo en los combates sin necesidad de dobles, sobre todo en el gran duelo final, una proeza que dura unos veinte minutos. 

Super Nacho (2006)

En esta comedia de Jared Hess, director de la mítica Napoleón Dynamite, Jack Black es Super Nacho, un luchador mexicano que, a la vez, simboliza a todos esos forzudos luchadores mexicanos como El Santo, y se inspira de la muy concreta historia de Fray Tormenta, un reverendo que se subió al ring para poder alimentar a los huérfanos que estaban a su cuidado. Jack Black sufrió algunos golpes en las escenas de lucha, y su doble, un tal Tom, tampoco lo pasó demasiado bien, ya que no tenía experiencia: le contrataron porque era el único con un cuerpo parecido al de Black. 

El luchador (2008)

El luchador fue la resurrección de Mickey Rourke, que parecía estar interpretándose a sí mismo al poner cuerpo a este luchador destrozado por la vida (y las operaciones de estética) que había vivido sus años de gloria en la década de los 80. Darren Aronofsky plantea una clásica historia de redención en la que el veterano luchador trataba de enmendarse, enamorándose de una stripper tan irresistible como Marisa Tomei; reconciliándose con su hija (Evan Rachel Wood), y tratando de volver a triunfar en el ring, donde se enfrentaba al Ayatolá, encarnado por Ernest Miller, otro  auténtico luchador. 

Win Win (2011)

Paul Giamatti brillaba como el padre de familia suburbana con muchos problemas que encontraba la forma de redimirse entrenando al equipo de lucha libre del instituto, en el que entraba a formar parte un posible ganador al que prestaba cuerpo Alex Shaffer, que fue contratado porque había sido campeón de la liga de institutos de New Jersey en la vida real. Tom McCarthy (Vidas cruzadas) escribió Win Win, junto a su amigo de infancia Joe Tiboni. Los dos habían formado parte del mismo equipo de luchadores en el instituto. 

Foxcatcher (2014)

Channing Tatum y Mark Ruffalo se entrenaron durante seis meses para poder dar vida a los hermanos Mark y Dave Schultz, dos auténticos luchadores que se unieron al equipo del multimillonario John du Pont para participar en los Juegos Olímpicos de Seúl de 1988. En el papel más dramático de su carrera, Steve Carell lució una ostentosa nariz protésica para meterse en la piel de este heredero tan rico como desagradable que hizo que todo aquello acabara en tragedia. Foxcatcher es otra gran película clásica de Bennett Miller, director de Moneyball: Rompiendo las reglas, entre otras. 

Peleando en familia (2019)

Florence Pugh dio vida a la luchadora británica Saraya Bevis en Peleando en familia, una producción de Dwayne Johnson, que también aparece dando vida, claro, a The Rock. Tal y como ya nos advierte el título de esta comedia de Stephen Merchant, colaborador habitual de Ricky Gervais, Saraya no combatía sola. Todos en su familia eran luchadores, desde su hermano Zack (Jack Lowden) a su padre Ricky (Nick Frost), pasando por su madre Julia (Lena Headey). Una producción de la WWE, que publicita así con buen humor los duros entrenamientos a los que son sometidos sus aspirantes. 

Cassandro (2023)

Otra historia real: “El Liberace del wrestling”. Gael García Bernal se deja la piel interpretando a Saúl Armendáriz, alias Cassandro, un luchador homosexual que alcanzó el estatus de estrella en el mundo de la lucha libre mexicana ejerciendo de “exótico”, luchadores paródicamente gays, lo fueran o no en su vida privada. En esta película del debutante Roger Ross Williams estrenada en Sundance, también aparecen el cantante Bad Bunny y el luchador conocido como El hijo del Santo, por ser efectivamente vástago del mítico luchador enmascarado que tantas películas protagonizó. 

El Clan de Hierro (2023)

El Clan de Hierro es un clásico instantáneo de Sean Durkin (Martha Marcy May Marlene) también es el mejor papel de Zac Efron, que se puso muy fuerte para encarnar a Kevin Von Erich, otro luchador de la vida real, que también pertenecía a una familia en la que todos –sus hermanos David (Harris Dickinson) y Kerry (Jeremy Allen White)– compartían la misma pasión, bajo la presión de su muy autoritario y frustrado padre, encarnado por Holt McCallany. Los tres se subían juntos al ring hasta que todo se torció, porque la familia estaba maldita…

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El remake de acción real de Cómo entrenar a tu dragón nos recuerda que los dragones llevan décadas siendo el caramelo visual perfecto del cine fantástico, tanto para el lucimiento técnico como para introducir mitologías reconocibles, e incluso terror. Desde los trucos artesanales de Fritz Lang hasta el festival de CGI de HBO, estas bestias legendarias han ido evolucionando al ritmo de los efectos especiales y las sagas de fantasía. Esta selección de JustWatch recorre casi cien años de dragones cinematográficos, memorables, colosales, y con esa fascinación extraña que tenemos por las criaturas que nos podrían freír con un escupitajo.

15. Desdentado (Furia Nocturna) - Cómo entrenar a tu dragón (2010)

DreamWorks le dio la vuelta completa al concepto en Cómo entrenar a tu dragón. En vez de bestias aterradoras tenemos a un dragón que es básicamente un gato gigante con alas. Desdentado combina la elegancia de un felino con la potencia de un caza de combate, creando un diseño que es simultáneamente adorable y aerodinámico que funciona como nunca en las secuencias de vuelo, que transmiten la sensación de libertad que debe sentirse volando encima de un ser legendario. La relación con su piloto va construyéndose sobre respeto mutuo y confianza ganada, un poco como los de los Targaryen para el cine familiar.

14. Colacuerno Húngaro - Harry Potter y el cáliz de fuego (2005)

El Colacuerno Húngaro marca el momento en que Harry Potter dejó de ser la típica franquicia de niños, en la mejor entrega de la saga. En parte gracias a esta secuencia del Torneo de los Tres Magos de El cáliz de fuego, en la que esta máquina de matar con escamas del tamaño de un autobús protagoniza una espectacular persecución a través de Hogwarts, con Harry esquivando llamaradas mientras trata de no estrellarse contra las torres del castillo. Los efectos digitales siguen funcionando de maravilla, con los movimientos y respiración como un animal real, con agresividad territorial que diferencia bien que el ejemplar no es malvado, simplemente está protegiendo sus huevos, como haría cualquier madre.

13. Smaug el Dorado - El Hobbit: La desolación de Smaug (2013)

Si algo consiguió Peter Jackson en El Hobbit: la desolación de Smaug, la segunda parte de su trilogía del Hobbit, fue hacer que Smaug el Dorado fuera tan carismático como aterrador. Benedict Cumberbatch aportó su fina arrogancia aristocrática en la voz que convierte al monstruo en algo más que un obstáculo, un villano que disfruta torturando psicológicamente a sus víctimas antes de quemarlas. La secuencia en la Montaña Solitaria es pura tensión, con Bilbo intentando birlar la joya mientras el dragón dormita. El diseño era grandioso y sus ojos dorados hacen olvidar que la película se alarga más de la cuenta.

12. Elliot - Peter y el dragón (2016)

Peter y el dragón sigue siendo el mejor live-action de Disney. La compañía volvió a su fórmula clásica de “niño con su perro” pero con una criatura mítica aumentada con tecnología del siglo XXI. Protector, juguetón y con esa sabiduría ancestral que se transmite sin palabras, su diseño mezcla características de mamífero y reptil de forma convincente. El logro de la película es que Elliot no habla, transmitiendo todo a través de expresiones y lenguaje corporal, además los bosques del Pacífico Noroeste proporcionan el escenario perfecto para un dragón que prefiere mantenerse oculto, encarnando cierto aura ecológica de otros films que le preceden como Baby, el secreto de la leyenda perdida.

11. Khaevis- Damsel (2024)

Lo más interesante de la última asociación de Netflix con Millie Bobby Brown, Damsel, no es la presencia de la actriz, sino su aterradora dragona principal, que busca a la doncella lanzada a las cavernas como sacrificio iniciando una verdadera película de terror de supervivencia. Sin duda el diseño del monstruo es el punto fuerte, con una asimilación casi alienígena y presencia siniestra. Su falta de consideración por la vida humana, asando a todo el que cae en sus dominios, la convierte en presencia imprescindible en esta lista, aunque la película sea algo irregular.

10. King Ghidorah - Godzilla contra Ghidorah, el dragón de tres cabezas (1964)

Los japoneses siempre han tenido su propia manera de entender los monstruos gigantes, y King Ghidorah es la prueba definitiva: tres cabezas doradas, alas de murciélago espacial y el poder de soltar rayos gravitacionales al estilo Godzilla, que al fin y al cabo también es un lagarto gigante. Ghidorah era más alienígena y perturbador, quizá porque sus motivaciones nunca son demasiado comprensibles y parece disfrutar con la destrucción gratuita. Las peleas de Godzilla contra Ghidorah, el dragón de tres cabezas son de las mejores de la era Showa.

9. Draco - Dragonheart, corazón de dragón (1996)

Lo españoles recuerdan Dragonheart, corazón de dragón porque Draco, con la voz de Sean Connery en la versión original, fue doblado por Paco Rabal, lo que ayudaba a dibujar a un personaje tan complejo como cualquier humano de la película. La relación entre Dennis Quaid y esta criatura digital subvierte la típica relación del cazador y su presa, ya qu se convierten en aliados contra un enemigo común. Aunque hoy está muy superado, en su día Industrial Light & Magic superó sus dinosaurios de tres años antes, creando un dragón completamente convincente que introdujo los cambios en el cine que hoy vemos día sí, día también.

8. Drogon, Rhaegal y Viserion - Juego de tronos (2011-2019)

HBO cambió las reglas del juego para siempre con Drogon, Rhaegal y Viserion. Les vimos crecer temporada a temporada, de crías del tamaño de lagartos a armas de destrucción masiva que pueden arrasar ciudades enteras, una evolución que siguió el arco de poder de Daenerys hasta su inevitable caída. Cada uno tenía su personalidad: Drogon era el alfa indiscutible, Rhaegal el más temperamental, y Viserion acabó convertido en zombi dragón. Los presupuestos que se gastaron en efectos digitales fueron obscenos, pero el resultado justifica cada euro, especialmente la destrucción de Desembarco del Rey, pura furia y fuego que convierten a Juego de Tronos en una clave cultural en el subgénero alado.

7. Fafner - Los Nibelungos: La muerte de Sigfrido (1924)

Una de las primeras apariciones memorables de un dragón en el cine llega de la mano de Fritz Lang en esta épica silente alemana, la primera parte de un díptico basado en la mitología germánica, donde el héroe Sigfrido debe enfrentarse a Fafner, un formidable dragón que custodia un tesoro. La secuencia del combate en Los Nibelungos: La muerte de Sigfrido ha quedado un poquito viejecita, pero lo que hace especial a esta criatura no son los efectos especiales—pioneros para la época—, sino la forma en que Lang construye la tensión alrededor del encuentro. Fafner se presenta como una fuerza primordial y antigua, estableciendo muchos de los arquetipos que seguirían las representaciones posteriores.

6. Dragón Bicéfalo - Simbad y la princesa (1958)

Harryhausen era un obseso del detalle, y su Dragón Bicéfalo en Simbad y la princesa lo demostró animando simultáneamente las dos cabezas de un monstruo guardián de la cueva del tesoro. El nombre del alemán es sinónimo del stop-motion puro, con meses de trabajo para ver unos minutos de pantalla, aunque se suele obviar lo que hace sus trabajos inolvidables: sus diseños icónicos. Aquí mezcla lo reptiliano con movimientos casi felinos, cada testa tiene su propia personalidad, una más agresiva que la otra, creando una dinámica interna que hace creíble a una criatura imposible.

5. El macho- El imperio de fuego (2002)

Todos los días habría que reivindicar El imperio de fuego, una película que planteó que los dragones podrían haber sido reales, seres evolutivamente superiores que un día se levantaban cabreados con la humanidad y nos llevaban un escenario post-apocalíptico. El diseño se basó en estudios científicos sobre cómo podrían funcionar estas criaturas si fueran de verdad, desde la aerodinámica del vuelo hasta las reacciones químicas que generan el fuego. Christian Bale y Matthew McConaughey son una pareja estilo Mad Max y comandan el espectáculo en las increíbles secuencias de caza, donde el dragón macho es el más sobrecogedor.

4. Maléfica (forma dragón) - La bella durmiente (1959)

Disney dio bastantes pesadillas a muchos niños cuando convirtió a Maléfica en dragón en el clímax final de La bella durmiente. Con una recordada combinación cromática de negro y violeta, cuernos que parecen de diablo, y unos ojos con luz infernal, la guinda es el fuego verde que escupe. Aunque quizá lo que más impresione que cómo una hechicera elegante, tan guapa como todas las villanas Disney de esa era, se convierte en algo primordial y aterrador. La batalla con el príncipe y su espada, es un arquetipo clásico de las leyendas que se veía aquí por primera vez animado.

3. Eborsisk - Willow (1988)

Cuando George Lucas quiso crear su propio universo fantástico al estilo El señor de los anillos, supo que le hacía falta un gran monstruo central. En Willow tenemos un Eborsisk, un dragón bicéfalo de Nockmaar, que probablemente sea la criatura menos majestuosa de toda la colección, un ser de cine de terror, sin alas, con cara de periquito deforme y cuerpo entre elefante y diplodocus. Era feo como él solo, pero da miedo y su animación stop-motion es increíble, una de las obras maestras del creador de bichos Phil Tippet.

2. Vermithrax Pejorative - El dragón del lago de fuego (1981)

El protagonista titular de El dragón del lago de fuego era todo lo contrario a los típicos animalitos amigables de Disney: es feo, malévolo y completamente despiadado. Los efectos especiales artesanales le dan una presencia física que muchos dragones digitales envidiarían. Un animatronic con cables, látex y esculturas que hacían al ser la quimera perfecta para un mundo brutal, una inglaterra medieval sucia y desesperanzada. Además tenía escenas de sacrificios humanos  genuinamente perturbadoras que avivaban su mensaje anticlerical. Probablemente la película infantil de fantasía más oscura y turbia de la compañía.

1. Balerion, Vhagar, Caraxes y otros - La casa del dragón (2022-)

El regreso de HBO a Westeros es una precuela que coloca a los dragones en el centro de la narrativa, con la mayor variedad de ejemplares del universo y diseños únicos que no siempre reflejan las personalidades de sus jinetes Targaryen. El tamaño masivo Balerion impresiona, pero tenemos hasta dragones de guerra como Vhagar, Caraxes, Syrax y Meleys. La serie explora cómo estas criaturas funcionan tanto como armas de guerra como símbolos de poder dinástico. Las secuencias de batalla aérea en La casa del dragón, la danza de dragones, hace honor a la importancia del suceso en los libros, alcanzando quizá el mayor espectáculo visual con dragones visto hasta el momento.

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Con el estreno de una nueva película de Los Pitufos en 2025, esta es la oportunidad ideal para redescubrir el universo azul creado por el dibujante belga Peyo. Desde sus primeras aventuras animadas en los años 70 hasta sus versiones en 3D más recientes, Los Pitufos han sabido evolucionar con el paso del tiempo sin perder su magia ni su sentido del humor. Tanto si nunca viste sus historias como si creciste con ellas, ahora es un gran momento para ponerte al día. Aquí te contamos en qué orden ver todas sus películas y series, y dónde puedes encontrarlas online desde España.

La Flauta de Los Pitufos (1976)

La primera aparición cinematográfica de los Pitufos llegó con este largometraje animado belga dirigido por Eddie Lateste, basado en el cómic La flûte à six trous de la serie Johan y Pirluit, obra del propio Peyo. Aunque los adorables personajes azules no son aún los protagonistas principales, sí juegan un rol clave en la historia. En La Flauta de los Pitufos una flauta mágica con poderes hipnóticos cae en manos equivocadas, por lo que el escudero Pirluit y el valiente Johan emprenden una misión para salvar al reino. ¿Su única esperanza? Encontrar a los Pitufos. Este clásico no solo es una aventura encantadora, sino también el verdadero punto de partida del universo pitufo en la gran pantalla.

Los Pitufos - la serie (1981)

Aunque muchos adultos recuerdan con cariño la serie de Hanna-Barbera de 1981 como el gran salto a la fama de los Pitufos, en realidad ya habían tenido una breve aparición televisiva en Les Aventures des Schtroumpfs, una serie belga-francesa de los años 60 basada en sus primeras historietas, incluida La flûte à six trous que mencionamos en el punto anterior. La serie Los Pitufos, que se emitió hasta 1989, fue la que los llevó al estrellato global: más de 250 episodios (¡wow!) durante nueve temporadas convirtieron a los Pitufos en referentes de la cultura pop. Con sus aventuras en la aldea pitufo, sus valores positivos y enemigos icónicos como Gargamel, marcaron a toda una generación y definieron el estilo que aún hoy asociamos a estos simpáticos personajes azules.

Los pitufos - la pelicula (2011)

Varios años después de la serie, fue Los Pitufos la película que marcó el regreso de las famosas criaturas azules a la pantalla grande, esta vez en una versión híbrida de animación 3D y live action. Dirigida por Raja Gosnell, la historia esta vez llevaba a los Pitufos desde su aldea mágica hasta el bullicioso Nueva York, tras ser accidentalmente transportados por un portal mientras huían de Gargamel. El film tiene un tono más moderno y mucho humor familiar, buscando acercar a una nueva generación el universo creado por Peyo, pero lógicamente manteniendo el espíritu travieso de los personajes. No sorprende que fue un éxito comercial que reactivó la popularidad global de la franquicia y dio inicio a una nueva etapa.

Los Pitufos: Cuento de Navidad (2011)

Este especial animado navideño adapta el clásico relato de Charles Dickens pero llevado al universo pitufo. Los Pitufos: Cuento de Navidad es un film corto pero emotivo, donde Papá Pitufo intenta enseñarle a Gruñón el verdadero significado de la Navidad, guiándolo a través de visitas fantasmales que le muestran cómo sería la aldea sin su presencia. Con un estilo de animación 3D similar a la película estrenada ese mismo año, el especial festivo combina humor, ternura y un mensaje amoroso sobre comunidad y empatía. ¡Ideal para ver en familia durante las fiestas!

Los Pitufos 2 (2013)

Dos años después decidieron seguir donde dejó la historia de 2011, esta vez contando una aventura que mezcla acción real y animación 3D. En Los Pitufos 2, el villano Gargamel crea a dos traviesos seres llamados Los Malotes para intentar robar la esencia mágica de los Pitufos. Pero para que su plan funcione, necesita la ayuda de Pitufina, quien comienza a cuestionar sus propios orígenes. A diferencia de la primera, esta segunda parte cuenta con con más escenarios como París y un tono ligeramente más emocional, explorando temas como el valor de la identidad, la lealtad y la familia elegida. Si bien no fue tan exitosa como su predecesora, ofrece momentos especiales para los fans y mantiene esa esencia de la saga.

Los Pitufos y el jinete sin cabeza (2013)

Siguiendo la línea de cortos temáticos, en 2013 se estrenó Los Pitufos y el Jinete Sin Cabeza, un especial de Halloween ambientado en el mismo universo cinematográfico que las películas en 3D. En esta aventura breve pero entretenida, los Pitufos deben enfrentar a una misteriosa figura que siembra el miedo en el bosque: un jinete sin cabeza. Con su característico humor y una dosis justa de suspenso, el corto combina a la perfección el espíritu de la Noche de Brujas con las encantadoras dinámicas pituferas que tanto disfrutan los fans. Una propuesta ideal para ver en familia mientras disfrutas de unas cuantas golosinas.

Los Pitufos - la serie (2021)

En 2021, para sorpresa de muchos, Los Pitufos regresan a la televisión con una nueva serie animada en 3D, coproducida por productoras de Bélgica y Francia. Esta versión que luego aterrizó en Netflix mantiene la esencia clásica de los personajes creados por Peyo, pero con un estilo visual actualizado, un ritmo más ágil y tramas adaptadas a la actualidad para atrapar a las nuevas generaciones. Los personajes de siempre siguen presentes: Papá Pitufo, Pitufina, Gruñón, entre otros, pero también se exploran nuevas situaciones y dinámicas dentro de la aldea. Destaca en la lista por ser una propuesta pensada tanto para quienes crecieron con los Pitufos como para los más pequeños que los descubren por primera vez. 

Los Pitufos: la aldea escondida (2017)

Ya estamos acostumbrados con las grandes franquicias a presenciar reinicios y remakes, y Los Pitufos no son la excepción. Tras las dos primeras entregas live action, Los Pitufos: La aldea escondida hizo un reinicio total de la saga cinematográfica. Esta vez, decidieron apostar por una animación completamente digital, más fiel al estilo original de los cómics de Peyo. En esta historia, Pitufina y un grupo de amigos pitufos emprenden un viaje más allá de su aldea para descubrir un territorio oculto. Esta aventura tiene el ambiente familiar de siempre, destacando por ser visualmente vibrante. Un cuento emotivo, lleno de humor, acción y nuevos personajes. 

Pitufos (2025)

Si algo le faltaba al universo cinematográfico de Los Pitufos, era un musical a la altura de su legado animado. Esta nueva entrega llamada a secas Pitufos, promete llevar a los icónicos personajes de Peyo por caminos inexplorados, combinando aventura, humor y secuencias musicales en una historia completamente original. Cuando Papá Pitufo es misteriosamente secuestrado por los oscuros brujos Razamel y Gargamel, Pitufina asume el liderazgo en una travesía que los transportará al mundo real. Con ecos de los clásicos de fantasía familiar y una puesta en escena vibrante, la película apuesta por expandir el universo pitufo con nuevos aliados, desafíos y una mirada renovada. 

Dónde ver las películas y series de ‘Los Pitufos’ online

Con nuestra guía de streaming puedes descubrir dónde ver cada película y serie del universo de Los Pitufos desde España. Desde la clásica serie animada de 1981 hasta el remake en acción real, pasando por las secuelas, la serie animada y otros contenidos especiales, aquí tienes todo lo que necesitas para planear tu maratón desde casa.

La nueva serie de Max sobre la vida de Roberto Gómez Bolaños, Chespirito: sin querer queriendo, recupera la querida figura de Chespirito, un actor que no necesita cartas de presentación. Ídolo de la televisión latinoamericana durante décadas, también conquistó a muchos niños españoles con personajes como el Chavo y el Chapulín, junto a todos esos otros bichos raros que poblaban sus series.

Ahora se siguen compartiendo y recordando porque Bolaños entendía algo que muchos productores actuales no acaban de captar: no hacen falta grandes presupuestos para ganarse al público, sino personajes memorables. La siguiente lista recopila algunos sketches que fueron icónicos a lo largo de los años, algunos se repitieron, otros se modificaron y mutaron, e incluso se convirtieron en temas recurrentes.

1. La torta de jamón - El Chavo del Ocho

Probablemente la idea para sketches más icónica de toda la serie de El Show del Chavo. Todas circulan con el Chavo queriendo comer una torta de jamón, aunque la más conocida es el momento en el que la Popis, junto al Chavo, preparan juntos una de esas tortas. Este se puede encontrar en temporadas del crossover posterior, pero la original puede localizarse en el episodio ‘Don Quijote/Torta de Jamón’, el segundo de la tercera temporada, en el que Quico le ofrece al Chavo una torta de jamón sí confiesa que dibujó una caricatura y su víctima reconoce el poder de su arte y le regala, además, una caja de galletas.

2. Los Piratas - El Chapulín Colorado

El Chapulín Colorado se encontró más de una vez con piratas en alta mar. Chespirito se las ingenió para crear una de las aventuras más elaboradas de la serie con cuatro duros y mucha imaginación. El "no contaban con mi astucia" funciona especialmente bien aquí porque los piratas son, digamos, poco brillantes. Chespirito demostraba que podía parodiar géneros sin caer en la burla fácil, los destrozaba con bastante cariño. El primer episodio doble con esta temática se vio en la temporada 6 (29-30), en 1978, y fue titulado ‘Los piratas de Pittsburgh, perdón, del Caribe’.

3. Cuento de brujas - El Chapulín Colorado

El Chapulín es invocado para ayudar a una aldeana de que en su paseo diario al bosque para recoger leña es abordada por la bruja "Baratuja", quien la obliga a contraer matrimonio con su hijo, el Nene. Chespirito debe evitar que la malvada hechicera use su varita, la convierta en árbol y la descuartice. Uno de los ejemplos de cómo Bolaños subvertía los cuentos tradicionales y los convertía en material para niños, rompiendo la idea preconcebida con su presencia chisporroteante. Puede verse en el episodio quinto de la cuarta temporada, pero la primera versión es de 1971, en la que el aldeano era Ramón Valdés.

4. La feria - El Chavo del Ocho

Una feria se coloca fuera de la vecindad y los niños deciden ir a divertirse allí, con juegos como el tiro al blanco o comprobar quién es más fuerte, golpeando un pedal con un martillo. Sin embargo, Chavo, Ñoño y Godínez tienen accidentes provocando conflictos con el dueño. Doña Nieves aparece por allí buscándoles y acaba integrada también en las atracciones. Un clásico de la temporada 7, que corresponde a los episodios 36 y 37.

5. El doctor Chapatín - Chespirito

El Doctor Chapatín es el personaje más surrealista de todo el universo chespiriano. Un médico que parece diseñado específicamente para matar pacientes. Las consultas se convierten en obras de teatro del absurdo, con diagnósticos imposibles y tratamientos que dan miedo, como su mítico jarabe de bisbiluriparangalicutirimicuarodol. En sus primeras apariciones se llamaba doctor Chespirito Chapatín y se dedicaba a contestar cartas de televidentes, luego ya pasó a las series regulares de Bolaños con frases míticas como “¡Insinúa que soy viejo!”. Sus apariciones se concentran en la serie Chespirito, pero el sketch clásico ‘El pasajero molesto’ estaba en la temporada 2 de El chapulín Colorado.

6. La escuela - El Chavo del Ocho

Los episodios escolares son uno de los momentos favoritos de los fans de la serie, quizá porque ver al Profesor Jirafales intentando enseñar matemáticas o historia a un grupo que incluye al Chavo es la receta para el desastre garantizado. Quico es el más niño pera dentro del aula, la Chilindrina es la gamberrilla lista y el Chavo el típico alumno despistado. Siempre está por debajo el romance subliminal entre Jirafales y Doña Florinda y hay bastantes sketches memorables, pero quizá el mejor es el del episodio 30 de la tercera temporada, en el que Don Ramón se esconde en una clase junto a los críos.

7. Extraterrestres - El Chapulín Colorado

En las series de Chespirito había hueco hasta para las invasiones alienígenas, nada menos. Resueltas con efectos especiales modestos, extraterrestres interpretados por el elenco habitual con maquillajes creativos, y el Chapulín salvando la humanidad de la manera más inesperada posible. El más recordado es el episodio 34 de la segunda temporada, titulado ‘Algún día los terrícolas llegarán a Marte, o por lo menos a estimarte’, en el que un granjero ve un platillo volador e invoca al Chapulín porque tiene miedo de que lleguen los marcianos, y cuando aparecen, Chespirito logra dominarlos con la chicharra paralizadora.

8. El concurso de belleza - El Chavo del Ocho

Don Ramón se las debe ingeniar para poder ver el concurso de Miss Universo al enterarse por el periódico que se televisaba, y al confirmar que su televisión está destartalada. Un punto de partida para sacar a relucir algunas ideas de la liberación femenina con gags ácidos que muchos niños seguramente no pillaran en su día. Un tema delicado que Chespirito maneja con su habitual equilibrio entre humor naif y reflexión social, con las señoras del vecindario aburridas, resignadas por el efecto de la exposición de bellezas en los hombres mononeuronales. El episodio 19 de la sexta temporada fue uno de los más adelantados a su época, o al menos uno en el que se nota que Bolaños sabía que su público infantil entendía más de lo que los adultos creen.

9. El día del niño - El Chavo del Ocho

“Gracias, Cri-Cri” podría ser un himno generacional a la altura de “Niños, niños, Futuro, futuro” de Los Simpson, o al menos para cierta parte del mundo que vivió la celebración del Día del Niño como una oportunidad, una manifestación pacífica para reivindicar a los infantes en el patio de la vecindad donde el profesor Jirafales les explica sus derechos. Este reivindicativo Sketch está localizable en el episodio 13 de la séptima temporada, otra muestra de que la conciencia social de la serie se filtraba en pequeñas parodias con más punta de lo que parece hoy.

10. El vampiro - El Chapulín Colorado

Terror-comedia con el Chapulín enfrentándose a un vampiro en un castillo gótico. Todos los clichés del género están ahí: murciélagos, ataúdes o ajo como protección, solo que lo que plantea tiene que ver con películas que no se habían rodado aún, como Martin de George A. Romero, o Besos de Vampiro, con Nicolas Cage. La idea de creerse una criatura de la noche no estaba muy explotada en 1973, y allí estaba Chespirito, para darle una vuelta antes de que se le ocurriera a nadie, en el episodio 10 de la primera temporada.

¿Dónde puedo ver más sketches de Chespirito?

Para descubrir los episodios de Chespirito comentados disponibles en España y la nueva serie biográfica, puedes consultar la siguiente guía de streaming de JustWatch. Puedes filtrar tu búsqueda por servicio de streaming, género, precio, clasificación por edades y puntuación. Asegúrate de crear tu lista de favoritos y recibir notificaciones útiles sobre qué ver a continuación según tus preferencias.

A poco del estreno de la versión en imagen real de Cómo entrenar a tu dragón (2025), y poco después del éxito de público y crítica de Robot Salvaje (2024), el estudio DreamWorks vuelve a plantar pie. Así que repasamos, ¿cuáles han sido las 10 mejores películas producidas bajo su sello? Léenos.

Oh, y esta guía sigue unas reglas. Primero, no se repiten entregas por saga, porque aquí cabrían dos de Shrek, dos de Kung Fu Panda y alguna más de Chicken Run, pero queremos dejar espacio para títulos menos conocidos. Después, el orden es enteramente mío y sí, prefiero El príncipe de Egipto a El Gato con Botas. Por último, he intercalado algunas películas más recientes con clásicos de los dos mil, que siguen molándolo todo a pesar del CGI.

Shrek (2001)

Aunque Shrek (2001) se ha vuelto un meme imborrable (¡qué mejor forma de posteridad!), detrás de la ironía hay estima de la buena y valentía en la forma. La Shrek original fue innovadora por algo: dio una vuelta de calcetín plenamente humorística al cuento de hadas y rompió con la ñoñería medievalista de Disney, cambiando para siempre todo a lo que podía aspirar la animación para todos los públicos. Hay quien pone Shrek 2 (2004) incluso por encima de la primera, y no lo discutimos: un humor más ácido, más música buenísima y Cameron Díaz está entre el reparto.

Robot Salvaje (2024)

Vigila el lacrimal, o a vas a encontrarte con el moquillo colgando (y qué maravilla, señor adulto). La renovación de lo que DreamWorks Animation venía prometiendo, sin acabar de cumplir, desde hacía una década. En argumento, Robot Salvaje es un cruce entre el Arca de Noé, una fábula paternofilial y un ensayo sobre el papel de la conciencia existencial, social y eco-política en la era de la IA. Estéticamente, una cucada hecha con ordenador pero que se siente de acuarela. Lupita Nyong’o se entrega al autómata en la versión original y nosotres no podemos hacer más que seguirla. Vivan los patitos, ¿sabes?

El príncipe de Egipto (1998)

Es difícil hacer una película sobre religión o la Biblia que, de verdad, nos entretenga: si bien este texto fundacional contiene algunas historias definitivamente memorables, demasiado a menudo la épica es sustituída por la moraleja o el sermón. El príncipe de Egipto, el segundo largometraje de la historia de DreamWorks, supone una gratísima excepción a la regla: la historia de Moisés en El Antiguo Testamento es una epopeya arrolladora que se inspiró tanto en los musicales clásicos de Disney de los ochenta y noventa (los que aún nos erizan la piel), tanto como en lo más bello, oscuro y humano del Éxodo. Y las canciones de Stephen Schwartz y Hans Zimmer, espectaculares.

Chicken Run: Evasión en la granja (2000)

Una obra maestra absoluta, a pesar de que Chicken Run: Evasión en la granja era la primera película larga del estudio Aardman, sigue siendo el mayor logro de la compañía. Cuenta la historia de un grupo de gallinas británicas que intentan escapar de su prisión-granja de huevos, antes de que las conviertan en pasteles de carne. ¿Gore? Sí. ¿Divertida? Mucho más que eso. Es una fantástica versión familiar y con sangre en las venas de La gran evasión (1963), a la par que una gran comedia romántica deliciosa entre la líder de las gallinas, Ginger, y el bullicioso gallo estadounidense, Rocky. Narrativamente es un as y en ideología tira hacia el marxismo feminista.

El Gato con Botas: El último deseo (2022)

Señor, perdóname porque he mentido. Antes de Robot salvaje, otra película de DreamWorks Animation nos maravilló y tocó la patata a partes iguales: El Gato con Botas: El último deseo. Aún cuesta imaginar cómo el segundo spin-off de una serie templadita llegó a emocionarnos tanto, a crítica y a público. Visualmente, a la par de Spider-Man: un nuevo universo (2018). En combinar chascarrillo con corazón, al nivel de la primera Shrek. Antonio Banderas gozando hasta la última de sus líneas como el Gato más andaluz y desvergonzado. Talento y compromiso con la historia para chistar a quienes digan que no al cine familiar y a las sagas perdidas.

Wallace y Gromit: La maldición de las verduras (2005)

Esta va de premios. No debería sorprender que el primer largometraje de la serie Wallace y Gromit (1989), y el único coproducido por DreamWorks, sea una de las tres únicas películas de DreamWorks Animation en ganar un Oscar (los otros dos fueron por Shrek y El Príncipe de Egipto). La serie de esta entrañable de hombre y perro subía presupuesto y redoblaba apuestas yéndose al género fantástico, pero funcionaba tan bien como siempre. La maldición de las verduras (el título original The Curse of the Were-Rabbit molaba más) homenajea a los clásicos del cine de monstruos, especialmente de El hombre lobo (1941), erigiéndose como una de las parodias con más alma de la historia.

Kung Fu Panda (2008) 

Las películas de DreamWorks no son precisamente conocidas por sus grandes papeles de doblaje, porque tienen a acudir al famoseo antes que a la calidad en el reparto. Eso sí, qué tanto acertó el estudio al elegir a Jack Black como el panda titular de Kung Fu Panda, porque la historia puede flojear lo que quieras, pero él hace auténtico wuxia vocal. Po es el empleado de una tienda de fideos que se convierte en el más improbable de los candidatos a convertirse en el Guerrero Dragón que profetizan y derrotar al villano Tai Lung (otro genial Ian McShane). Las peleas estaban a la altura, todo el mundo lo pasó genial, y hay quien dice que Kung Fu Panda 2 (2011) sube las apuestas.

Cómo entrenar a tu dragón (2010)

Será porque se trata de un relato precioso, atemporal y bastante emotivo sobre la amistad y el crecimiento, que Cómo entrenar a tu dragón se alargaba como saga y vuelve ahora en imagen real. La película, dirigida por Chris Sanders (el responsable de Lilo y Stitch), cuenta el sorprendente vínculo entre un dragón, el icónico Desdentao, e Hipo (Jay Baruchel), un joven inadaptado que busca la validación de su pare, el jefe de la tribu (Gerard Butler). Aunque sobre el papel es una típica aventura infantil, Cómo entrenar a tu dragón la entomaba con tanta sencillez y cariño que es muy difícil rehusarle la mano.

La ruta hacia El Dorado (2000)

Fue el desastre en la taquilla que llevó al estudio a abandonara la animación en 2D... Lo cual es una pena, porque esta comedia de aventuras combina de forma genial la música de Hans Zimmer, las canciones de Elton John y una ambientación mesoamericana poco vista aún para crear un todo muy entretenido. Kevin Kline y Kenneth Branagh (¿hola?) dan vida a dos estafadores que se hacen con un mapa de El Dorado. Una vez allí, un sacerdote con ansias de poder los proclama dioses, y ellos se dejan llevar... Ojito con eso. Vale, La ruta hacia El Dorado tiene algún arquetipo algo anticuado, pero la película sigue exudando encanto.

Madagascar (2005)

Si contamos las dos secuelas, los dos spin-off de Los pingüinos de Madagascar y el alud de contenido para televisión que ha generado, podemos afirmar sin duda que Madagascar es la gallina de los huevos de oro de DreamWorks. Nunca tuvieron las películas originales especialmente buena acogida entre la crítica, pero el momento crisis de la primera, con Alex internándose en territorio fusa y la naturaleza “encontrando su camino”, a mí me parece descorazonador y trágico de veras. Claro que quizás la recuperemos por Sacha Baron Cohen cantando el inglés de “Yo quiero marcha, marcha”. Pero os quedaréis por el drama.

¿Dónde puedo ver más películas de DreamWorks Animation?

Para descubrir más películas disponibles en España producidas dentro de DreamWorks Animation, con aún algunas perlas escondidas como Megamente (2010), consulta la guía de JustWatch. Puedes filtrar tu búsqueda por servicio de streaming, género, precio, clasificación por edades y puntuación. Asegúrate de crear tu lista de favoritos y recibir notificaciones útiles sobre qué ver a continuación según tus preferencias.

Aitana ha demostrado durante su corta carrera que es una artista polifacética, destacando no solo en el mundo de la música, sino también en el del cine y las series de televisión. Su presencia en la pequeña y la gran pantalla ha sido mucho más recurrente de lo que muchos puedan pensar.

Por ello, a continuación, te presentamos un recorrido cronológico por todas las películas, series y documentales en los que Aitana ha participado.

Skam España (2018)

La primera aparición de Aitana se produce en la serie Skam España, que es una adaptación española de la serie homónima de Noruega. La trama sigue a un grupo de adolescentes que conviven en un instituto y los problemas en su vida diaria.

La cantante aparece en el segundo episodio de la primera temporada interpretándose a sí misma. En la historia, Aitana es invitada a una fiesta organizada por Cristian, uno de los personajes. 

La gran aventura de los Lunnis y el libro mágico (2019)

Si bien es cierto que Aitana no interpreta a ninguno de los personajes de La gran aventura de los Lunnis y el libro mágico, su contribución a la película es notoria, ya que fue la encargada de interpretar el tema principal de la banda sonora.

Este film infantil nos presenta a Mar, una niña de 8 años que busca salvar el mundo de la imaginación y la fantasía junto a sus amigos Los Lunnis, con quiénes intentará evitar su desaparición.

Aladdín (2019)

Con la reciente Aladdín ocurre algo parecido: Aitana no forma parte del reparto, pero sí que es la encargada de interpretar la canción Un mundo ideal (tema principal de la banda sonora de la película) junto a Zayn Malik.

Esta versión de acción real del clásico de Disney está dirigida por Guy Ritchie (Snatch. Cerdos y diamantes) y cuenta con Mena Massoud, Naomi Scott y Will Smith como sus actores principales.

El film es una de las mejores películas de Will Smith.

Más allá de la luna (2020)

El periplo de Aitana por las bandas sonoras de películas continúa con Más allá de la luna, un musical de animación que logró una nominación al Óscar en el año 2020. En la versión en español del film interpreta Volaré, tema principal de la BSO.

La película cuenta como una niña  muy inteligente llamada Fei Fei crea un cohete para viajar a la Luna y, de esta manera, demostrar la existencia de una diosa. Sin embargo, al llegar se verá envuelta en una aventura que le hará descubrir un mundo de criaturas fantásticas.

La última (2022)

Llegamos a su papel protagonista, en este caso para una serie producida para Disney+ bajo el título de La última. La historia es protagonizada por Aitana y Miguel Bernardeu (Querer).

En la serie, Aitana interpreta a Candela, una joven que persigue su sueño de convertirse en cantante mientras lidia con los problemas propios de la adultez. La serie, que consta de 5 episodios, ha gozado de una buena recepción por parte del público y la prensa especializada.

Pared con pared (2024)

Hablamos del segundo papel protagonista de Aitana, que esta vez interpretó a Valentina en Pared con pared, una comedia romántica producida por Netflix.  

Ella es una pianista que se enamora de su vecino a través de una delgada pared que los separa. Su química con Fernando Guallar (Patria), el otro actor protagonista, fue elogiada por los críticos de cine. El film es un remake de la película francesa Tras la pared.

Mis ganas ganan, la historia de Elena Huelva (2024)

Llegamos al primer documental en el que participa Aitana con Mis ganas ganas, la historia de Elena Huelva, donde la cantante aporta su testimonio sobre la joven que luchó contra el cáncer. El documental está dirigido por José Luis Hernández Arango (La red Ponzán).

La aparición de Aitana fue fundamental para concienciar más si cabe, con uno de los rostros más conocidos de la música en español, de que es muy importante la investigación en la lucha contra el cáncer.

Alaska revelada (2024)

Una cantante con toda su carrera por delante, como es el caso de Aitana, apareciendo en el documental sobre la trayectoria de otra cantante de otra generación, como es el caso de Alaska. 

Eso es lo que puedes encontrar en Alaska revelada, una miniserie documental donde Aitana aparece junto a otras personalidades de relevancia nacional e internacional como Miguel Bosé, Pedro Almodóvar, Raphael y Ana Torroja, entre otros. La dirección corre a cargo de Pite Piñas y David Iñurrieta.

Aitana: Metamorfosis (2025)

Cerramos la lista con Aitana: Metamorfosis, una docuserie de Netflix que, como no podía ser de otra forma, está protagonizada por la propia Aitana.

A lo largo de seis episodios, la producción ofrece una mirada íntima de la vida personal y profesional de la cantante, con apariciones de sus parejas, familiares, managers y equipos de producción. Aitana comparte su trayectoria desde los comienzos hasta su consolidación como estrella del pop en español. 

¿Dónde puedo ver todas las películas y series de Aitana online?

A continuación, te detallamos una lista con las plataformas online donde puedes encontrar todas las series, documentales y películas en las que aparece Aitana.

Sexo en Nueva York fue uno de los primeros grandes éxitos de HBO desde su estreno en el año 1998. Era una época en la que todavía no existían las plataformas de streaming y HBO realmente era una cadena por cable que contaba con las mejores series del momento.

Lo que muy probablemente no esperaba nadie por aquel entonces es que la comedia protagonizada por Sarah Jessica Parker  junto a Kim Cattrall, Cynthia Nixon y Kristin Davis se convertiría en el germen de toda una franquicia que ha dado lugar a un buen puñado de películas y series de televisión.

Ordenamos todos sus títulos siguiendo el orden cronológico de sus tramas:

The Carrie Diaries (2012)

Cuando Sexo en Nueva York ya había trasladado su éxito tanto en la televisión como en el cine, a los creadores de la saga se les ocurrió seguir explotando la idea creando una secuela  basada en la novela homónima de Candace Bushnell, la creadora de la historia original. La actriz AnnaSophia Robb interpreta en ella durante dos temporadas a una adolescente Carrie Bradshaw.

The Carrie Diaries permite al espectador conocer mejor a la familia de la protagonista y en ella también aparece una versión juvenil de otra de las cuatro amigas de la saga, Samantha Jones, el personaje que en su versión adulta interpretó Kim Cattrall.

Sexo en Nueva York (1998)

El origen de todo ocurrió cuando la socialité neoyorquina aceptó a mediados de la década de los noventa escribir una columna en un periódico, The New York Observer, en el que contaba las preocupaciones que le rondaban tanto a ella como a sus amigas. La tituló Sex and the City y fue el germen de una serie de libros en los que luego se ha basado la franquicia audiovisual.

En la serie, considerada revolucionaria en su momento por la forma deshinibida en la que se mostraba el sexo femenino, tiene a Carrie Bradshaw como protagonista, junto a sus tres inseparables amigas Samantha Jones, Charlotte York y Miranda Hobbes. Esta primera serie tuvo seis temporadas y acabó en 2004.

Sexo en Nueva York: La película (2008)

No mucho tiempo después de que se acabara la serie de HBO, los responsables de Sexo en Nueva York decidieron probar suerte en el cine con Sexo en Nueva York: La película. Para ello, reunieron a las cuatro actrices principales. Junto a ellas aparecen en el largometraje los hombres que habían sido importantes en la vida de las protagonistas durante las seis temporadas anteriores: Mr. Big (interpretado por Chris Noth), Steve (David Eigenberg) y Harry (Evan Handler), además de recuperar a Candice Bergen como Enid Frick, la todopoderosa editora jefa de la revista Vogue. La trama de esta primera película se centra en los complejos preparativos de la boda de Carrie.

Sexo en Nueva York 2 (2010)

El segundo largometraje de Sexo en Nueva York se estrenó en el año 2010 y mantiene a sus cuatro protagonistas. Mientras que Carrie afronta su nueva vida de casada, Charlotte descubre lo bueno y lo malo del que ha sido su gran sueño: ser madre. Miranda afronta un cambio de carrera y Samantha, la más independiente y menos romántica del grupo de amigas vuelve a encontrarse con Smith, que acaba de rodar una película en el desierto de los Emiratos Árabes Unidos. Esa subtrama aleja a los personajes de la ciudad estadounidense en la que se han desarrollado la mayoría de sus historias.

And Just Like That… (2021)

Con la era de los revival de series en su máximo apogeo (de Will & Grace a Beverly Hills 90210: Sensación de vivir) también lo hizo Sexo en Nueva York en 2021. Lo hizo con una versión actualizada titulada And Just Like That… y con HBO convertida en una plataforma de streaming. Lo que en principio iba a ser una tercera película, terminó siendo una nueva serie.

De la amistad de un grupo de amigos que rondan los 30 años, las tramas evolucionan hasta mujeres que rondan los 50. Aunque solo aparecen tres de las cuatro amigas originales ya que Kim Cattrall se negó a participar en más contenidos relacionados con la franquicia al confesar no tener una buena relación con su actriz principal, Sarah Jessica Parker. Para situar la historia en el 2021, los guionistas incorporan a esta serie a nuevos personajes que garantizan un  reparto y unas historias más diversas en cuanto a raza y sexualidad.

Dónde ver todas las series y películas de Sexo en Nueva York en orden

Esta guía de Justwatch te permite descubrir cómo ver todas las películas y series de Sexo en Nueva York en orden y en qué plataformas de streaming puedes encontrarlas.

A24 es el sello independiente americano que ha marcado la diferencia en cine de género a lo largo de los últimos años. En esta lista descubrirás las plataformas dónde ver el mejor cine fantástico, de la fantasía a la ciencia-ficción, que nos ha llegado gracias a la compañía fundada en 2012 por Daniel Katz, David Fenkel y John Hodges. En esta otra lista, repasamos las mejores películas de terror del sello A24. 

Enemy (2013)

Denis Villeneuve estaba a punto de dar el salto al mainstream cuando, en el mismo año 2013, estrenó el tremendo thriller Prisioneros y este Enemy, una perturbadora vuelta de tuerca al eterno tema del doble a partir de un relato de José Saramago: Jake Gyllenhaal era aquel tranquilo profesor universitario cuya vida da un giro radical al descubrir, en una película que ha alquilado, a un actor que es idéntico a él. A24 llevaba poco más de un año como distribuidora, pero ya había cosechado  éxitos como Springbreakers, de Harmony Korine, e hizo de esta película otro fenómeno.  

Under the Skin (2014)

La película de Jonathan Glazer Under the Skin generó un culto instantáneo porque nunca se había visto una invasión extraterrestre así: Scarlett Johansson era la alienígena que cobraba vida humana y se convertía en una suerte de mantis religiosa que atraía a los hombres para disolverlos en una especie de sustancia abstracta. En la cima de su carrera, la actriz se prestó a una interpretación con muy pocas palabras en las que actuaba mayormente con su cuerpo, desnudo en buena parte del metraje, logrando una performance absolutamente extraordinaria, totalmente inédita, por su entrega y riesgo, en una estrella de Hollywood. 

Ex Machina (2014)

Esta producción británica con la que Alex Garland debutó como director también tenía todo aquello con lo que A24 se quería distinguir: Ex Machina fue otro clásico instantáneo de la ciencia-ficción porque, con una robotisa tan sensual como Alicia Vikander, se atrevía a ir más allá de los tópicos, y a presentarse con una forma tan minimalista como elegante. Adelantándose al debate en torno a la inteligencia artificial, no sólo tenía un punto filosófico, sino que además incorporaba a su discurso la cuestión del poderío femenino, que se imponía a las masculinidades encarnadas por Domhnall Gleeson y Oscar Isaac. 

Langosta (2016)

La carrera de Yorgos Lanthimos, el cineasta griego mundialmente conocido por Canino, dio un giro al trasladar su universo surrealista a Inglaterra, donde se estableció, a partir de esta Langosta, premiada en Cannes y distribuida en Estados Unidos por A24. Para la compañía neoyorquina también era un momento de cambio, pues ese mismo año se lanzó como productora con Moonlight, que obtuvo aquel inesperado Oscar a la Mejor Película. El sacrificio de un ciervo sagrado (2017), la siguiente película de Lanthimos, también rodada en Inglaterra y premiada en Cannes, ya contaba con participación de A24 en la producción. 

A Ghost Story (2017)

El título presta a engaño, ya que, aunque es una historia de fantasmas, no va de sustos y sobresaltos. Es más bien un melodrama sobrenatural, con un punto filosófico, la angustia existencial en modo eterno, a la par que minimalista. El fantasma está simplemente cubierto con una sábana, con dos agujeros para los ojos, que hizo historia en el cine fantástico. Dirigida por David Lowery y con exquisita fotografía de Andrew Droz, A Ghost Story conmovió al transmitir la melancolía de un hombre (Casey Affleck) condenado a contemplar cómo la vida de su amor (Rooney Mara) continúa sin él.

High Life (2019)

A24 se hizo cargo de la distribución americana de la extraña aventura espacial de Claire Denis –directora de películas de culto como Beau Travail o Trouble Everyday, entre otras–, esa High Life sobre una nave colonial en la que viajan Robert Pattinson y Juliette Binoche. Aunque la francesa no concibió la película para encajar en el catálogo de A24, tiene todos los atributos para figurar en él. Es original, desafiante, provocadora, llena de ideas, no comercial, y al mismo tiempo tiene ese tempo hipnótico y esa imagen como satinada con la que identificamos la ciencia-ficción Made in A24. 

El Caballero Verde (2021)

Una producción A24, siempre aliada con otras compañías independientes, que recupera al David Lowery de A Ghost Story para lanzar El Caballero Verde, una fantasía épica, inspirada en las leyendas artúricas de la mesa redonda, que también es formalmente increíblemente innovadora, desde la cuidadísima fotografía al excéntrico vestuario, pasando por la misteriosa forma de narrar o el inesperado protagonismo, como caballero de la mesa redonda, de un extraordinario Dev Patel en su mejor papel hasta la fecha, sin olvidar el magnetismo de Alicia Vikander en un misterioso doble papel. Si no es obra maestra, poco le falta. 

Despidiendo a Yang (2022)

Kogonada, un director muy celebrado por Columbus –preciosa aleación de arquitectura y sentimientos– , está detrás de Despidiendo a Yang, otra pieza de ciencia-ficción producida por A24 que no sólo tiene ecos de Ex-Machina, sino que incluso parece una película a la medida de la productora: en un futuro próximo, una familia encabezada por Colin Farrell afronta el vacío que deja su robot doméstico cuando se estropea. Era uno más de la familia, y su ausencia implica reflexionar sobre el papel que jugaba y sobre la esencia de la humanidad. El tono y el tempo también vuelven a ser muy reconociblemente A24. 

Todo a la vez en todas partes (2022)

Antes de dar la campanada en los Oscar, Daniel Kwan y Daniel Scheinert ya habían dirigido Swiss Army Man (2016) –distribuida a nivel mundial por A24–, una fantasía en la que Paul Dano era un náufrago a lo Robinson Crusoe cuyo Viernes era un cadáver flatulento encarnado por Daniel Radcliffe. Pero lo que nadie vio venir es que acabarían arrasando en los Oscar con esta  producción A24 muchísimo más alocada en la que, efectivamente, transcurre Todo a la vez en todas partes: una barroca y pasadísima de vueltas parodia del multiverso, que hay que ver al menos dos veces. 

Dream Scenario (2023)

En A24 vieron claro que tenían que producir este Dream Scenario que explota a fondo el mito “meme-ficado” de Nicolas Cage, transformado en un padre de familia alopécico (en eso recuerda a su doble papel en Adaptation), que, sin mayor explicación, aparece en los sueños de personas de medio mundo, convirtiéndose en una inesperada celebridad, con todos los problemas que cabe suponer. Una comedia excéntrica y meta, dirigida por Kristoffer Borgli (Sick of Myself) muy del gusto de esa nueva generación de espectadores 3.0 que siempre ha estado en el punto de mira de las estrategias de A24. 

¿Dónde puedo ver más películas de A24?

Para descubrir más películas de la distribuidora A24 disponibles en España como estas consulta la siguiente guía de streaming de JustWatch. Puedes filtrar tu búsqueda por servicio de streaming, género, precio, clasificación por edades y puntuación. Asegúrate de crear tu lista de favoritos y recibir notificaciones útiles sobre qué ver a continuación según tus preferencias.

Si eres de los que cree que El juego del calamar es el concurso más retorcido que existe en las plataformas de streaming, déjanos decirte que existen muchas historias igual de malvadas y rebuscadas (e incluso peores).

En Justwatch queremos que descubras estas 10 películas y series que llevan los juegos macabros a niveles insospechados, donde la supervivencia se vuelve un espectáculo lleno de sadismo y la moralidad se pone a prueba en cada juego. 

Battle Royale (2000)

Basada en la novela homónima de 1999 de Koushun Takami, Battle Royale fue la primera adaptación cinematográfica de la historia, bajo la dirección de Kinji Fukasaku. 

La historia nos sitúa en una realidad distópica en la que los adolescentes están obligados a matarse entre sí. Para hacerlo, una clase de secundaria es enviada a una isla desierta en la que tendrán que intentar sobrevivir. 

El film tuvo tanto éxito, que cuenta con otras una secuela: Battle Royale 2: Réquiem. 

13: Game of Death (2006)

Imagina recibir una llamada en la que te ofrecen una gran cantidad de dinero por superar 13 desafíos. Tentador, ¿verdad? Pues esa es la premisa de 13: Game of Death, aunque las pruebas dejan mucho que desear: comerse una mosca, agredir a un mendigo, etc.

Un film que explora los límites del ser humano y que goza de una gran dosis de humor negro. La película cuenta con un remake llamado 13 pecados, dirigido por Daniel Stamm (El último exorcismo) y protagonizado por Mark Webber (Green Room).

As the Gods Will (2014)

Otra película japonesa, en esta ocasión dirigida por el provocador Takashi Miike (Audition), se suma a la lista de juegos macabros. En As the Gods Will se transforman juegos infantiles en pruebas mortales. 

Superando estos juegos, los estudiantes deben superarlos, uno a uno, si quieren sobrevivir, ya que la derrota significa la muerte. Con una estética muy particular y una violencia más “estética”, el film logra combinar lo absurdo con lo aterrador, en una película muy destacada.

31 (2016)

Rob Zombie (Halloween, el origen) nos lleva en 31 de la mano al infierno con este film en el que secuestran a cinco personas y les obligan a participar en un juego mortal durante la noche de Halloween. 

Estas cinco personas deben hacer frente a un grupo de asesinos disfrazados de payasos, y tienen que intentar sobrevivir 12 horas en un lugar llamado "Murder World". Se trata de una excelente opción para aquellos amantes del horror en el cine.

Funny Games (1997)

Hablamos de uno de los films más angustiantes y macabros de las últimas décadas, obra de Michael Haneke, que no contento con dirigir Funny Games, dirigió otra remake de la misma película también bautizado igual: Funny Games.

El film nos cuenta una historia donde dos jóvenes extraños bien vestidos irrumpen en la casa de una familia para jugar un "juego" sádico. Lo más interesante de Funny Games es la incomodidad que genera en el espectador sin necesidad de echar mano de grandes efectos especiales ni mucha sangre.

Black Mirror: Bandersnatch (2018)

La película de Bandersnatch pertenece a Black Mirror, si bien fue presentada como una entrega fuera de la temporada de la serie. Fue la primera incursión de Netflix en la interactividad con sus usuarios, que podían elegir qué decisiones tomaba el protagonista en la serie.

En función de las decisiones que iba tomando el espectador, la historia terminaba con distintos finales. Más que macabra, esta película lo que demuestra es que todas las decisiones tienen unas consecuencias en el devenir de las personas.

Bandersnatch es una de las 10 mejores historias de Black Mirror.

Alice in Borderland (2020)

Japón continúa con otro representante en cuanto a juegos macabros se refiere con Alice in Borderland, donde un grupo de amigos se encuentra en un Tokio alternativo vacío en el que deben participar en juegos mortales para sobrevivir. 

Cada prueba es peor que la anterior, y la única forma de seguir vivo es continuar ganando. La ficción dirigida por Shinsuke Sato (I Am a Hero) ya cuenta con dos temporadas en Netflix, con una tercera que se estrena en 2025.

3% (2016)

La serie 3% se desarrolla en un futuro distópico donde solo el 3% de la población puede tener acceso a una vida repleta de lujos. Para aspirar a formar parte de esa élite, los jóvenes deben superar un proceso de selección brutal que examina su inteligencia, moralidad y resistencia. 

Esta serie brasileña, que cuenta con 4 temporadas, ofrece una mirada crítica a la meritocracia y las desigualdades sociales, con una narrativa intensa y emocionante.

Los juegos del hambre (2012)

Si bien es cierto que se trata de una franquicia muy conocida, Los juegos del hambre no podían faltar en esta guía sobre producciones basadas en concursos que destacan por su crueldad. 

La trama nos cuenta cómo los adolescentes son forzados a luchar a muerte en un espectáculo que se emite por televisión. Su éxito motivó que se lanzaran cuatro films en total, con Jennifer Lawrence (El lado bueno de las cosas) como principal reclamo en el elenco.

The 8 show (2020)

Cuando veas The 8 Show, vas a encontrar multitud de similitudes con El juego del calamar: varios jóvenes surcoreanos participando por un premio enorme, juegos macabros, personas que disfrutan viéndolo sin que sepamos quiénes son, etc.

A diferencia de El juego del calamar, The 8 Show es mucho más macabra y cruel en muchos momentos, lo que la hace ideal para aquellos que disfrutan con este tipo de historias.

Solo tiene una temporada con 8 episodios (en cada uno de ellos se cuenta la historia de uno de los concursantes).

¿Dónde ver los 10 concursos más retorcidos que El juego de calamar online?

A continuación, te detallamos con una lista en qué plataformas online puedes encontrar estos 10 concursos más macabros que El juego del calamar.

Las comedias románticas, los dramas románticos, y las películas románticas en general, son un género que nunca morirá en el cine. Tampoco en el español. Hay infinidad de títulos disponibles en plataformas de streaming que cumplen con las reglas de este tipo de relatos, que en el fondo resultan universales.

A continuación, te recomendamos diez de ellas:

La buena estrella (1997)

El primer título de la lista desmiente que las películas románticas sean todas comedias. Se trata de La buena estrella, de Ricardo Franco, considerada una de las películas mejor del cine español, que además habla de amor verdadero. Las excelentes interpretaciones de Antonio Resines, Maribel Verdú y Jordi Mollá y la belleza del guion forma un emocionante triángulo amoroso y la convirtieron tras su estreno en un clásico instantáneo. Es una película que nunca envejece.

Tres bodas de más (2013)

Tres bodas de más abraza a ese tipo de comedia española gamberra hecha de personajes extremos y una encantadora pareja protagonista. Ella, encarnada por Inma Cuesta, se enfrenta a la situación de tener que acudir a los enlaces de los tres hombres de su vida. Cada cual es más disparatado, pero por el camino se encuentra a sí misma… y a un joven interpretado por Martiño Rivas. Por ella pasa un buen pedazo del cine español: Berto Romero, Paco León, Quim Gutiérrez, María Botto… A la audiencia española no le importaría tener una secuela de esta comedia nupcial.

Carmen y Lola (2018)

Uno de las pocas películas románticas de corte LGTBI+ del cine español. Carmen y Lola, dirigida por Arantxa Etxebarría, cuenta la historia de amor de dos chicas que pertenecen a la etnia gitana. Juntas deciden desafiar el destino que sus mayores y su cultura les tienen preparados. Un relato que resulta costumbrista y emotivo. Estrenada en el año 2018, fue la plataforma de lanzamiento de la actriz Carolina Yuste. Ella se ha consolidado con La infiltrada y con la miniserie de televisión La canción, en la que interpreta a la cantante Massiel justo antes de representar a España en Eurovisión.

El otro lado de la cama (2002)

El romance en el cine español también ha dado pie al musical. La novedosa El otro lado de la cama, con  sus famosos intérpretes (Paz Vega, Ernesto Alterio, Willy Toledo y Natalia Verbeke, entre otros) cantando éxitos del pop español, ha dado para otras dos secuelas y en su día reventó las taquillas. Esta primera entrega fue todo un éxito inesperado para un director veterano como Emilio Martínez Lázaro (aunque luego volviera a dar en el clavo con la saga de Ocho apellidos vascos) y fue el proyecto que consagró a David Serrano como guionista.

Los amantes del Círculo Polar (1998)

Que los protagonistas de Los amantes del Círculo Polar, estrenada en 1998, se llamen Ana y Otto, dos nombres palíndromos, que empiezan como acaban, no es casualidad. Todavía lo es menos teniendo en cuenta que se trata de una película del gran Julio Medem. La historia de este amor, circular como sus nombres, está interpretada por unos jóvenes Fele Martinez y Najwa Nimri. Y sigue siendo uno de los relatos más originales del cine español. En la fría Laconia, bajo el sol de medianoche, se reúnen los dos protagonistas tras un largo tiempo separados.

El amor perjudica seriamente la salud (1997)

Penélope Cruz y Gabino Diego interpretan a las versiones jóvenes de Ana Belén y Juanjo Puigcorbé en este romance que parece imposible y que se prolonga durante décadas. El tira y afloja de este escolta real y de una socialicé habituada a aparecer en las revistas del corazón repasa la llegada de The Beatles a Madrid para dar su primer y único concierto en España, en 1965. Siguiendo los patrones de la comedia de enredo clásica, El amor perjudica seriamente la salud de Manuel Gómez Pereira incluye en su metraje algunos momentazos de la historia de España reciente.

Amar (2017)

Dos estrellas en fase emergente como Pol Monen y María Pedraza interpretan en Amar, de 2017 a dos adolescentes que se encuentran viviendo su primer amor. Ambos son el alma de esta película independiente con vocación experimental de Esteban Crespo que, en definitiva, cuenta una historia universal. Los celos e inseguridades amenazan con romper ese estado idílico de los protagonistas. Es esta cinta, de cuidada fotografía y sonido, la línea que separa el amor del dolor resulta ser demasiado delgada, algo tan real como inevitable.

¡Átame! (1989)

¡Átame!, el que fuera uno de los primeros éxitos internacionales de Pedro Almodóvar combina el espíritu iconoclasta de los inicios de su carrera con el melodrama amoroso que tanto y tan bien ha desarrollado después. En esta película, un hombre secuestra a una mujer, pero su personalidad y su emotiva historia de vida consiguen que, finalmente, ella se enamore de él más allá de los efectos propios del Síndrome de Estocolmo. El momento final en el que Antonio Banderas, Victoria Abril y Loles León cantan Resistiré de El dúo dinámico dentro de un coche forma parte de la historia del cine.

Amantes (1991)

Vicente Aranda muestra la España más negra, aquella que quedó para siempre reflejada en las páginas de sucesos, en este triángulo amoroso basado en hechos reales. El trío protagonista está compuesto por Victoria Abril, Jorge Sanz y Maribel Verdú. Ambientada en los años cincuenta, Amantes es la película mejor valorada de la extensa filmografía del director y figura entre las mejores interpretaciones obtenidas por sus actores principales. Es todo un clásico del cine español, ganador de dos premios Goya, a mejor película y mejor director, y del Oso de plata a mejor actriz del festival de cine de Berlín para Abril.

Belle Époque (1992)

Fernando Trueba logró para el cine español otro premio Óscar a mejor película de habla no inglesa con esta comedia de época que cuenta con un póker de actrices aún recordado: Penélope Cruz, Ariadna Gil, Miriam Díaz Aroca y Maribel Verdú. En medio de todas ellas, aparecen Fernando Fernán Gómez y el galán del relato, Jorge Sanz. Belle Époque es la historia de la España de principios de los años treinta, justo antes de que ocurriera el desastre que ha marcado el pasado reciente del país. También lo es de cuatro hermanas que terminan seduciendo a un mismo chico.

¿Dónde ver las películas más románticas?

Te proponemos en esta lista de JustWatch títulos de películas románticas del cine español, ya sean comedias o dramas, y te contamos en el catálogo de qué plataformas de streaming puedes encontrarlas.

Dan Da Dan es el enésimo anime en demostrar la solvencia y el músculo mainstream de Science Saru después de darse a conocer con las geniales Devilman Crybaby (2018) o Scott Pilgrim da el salto (2023). Y en definitiva, descubrir esta serie mechambrado entre la tradición sci-fi, las apariciones japonesas y la comedia slice of life de instituto es un placer, lo hagas en el orden que sea.

Si has leído el manga de Yukinobu Tatsu o has visto parte de la adaptación de los codirectores Fuga Yamashiro y Abel Góngora, querrás saber si te has perdido algo. Además, como la temporada 2 traerá más material a la saga de Okarun y Momo, nos hemos propuesto esclarecer un poco las dos temporadas y las dos películas que ya están en el horizonte.

Dandadan - Temporada 1 (2024)

La serie arranca cuando un friqui del ocultismo de platillo volante que no cree en los fantasmas conoce a una exorcista de espíritus que no cree en los aliens. Y se gustan. Pero no lo reconocerán nunca jamás. En su primera excursión juntos, Okarun y Momo se enfrentan a Turbo Granny, versión funk de un mítico yokai nipón, que vive en un túnel y que roba los testículos a Okarun y lo maldice. El resto de temporada les encuentra persiguiendo los huevos del chico, entre escenarios de lo más inesperado… Incluyen batallas colosales contra kaijus submarinos, la intervención magnífica de un gato de la suerte y un episodio que no puede no romperos el alma en mil pedazos. Es el siete: preparaos.

La primera temporada de Dan Da Dan se mantuvo en segunda posición del ranking internacional de series de Netflix, incluyendo series que no eran de anime y la calidad de su animación, así como su libertad creativa, ya han sentado un nuevo estándar para la industria.

Dan Da Dan: First Encounter (2024)

La primera película de Dan Da Dan, Dan Da Dan: First Encounter, un recopilatorio en pre-estreno de los tres primeros episodios de la primera temporada, se estrenó como evento bastante infrapublicitado y muy híper poblado en un par de cines en Madrid. La proyección comenzaba con una entrevista a los intérpretes de doblaje (seiyuu) de los protagonistas, Shion Wakayama (Momo Momo) y Natsuki Hanae (Ken Takakura, Okarun). Luego había una entrevista con el mangaka Yukinobu Tatsu y una entrevista al director japonés del anime, Fuga Yamashiro (ojalá Abel Góngora, que nació en Elche pero vive y trabaja en Japón).

Era publicidad para una temporada que se vende sola, pero disfrutar en pantalla de cine de los episodios justifica el paquete extra.

Dandadan - Temporada 2 (2025)

La primera temporada acaba de forma un tanto abrupta: Momo y Okarun ayudan a Jiji, amigo de la infancia de Momo, a librarse de un espíritu maligno que acecha su casa. Sin embargo, pronto descubren que esta misión implica algo más que un simple exorcismo… Pero ahí quedaba la cosa. La segunda temporada de Dan Da Dan arranca con el arco de Evil Eye, continuación inmediata de la primera, y pasará a englobar, suponemos, el arco del Kaiju, el arco de los Globalistas del Espacio y puede que el de Onbusuman Arc. Lo deducimos por el alcance de la primera vuelta con respecto al manga, a falta de verla. Eso será a partir de julio, semanalmente en Netflix y Crunchyroll.

Dan Da Dan: Evil Eye (2025)

Dan Da Dan: Evil Eye vuelve a salas como recopilatorio de los tres primeros episodios de la segunda temporada y, creemos, dará por concluido todo el arco narrativo que remataba la primera. Eso significa ver cómo Okarun y Momo se ven atrapados en la casa encantada de la familia de Jiji, de la que incluso la flamante abuela de Momo tiene miedo. Más terror sobrenatural, con salpicaduras de trauma y seguramente un tono bastante más serio de lo que los ovnis y las peleas de instituto han ido cimentando. Jiji, por cierto, parece bastante poseído en el tráiler: ¿serán Okarun y Momo capaces de enfrentarlo? Cruzamos los dedos para que esté a la altura de la primera temporada.

¿Dónde puedo ver todas las películas y temporadas de ‘Dan Da Dan’?

Para descubrir todas las películas y temporadas disponibles en España de Dan Da Dan, así como otras series brillantes de Science Saru (como The Tatami Time Machine Blues de 2022), consulta la siguiente guía de streaming de JustWatch. Puedes filtrar tu búsqueda por servicio de streaming, género, precio, clasificación por edades y puntuación. Asegúrate de crear tu lista de favoritos para no perderte nunca y recibir notificaciones útiles sobre qué ver a continuación según tus preferencias.

Todo comenzó en 1992 con un viaje inolvidable a bordo de una alfombra mágica. Desde entonces, Aladdín se ha convertido en uno de los grandes clásicos del universo Disney. Su historia, inspirada en los cuentos de Las mil y una noches, nos conquistó con una mezcla perfecta de aventura, romance, humor y canciones que han quedado para siempre en la memoria de varias generaciones. Gracias a su enorme éxito en taquilla, la franquicia creció con secuelas, una serie animada, especiales televisivos e incluso una versión en acción real.

En este artículo te contamos todas las películas y series de Aladdín en orden cronológico, para que puedas seguir la historia completa tal y como se desarrolla en su universo. Además, incluimos una guía con los servicios de streaming donde puedes ver cada título desde España, para que no te pierdas ni un solo momento de esta mágica aventura.

Aladdin (1992)

La película animada Aladdín fue una pieza clave del renacimiento de Disney en los años 90 y el punto de partida de una de las sagas más queridas del estudio. Ambientada en la ciudad ficticia de Agrabah, la historia sigue a un joven ladrón de buen corazón que, tras encontrar una lámpara mágica, libera al inolvidable Genio y se embarca en una aventura para conquistar el corazón de la princesa Jasmín y enfrentarse al malvado Jafar. Su banda sonora, galardonada con varios premios, y su mezcla de humor, acción y fantasía convirtieron el film en un fenómeno cultural. Si aún no has visto ninguna entrega de Aladdín, este es el lugar perfecto para empezar.

El retorno de Jafar (1994)

Tan solo dos años después del estreno original, llegó El Retorno de Jafar (1994), la primera secuela directa de Aladdín y el inicio de la estrategia de Disney de lanzar películas directamente en vídeo. En esta nueva aventura, el malvado Jafar regresa convertido en un genio oscuro, sediento de venganza. Aunque no alcanzó el impacto crítico de su predecesora, la película logró expandir con acierto el universo de Agrabah y sirvió como introducción a la serie animada que vendría poco después. Con nuevos personajes, canciones originales y un tono más aventurero, es una parada obligada en cualquier maratón de Aladdín.

Aladdin serie animada (1994)

La serie animada de Aladdín continúa directamente después de los eventos de El Retorno de Jafar. Con tres temporadas y más de 80 episodios, el show sigue las aventuras de Aladdín, Jasmín, el Genio, Abú, el loro Iago y la Alfombra Mágica por todo el reino de Agrabah y más allá. Se presentan nuevos villanos, criaturas mágicas y escenarios exóticos que amplían aún más el universo de la saga. Aunque su animación es más sencilla que la de las películas, la serie mantiene el espíritu de la original y resulta perfecta para quienes quieren sumergirse aún más en este maravilloso mundo.

Aladdín y el rey de los ladrones (1996)

Aladdín y el rey de los ladrones ocupa un lugar clave dentro de la saga, no solo por el notable salto de calidad en la animación respecto a su predecesora, sino porque representa el cierre definitivo de la historia iniciada en 1992. En esta tercera entrega, Aladdín y Jasmine siguen tan enamorados como siempre y están a punto de casarse, hasta que la irrupción del legendario Rey de los Ladrones (nada menos que el padre perdido de Aladdín), lo cambia todo. El líder de los 40 ladrones desencadena una aventura repleta de secretos familiares, misterios antiguos y momentos decisivos. Un final emotivo y épico, perfecto para poner el broche de oro a tu maratón animada.

Aladdin (2919)

Siguiendo la tendencia de revivir clásicos en formato de acción real para acercarlos a nuevas generaciones, Disney trajo de vuelta Aladdín en 2019 con una nueva versión dirigida por Guy Ritchie. Esta reinterpretación actualiza la historia con una estética más realista y un enfoque moderno, pero sin perder la magia, el humor y las canciones que convirtieron a la película original en todo un icono. Si te intriga ver a Will Smith como el carismático Genio, descubrir nuevas escenas y disfrutar de una canción inédita como Speechless, esta adaptación no puede faltar en tu lista.

Dónde ver las películas y series de ‘Aladdín’ en línea

Con nuestra guía de streaming puedes descubrir dónde ver cada película y serie del universo de Aladdín desde España. Desde el clásico animado de 1992 hasta el remake en acción real, pasando por las secuelas, la serie animada y otros contenidos especiales, aquí tienes todo lo que necesitas para planear tu maratón desde casa.

Con el anuncio de la serie de Harry Potter de HBO Max, a algunos se nos ha olvidado que han pasado ya más de dos décadas desde que fuimos al cine a ver Harry Potter y la piedra filosofal, la primera adaptación de la saga de libros infantiles, que fue producida por Steven Spielberg y convirtió a un desconocido grupo de niños británicos en estrellas de estatus mundial.

Cómo no te van a sonar nombres como Daniel Radcliffe, Emma Watson y Rupert Grint, a los que toda una generación ha visto crecer dentro de la pantalla durante una década. Pero cuidado, cuando pasa tanto, tanto, tiempo, queda preguntarse qué ha sido de ellos y del resto del reparto desde que la película se estrenó hace casi 25 años. Sus destinos han sido diversos, algunos nos han dejado ya para siempre, otros han seguido carreras en el cine independiente, en series de televisión o en Hollywood. En la siguiente guía de Justwatch te mostramos dónde puedes encontrar algunos de sus trabajos.

Daniel Radcliffe (Harry Potter)

El protagonista absoluto de la saga ha demostrado un riesgo constante, buscando papeles incómodos que a menudo le exigen una gran transformación física en proyectos tan diversos como la comedia de aventuras La ciudad perdida, junto a Sandra Bullock y Channing Tatum, donde hacía de un excéntrico multimillonario obsesionado con tesoros perdidos. Por otro lado, sorprendió su capacidad para la comedia en Weird: La historia de Al Yankovic, el biopic del músico famoso por sus versiones. En televisión, ha aparecido en series como Miracle Workers, un formato de antología perfecto para mostrar su vis camaleónica.

Emma Watson (Hermione Granger)

La muy querida actriz que encarna a Hermione está, hasta el momento, retirada de apariciones en pantalla. Su perfil cada vez se asocia más con su faceta de activista comprometida con causas sociales. Durante algunos años fue alternando las películas con su trabajo como Embajadora de ONU Mujeres, llegando a recibir bastantes elogios con su participación en la Mujercitas de Greta Gerwig, junto a Saoirse Ronan, Florence Pugh y Timothée Chalamet. Otro de sus papeles en su última época fue la interesante El círculo, un thriller tecnológico que servía de sátira inquietante sobre las redes sociales y la vigilancia digital, compartiendo pantalla nada menos que con Tom Hanks.

Rupert Grint (Ron Weasley)

El pelirrojo de la pandilla pasó una temporada sin muchas apariciones en pantalla, pero ha recuperado mucha popularidad gracias a su papel en Servant, la serie de suspense y terror de M. Night Shyamalan para Apple TV+, donde mostraba una faceta mucho más madura y entraba en temas bastante más oscuros que los que nos mostraba en Harry Potter. También apareció en Agatha Christie: El misterio de la guía de ferrocarriles, la miniserie de la BBC basada en la novela de Agatha Christie, junto a un Poirot de lujo con cara de John Malkovich.

Alan Rickman (Severus Snape)

El querido villanísimo de La jungla de Cristal nos dejó en 2016, pero su legado continúa siendo celebrado por fans y fieles que echan de menos su presencia desde que hiciera su última aparición en “acción real”, en Espías desde el Cielo, en la que encarnó a un teniente general británico con un dilema moral en una operación militar en Kenia. Alabado por su voz inimitable y el porte misterioso y magnético de su Snape, en realidad, no dejó de trabajar desde que acabó la saga, y le hemos visto hasta como como oruga azul de Alicia a través del espejo.

Maggie Smith (Profesora Minerva McGonagall)

Otra pérdida irrecuperable, la gran dama del teatro británico se fue en 2024, tras trabajar sin descanso hasta sus últimos años. Nadie pensaba que a su edad pudiera tener algún papel más icónico que su Minerva McGonagall, pero sorprendió con su mordaz Violet Crawley en la aclamada Downton Abbey, donde el ingenio de sus réplicas venenosas la convirtió en el personaje favorito de los fans. Su última aparición fue precisamente en una de las películas, Downton Abbey: Una nueva era (2022), aunque en esos años hizo de todo, hasta poner su voz en la saga Sherlock Gnomes, añadiendo la animación familiar a un currículum donde su talento

Tom Felton (Draco Malfoy)

Al más conocido de los Slytherin tampoco le ha ido mal en el cine tras su etapa Potter, y pasó a otra gran saga apareciendo en El origen del planeta de los simios, donde seguí transmitiendo una energía de villano que no se conseguía sacar del todo. Pero esa percepción fue cambiando hasta llegar a El origen del planeta de los simios y al protagonizar La batalla olvidada, en la que hacía de un soldado británico atrapado en territorio ocupado en la Segunda Guerra Mundial, y que fue muy vista en Netflix. También tuvo un papel recurrente en Flash, la serie de The CW, donde interpretó a Julian Albert, un científico forense que ayuda a Barry Allen.

Robbie Coltrane (Rubeus Hagrid)

Puede que el personaje más querido de la saga, Coltrane siempre será el grandote guardián de Hogwarts, pero, como otros miembros del reparto, tampoco está ya con nosotros. Fallecido en 2022, tras la saga continuó trabajando en producciones como Effie Gray, drama victoriano sobre la primera mujer que buscó el divorcio, o poniendo su voz en Brave (Indomable), sin dejar nunca de lado la fantasía. También apareció en episodios de Mitos Urbanos donde interpretó a varias figuras históricas británicas con su inconfundible e imponente presencia física.

Matthew Lewis (Neville Longbottom)

Matthew Lewis ha pegado un cambio digno de “el patito feo”, pero además de ser ahora un tiarrón bien apuesto, su evolución como actor ha sido igual de sorprendente, abriéndose su pequeño huequecito en el género del drama británico. Puede que su papel más conocido sea el de Hugh Hulton en la serie Todas las criaturas grandes y pequeñas, una nueva adaptación contemporánea de las memorias del veterinario James Herriot, pero Lewis también ha protagonizado Wasteland, una pequeña película indie en la que interpreta a un soldado que regresa de Afganistán y debe adaptarse a la vida con su fardo psicológico.

Bonnie Wright (Ginny Weasley)

Uno de los cambios menos predecibles entre todo el reparto juvenil es el de la menor de los Weasley, que ahora ha crecido también como directora, con varios cortometrajes reconocidos en festivales internacionales, y en otra faceta paralela a la de Watson, en este caso como una persistente activista ambiental. Como actriz ha aparecido en películas como After the Dark, pero su compromiso con las causas ambientales le ha dado cierto aura respetable en ese campo, participando en documentales sobre cambio climático como Hacia la sostenibilidad, utilizando su popularidad para dar más alas a su convicción ecológica.

Jason Isaacs (Lucius Malfoy)

El gran patriarca de los Malfoy es, junto a Ralph Fiennes, uno de los actores más activos tras el fin de la saga, sin hacerle ascos a un buen drama histórico a la ciencia ficción o incluso el terror. Ahí está la muy querida The OA, la serie de Netflix en donde se metía en la piel de un científico obsesionado con las experiencias cercanas a la muerte. Es uno de los personajes más interesantes de Star Trek: Discovery, en donde brillaba su facilidad de reflejar carisma y una amenaza sutil según el ángulo, aunque su mejor papel está en la épica de horror La cura del bienestar, un clásico del género que merece mucho más reconocimiento.

Julie Walters (Molly Weasley)

La madre de Ron sigue siendo una de las actrices más apreciadas del Reino Unido, como demuestra su papel en Wild Rose, en la que también era una madre particular, pero en vez de magos, debía apoyar a una aspirante a cantante de country en Glasgow. La cada vez más reivindicada El regreso de Mary Poppins también contó con su presencia, donde hacía del ama de llaves de la familia Banks con su calidez característica. Ahora ha anunciado su retiro parcial, ya que tras lidiar contra un cáncer, prefiere ir eligiendo los proyectos que más le motivan, como la tercera parte de su gran éxito tras Potter, la adorable trilogía de Paddington.

Dónde ver las películas y series del reparto de Harry Potter y la piedra filosofal

A través de esta lista de JustWatch puedes encontrar las películas y series más recientes donde aparecen los actores de Harry Potter y la piedra filosofal y descubrir en qué plataformas   se encuentran disponibles para ver online. Puedes filtrar tu búsqueda por servicio de streaming, género, precio, clasificación por edades y puntuación. Asegúrate de crear tu lista de favoritos y recibir notificaciones útiles sobre qué ver a continuación según tus preferencias.

Y quién no recuerda el fenómeno que fue M3GAN, en salas y en las redes sociales, las semanas después de su estreno. Simple y sencillo: de repente, el mundo decidió erigir como reina del terror a una muñeca diabólica que era una chica mala de verdad, tan heredera del Chucky de Muñeco diabólico (1988) como de nuestras paranoias más simples (¿y realistas?) sobre “los teléfonos que nos escuchan” y la Inteligencia Artificial.

M3GAN estaba en todos y cada uno de nuestros asistentes de voz, así como en las cuentas de TikTok de cualquier aficionado al baile, pero su gran impacto fue en los cines: estrenada internacionalmente en los albores de 2023, enseguida se había posicionado como la mayor competidora de la agigantada Avatar: El sentido del agua (2022), a pesar de tener un presupuesto ridículo en comparación. Costó 12 millones, contra los 180 de su recaudación global.

Y a la crítica le gustó: “M3gan es una comedia negra, mucho, y sobre todo muy petarda. Hace volar por los aires las nuevas maternidades, la obsesión por la sobreprotección infantil, la sociedad actual y todas y cada una de las líneas rojas que parecen haber delimitado un terreno como el de las relaciones en el hogar y con los menores de edad”, escribía Fausto Fernández para Fotogramas.

Naturalmente, cuando en los Grammy se mostró un teaser con la muñeca moviéndose al ritmo de “Femininomenon”, de Chappell Roan, supimos que el universo M3GAN estaba lejos de acabar. Aunque aún hay pocas películas en esta guía, toma nota porque dentro de unos meses, se habrá expandido con la velocidad de un feroz generador de texto.

M3GAN (Gerard Johnstone, 2023)

Gemma (Allison Williams), una brillante experta en robótica de una empresa de juguetes, utiliza inteligencia artificial para crear a M3GAN (abreviatura de Androide Generativo Modelo 3): una muñeca realista programada para ser la mejor compañera y cuidadora de las criaturas. Inmediatamente después, Gemma se hará cargo de la custodia de su sobrina Cady (Violet McGraw) tras la muerte de los padres de ella en un accidente de coche. 

Incapaz de hacerle hueco, Gemma recurre a la ayuda del prototipo M3GAN. Malas decisiones, porque la “robota” va volviéndose consciente de sí misma y se convierte en un monstruo sobreprotector, que cuidará de Cady a toda costa, aunque eso signifique matar a quien se interponga en su camino. Escrita por Akela Cooper, responsable de la también temible y divertidísima Maligno (2021), la película era una burrada telefilmesca increíble. El baile de Walk the Night de los Skatt Brothers, que M3GAN ejecuta con gracia de tiktoker mientras viene a asesinarte, fue sólo la punta de un iceberg infinitamente memético.

M3GAN 2.0 (Gerard Johnstone, 2025)

Si de algo saben los productores de M3GAN, Jason Blum y James Wan (quizás os suenen), es de franquicias. Con la misma Allison Williams como tercera pata en la producción, también con Gerard Johnstone y Akela Cooper repitiendo en la dirección y el guion, en M3GAN 2.0 la cosa sólo podía ir a más. Dos años después de la masacre provocada por M3GAN, su creadora, Gemma, se ha convertido en defensora de la regulación de la IA, mientras lucha por conectar de nuevo su sobrina Cady, adolescente rebelde.

Lo que ellas no saben es que la tecnología de M3GAN ha sido robada por un contratista de Defensa, que crea a Amelia, un arma letal de infiltración… Que, oh sorpresa, desarrolla conciencia propia y acaba poniéndose en contra de las órdenes humanas. Para detenerla, Gemma decide resucitar y mejorar a M3GAN, preparándola para un enfrentamiento definitivo con su rival más peligrosa. Si esto no suena a maravillosa película de kaijus…

M3GAN 2.0 se estrenará en cines el 27 de junio de 2025 y la propia robot ya se encargó de anunciar su llegada: “Hola Comic Con de Nueva York”, saludó la muñeca en el evento de 2024. “¿Me habéis echado de menos? Desgraciadamente no puedo estar ahí porque estoy reventando el set de mi nueva película mortal, M3GAN 2.0. He sido actualizada. Nos vemos en junio”. ¡Hasta luego, muñeca!

SOULM8TE (Kate Dolan, 2026)

El primer spin-off del UCM (Universo Cinematográfico de M3GAN) se anunció en junio pasado y tiene una pinta increíblemente rocambolesca, como nos gusta. Anunciada como una heredera del thriller erótico de los 90, la película llegará a los cines el viernes 2 de enero de 2026. Ya se ha confirmado a Kate Dolan (You Are Not My Mother, 2022) como directora y coguionista junto a Rafael Jordan sobre una historia de James Wan, Ingrid Bisu y de la propia Jordan.

En SOULM8TE, un hombre adquiere otro androide con inteligencia artificial para afrontar la pérdida de su esposa, recientemente fallecida. En un intento por crear una pareja verdaderamente consciente, sin darse cuenta convierte a un inofensivo robot amoroso en una mortal alma gemela. Y la cosa se lía. Después de brillar en el nicho con Evil Dead: El despertar, la australiana Lily Sullivan ha sido elegida como la androide, y David Rysdahl (coprotagonista de The Revival, de 2017) será su ¿entrañable? viudo.

¿Dónde puedo ver todas las películas de ‘M3GAN’?

Para descubrir todas las películas disponibles en España de M3GAN, consulta la siguiente guía de streaming de JustWatch. Puedes filtrar tu búsqueda por servicio de streaming, género, precio, clasificación por edades y puntuación. Asegúrate de crear tu lista de favoritos para no perderte nunca y recibir notificaciones útiles sobre qué ver a continuación según tus preferencias.

El cineasta vasco Enrique Urbizu fue pionero en la década de los noventa del auge del thriller en el cine español, que contaba con un tono muy particular. Su película Todo por la pasta es un claro ejemplo. Diez años después, Enrique Urbizu volvió a impulsar el género, con títulos como No habrá paz para los malvados y La caja 507, ambas con José Coronado como protagonista, interpretando a personajes cuya línea moral resulta muy difusa. 

El director evolucionó de forma natural a las series de televisión, como tantos otros profesionales del cine y es donde ha lanzado sus nuevos thrillers, esta vez en estructuras episódicas. Cuando nadie nos ve, la serie de la plataforma Max, cuenta con otra leyenda del cine español como es Marivel Verdú.

En esta lista repasamos los mejores títulos de la filmografía de Enrique Urbizu tanto en cine como en televisión,

La caja 507 (2002)

Este thriller de Enrique Urbizu tiene todos los ingredientes para quedarse grabado en la retina de los espectadores. No solo ofrece un duelo interpretativo entre dos de los grandes actores del cine español, Antonio Resines y José Coronado, también está bien rodada, el guion logra mantener el pulso durante todo el metraje y el diseño de producción es bastante destacado. El personaje de Resines es Modesto, un hombre normal que dirige una sucursal bancaria. De forma fortuita, descubre lo que contiene La caja 507, una información relacionada con la muerte de su hija. El contenido de esa caja pone en peligro a Rafael (Coronado), un expolicía corrupto que tratará de recuperar esos documentos a toda costa. 

Gigantes (2018-2019)

Una serie original de Movistar +, de nuevo con José Coronado al frente del reparto, en el que una familia criminal con gran poder por Andalucía y por el extranjero utiliza un negocio de compra-venta de muebles como una tapadera. Hasta que un policía que lleva años tras su pista decide desenmascararlos. Quizá por ser una serie o por las peculiaridades de su guion, Enrique Urbizu se decide a ir un paso más allá en Gigantes, con un relato más espídico, más lleno de testosterona, e incluso más violento que nunca. Isak Ferriz, Nené y Daniel Grao completan el reparto principal.

Cuando nadie nos ve (2025)

Otra serie, Cuando nadie nos ve, queda entre lo más alto de la filmografía de Enrique Urbizu, a quien parece sentarle bien los relatos más extensos y episódicos. Esta vez, las protagonistas son mujeres, la consagrada Maribel Verdú y la joven Mariela Garriga, lo que le permite explorar otras facetas del género, el thriller. El momento y el lugar en los que está ambientada la serie ya definen buena parte de su tono y de su identidad. Las dos policías tienen que investigar una serie de asesinatos durante una Semana Santa en un lugar que combina la España profunda con la influencia estadounidense de su base militar: Morón de la Frontera (Sevilla).

No habrá paz para los malvados (2011)

En su día, la película No habrá paz para los malvados fue un popular éxito en la filmografía de Enrique Urbizu. Confirmando a José Coronado como su actor fetiche, coloca a su personaje, un policía no muy ortodoxo, Santos Trinidad, en medio de un triple asesinato. Hay un testigo que podría incriminarlo, así que el protagonista decide buscar, encontrar y eliminar a la persona que puede delatarlo. Pero hay alguien que, al mismo tiempo, está siguiendo sus pasos, la juez Chacón, encargada de la investigación del triple crimen. En este largometraje, Enrique Urbizu da rienda suelta a esa curiosidad que mantiene siempre por los rincones más oscuros de sus personajes.

Todo por la pasta (1991)

Esta es una de las primeras películas de Enrique Urbizu y, sin duda, la que lo consagró como director de cine. Todo por la pasta surge en la década de los noventa, una época en la que el thriller no es un género muy común en la industria audiovisual española. Y el cineasta sabe darle un toque muy local, para que su propuesta no se convierta en un calco de sus referentes estadounidenses. Unos ladrones se hacen con un enorme botín de un bingo. Pero ese dinero estaba destinado a pagar a unos criminales a sueldo, así que la novia de uno de los ladrones decide esconder el dinero, con ayuda de la directora de un asilo.

La vida mancha (2003)

Sorpresa: una historia de Enrique Urbizu protagonizada por José Coronado. Pedro es un opaco hombre de negocios que ha pasado los últimos años viviendo en Inglaterra. Decide regresar a España y ahí se reencuentra con su hermano Fito, un hombre con una vida relativamente normal, padre de familia, pero que está metido en problemas con el juego que le tiene ahogado de deudas. La que parece una simple visita para reconectar con un hermano al que no ve hace tiempo, se convierte en algo muy distinto. La vida mancha es un relato especialmente triste en la filmografía del director, quizá por los lazos familiares que intervienen en la trama principal.

Libertad (2021)

La otra serie que Enrique Urbizu creó para la plataforma Movistar +, Libertad, gira esta vez hacia el drama histórico, ambientada en la época de la España de los bandoleros. En realidad, también se estrenó en cine como largometraje, ya que cuenta con tan solo cinco episodios, que para su versión en pantalla grande quedaron cortados a casi la mitad del metraje. La actriz y cantante Bebe es la protagonista junto a Isaac Ferriz. Una mujer apodada La Llanera sale de prisión en la España del siglo XIX. Encerrada, ha tenido un hijo ahora adolescente, con quien intenta iniciar una vida fuera de la celda. Pero su pasado no se lo va a poner fácil.

Las mejores series y películas de Enrique Urbizu

A continuación, este listado de JustWatch muestra los mejores largometrajes y series que dirige Enrique Urbizu, ordenadas de mejor a peor y te contamos en qué plataformas de streaming puedes verlas.

La actriz hispano-cubana, que llegó a ser nominada al Oscar por su deslumbrante encarnación de Marilyn Monroe en Blonde, se ha forjado una leyenda de heroína de acción, que culmina con Ballerina, el más que notable spin-off de la saga John Wick. En esta lista descubrirás dónde ver las películas más relevantes de su carrera. 

Una rosa de Francia (2006)

Manuel Gutiérrez Aragón la descubrió, gracias a Jorge Perugorría, cuando ella todavía era una adolescente de 16 años que se hacía llamar Ana Celia de Armas y estudiaba teatro. Esta coproducción hispano-cubana ambientada en los años 50 y titulada Una rosa de Francia, cuando Perugorría se dedica a la trata de “jineteras”, hizo que la joven actriz abandonara su país y se instalara en España, donde alcanzó gran popularidad gracias a la serie El internado. No es, ni de lejos, la mejor película del director de Habla, mudita, pero hace gracia ver a de Armas tan jovencita.  

El callejón (2011)

En sus primeros años en España, Ana de Armas trató de huir del encasillamiento al que la abocaban productos como Mentiras y gordas, y experimentó con el terror más underground de la mano del crítico y cineasta Antonio Trashorras en El callejón y Anabel, dos películas hechas con pocos medios, pero mucha pasión y amor por el género. La primera es un brillante homenaje al giallo; la segunda, rodada en el piso del director, al terror de los años 70, y las dos hicieron que Ana de Armas una posible nueva reina del grito que causó sensación en el festival de Sitges. 

Juego de armas (2016)

Aunque el título de esta película de un Todd Phillips, que huía de la comedia para tratar de emular a Martin Scorsese, parece un tributo a nuestra homenajeada, en Juego de armas, ella no es más que la novia de Miles Teller, uno de los dos protagonistas, junto a Jonah Hill, de la historia real de dos pardillos que hicieron fortuna como traficantes de armas gracias a su conexión con el Pentágono. La película le permitió sin embargo ganar posiciones en Hollywood, donde se había aventurado sin tener apenas idea de inglés, aprendiendo sus papeles fonéticamente. 

Blade Runner 2049 (2017)

La consagración de Ana de Armas llegó interpretando a la inteligencia artificial que enamora a Ryan Gosling en Blade Runner 2049, la tardía secuela del gigantesco clásico de Ridley Scott dirigida por Denis Villeneuve, que salió mucho mejor de lo que nadie podía haber esperado. Ensalzada por la hermosa fotografía de Roger Deakins, la nueva Blade Runner, larga, intensa y majestuosa, dialoga con la original sin dejarse endulzar por la nostalgia, proponiendo una visión más contemporánea que sólo flaquea cuando intenta resolver los misterios de su predecesora. 

Puñales por la espalda (2019)

Aunque Puñales por la espalda, el Cluedo de Rian Johnson es una película de lo más coral, en la línea de los clásicos de Agatha Christie a los que rinde homenaje, la enfermera Marta Cabrera encarnada por Ana de Armas mereció nada menos que su primera nominación al Globo de Oro, amén de encontrarse por primera vez con Daniel Craig en su papel del poirotesco detective Benoit Blanc. Un delicioso divertimento, de lo más socorrido para poner en reuniones familiares, en el que la hispano-cubana sin duda puso mucho de lo que ella misma había experimentado bajo la mirada de los demás.  

Sergio (2020)

Antes de dirigir el biopic Sergio, Greg Barker ya había dedicado un homónimo documental, Sergio (2009), a la figura del diplomático brasileño Sergio Vieira de Mello, fallecido en el ataque terrorista a la sede de la ONU en Iraq. Pero sintió la necesidad de darle la forma de un convencional biopic en el que el muy internacional Wagner Moura interpreta al defensor de los derechos humanos, mientras Ana de Armas pone cuerpo a su mujer, para dar profundidad a la parte emocional de un relato, que trata de devolver una dimensión humana al mito. 

Sin tiempo para morir (2021)

El paso decisivo de Ana de Armas como heroína del cine de acción contemporáneo fue su encarnación de la letal agente de la CIA que apoya a 007 en la misión n.º 25 del agente al servicio de Su majestad, un Daniel Craig Sin tiempo para morir, con el que tuvo el placer de reencontrarse. En contraste con las chicas Bond de antaño, su Paloma no sólo está dispuesta para la acción, sino que también tiene hondura y personalidad. Cary Fukunaga, director de la película, y Phoebe Waller-Bridge escribieron el personaje con ella en mente. No estaba en el guión original. 

Aguas profundas (2022)

Más comentado por su romance con Ben Affleck, coprotagonista de Aguas profundas, este un thriller de los llamados tórridos que Adrian Lyne dirigió como si se hubiera quedado atascado en los tiempos en los que 9 semanas y media rompía la taquilla. Tiene su cosa sensual por la química entre ambos y el siempre provocador Sam Levinson (Euphoria) está detrás de esta adaptación de una novela de Patricia Highsmith, en la que Affleck vive con Armas una relación abierta que se acaba volviendo en su contra cuando le acusan de la muerte de los amantes de su mujer. 

El agente invisible (2022)

Otro gran paso en el cine de acción para Ana de Armas fue esta superproducción de Netflix dirigida por los hermanos Russo, que han hecho carrera al servicio de Marvel, y se desviaron aquí de su superheroico camino. Ryan Gosling es una estoica máquina de matar de la CIA que acaba siendo desechada, como suele ocurrir, y perseguida por todo el mundo por un psicótico Chris Evans. El agente invisible es acción entretenida y disfrutable sin necesidad de mayor trasfondo: Ana de Armas se entrega a la lucha, después de haberse sometido a un duro entrenamiento con expertos militares. 

Blonde (2022)

Sin duda la cumbre de la carrera de Ana de Armas. Pudo cerrar las bocas de todos los que dudaron de que una actriz latina pudiera encarnar a Marilyn Monroe en esta monumental adaptación de la novela homónima de Joyce Carol Oates. A pesar de todos los malentendidos y polémicas que rodearon a Blonde, sobre si criticaba o prolongaba esa mirada masculina de la que Marilyn fue la mayor víctima, nadie puso en duda el concienzudo trabajo de su protagonista que logró su primera nominación al Oscar. Una estatuilla que le fue arrebatada por Michelle Yeoh. 

Ballerina (2025)

Ana de Armas conoció a Keanu Reeves en Toc Toc, de Eli Roth, y el actor le invitó a que protagonizara con él La hija de Dios, que él coprodujo, dos thrillers bastante irregulares. Lo que nadie vio venir es que la cubana acabaría protagonizando un spin-off del universo John Wick, una aventura que se ha saldado con un notable, ya que da la talla tanto en las escenas de acción coreográfica al tiempo que sabe dar hondura emocional a esta bailarina de Ruska Roma que quiere vengar la muerte de su padre. Aunque ni la fotografía, ni la puesta en escena están al mismo nivel de la saga, se acercan bastante y Ana de Armas es una perfecta Ballerina. 

¿Dónde puedo ver más películas de Ana de Armas?

Para descubrir más películas y series de Ana de Armas disponibles en España como estas consulta la siguiente guía de streaming de JustWatch. Puedes filtrar tu búsqueda por servicio de streaming, género, precio, clasificación por edades y puntuación. Asegúrate de crear tu lista de favoritos y recibir notificaciones útiles sobre qué ver a continuación según tus preferencias.

La plataforma de Netflix está repleta de historias de amor originales, aunque no todas brillan con la misma intensidad. Algunas se limitan a repetir fórmulas conocidas, mientras que otras se aventuran a probar nuevas formas de narrar el amor, aportando frescura y autenticidad al género. 

Como fans de las películas románticas que somos, en Justwatch hemos seleccionado las 10 mejores películas románticas originales de Netflix las cuales creemos que destacan por su originalidad, su romanticismo y su innovación narrativa. 

A todos los chicos de los que me enamoré (2018)

La película A todos los chicos de los que me enamoré se basa en la novela de Jenny Han To All the Boys I've Loved Before, y sigue la vida de Lara Jean, una joven adolescente cuya vida sufre un vuelco sin precedentes cuando las cartas que le había escrito a los chicos de los que estuvo enamorada son enviadas a estos sin su aprobación. 

El éxito del film fue tal, que empujó a Netflix a encargar dos secuelas: A todos los chicos 2: P.D. Todavía te quiero y A todos los chicos: Para siempre. Su particular manera de abordar el amor en la adolescencia, evitando los típicos clichés del género, es la base de su popularidad.

Cómo deshacerte de tu jefe (2018)

En Cómo deshacerte de tu jefe, Harper y Charlie son dos asistentes sobrepasados de trabajo que deciden emparejar a sus jefes para que disminuya su carga de tareas. 

Lo que empieza como una estrategia laboral termina convirtiéndose en una historia de amor encantadora, con un guión ágil y una química palpable entre los intérpretes Zoey Deutch (The Disaster Artist) y Glen Powell (Cualquiera menos tú). Como dato curioso: fue una de las primeras películas románticas originales de la plataforma en lograr un gran éxito de crítica y público.

Amor de calendario (2020)

Llegamos a Amor de calendario, donde Sloane y Jackson, cansados de la presión social durante las fiestas, acuerdan ser compañeros platónicos en cada celebración importante del año. 

A medida que pasa el tiempo y las celebraciones, la línea que separa la amistad y el amor se difumina entre ambos. La película está protagonizada por Emma Roberts (Scream 4) y Luke Bracey (Hasta el último hombre). Esta comedia destaca por ofrecer una visión contemporánea y divertida de las relaciones amorosas. 

La cita perfecta (2019)

Llegamos a La cita perfecta, protagonizada por Noah Centineo (A todos los chicos de los que me enamoré), un asiduo en las comedias románticas de Netflix. En esta película, Brooks Rattigan crea una app para ofrecerse como acompañante en citas, con el objetivo de juntar dinero para ir a la universidad. 

Sin embargo, como era de esperar nada sale como preveía y, en el proceso, descubre que lo que pensaba que quería no tiene nada que ver con la realidad. La historia se basa en la novela The Stand-In de Steve Bloom.

Fuimos canciones (2021)

El film Fuimos canciones es la primera película romántica española de la lista, donde Maca (María Valverde), una asistente de moda en Madrid, intenta superar una ruptura mientras lidia con su carrera profesional y comparte el día a día con sus amistades. 

Basada en la novela homónima de Elísabet Benavent, esta comedia patria destaca por su sentido del humor y el retrato de la vida moderna en la ciudad. Álex González (Alacrán enamorado) es la otra pieza de este puzzle romántico.

Amor de madre (2022)

No nos movemos de España para continuar con Amor de madre, cuya trama sigue a José Luis (Quim Gutiérrez), a quien plantan en el altar y, para no desperdiciar el viaje de luna de miel, decide viajar con su madre (Carmen Machi). 

El film hace hincapié en multitud de situaciones cómicas y emotivas que exploran la relación materno filial y las segundas oportunidades en el amor y en la vida. El film fue rodado en Mauricio.

Eres tú (2023)

Con un planteamiento mucho más original, Eres tú cuenta con argumentos suficientes para estar en la lista. La trama sigue a Javier, que descubre que, al besar a las chicas por primera vez, puede ver el futuro que le espera junto a esa persona. 

Este poder, que en un inicio parece una bendición, dificulta su relación con el sexo opuesto cuando se enamora de la novia de su mejor amigo. Más allá de las risas y su vertiente más romántica, la película reflexiona sobre el destino y las decisiones en el amor. Como curiosidad, el film es una adaptación libre de la comedia romántica francesa Tras la pared.

Pared con pared (2024)

Como habrás podido comprobar hasta ahora, España es uno de los mercados principales para la producción de comedias románticas de Netflix. Dentro de ese catálogo, Pared con pared es otro de los títulos más destacados.

El film nos presenta a Valentina (Aitana), una pianista, y David (Fernando Guallar), un inventor, que son vecinos separados por una delgada pared. Si bien son personas muy diferentes, la música y la convivencia les acerca de una manera inesperada. La película es un remake de la película francesa Tras la pared (sí, al igual que Eres tú, aunque en este caso es fiel a la original). 

Corazones malheridos (2022)

Nos vamos a Estados Unidos para hablar de Corazones malheridos, donde Cassie (Sofia Carson), una cantautora, y Luke (Nicholas Galitzine), un marine, se casan por conveniencia para obtener beneficios militares. 

Como es de esperar, lo que comienza como un trato se irá transformando en una relación amorosa real, superando desafíos y emociones intensas. Además de todo esto, la película incluye canciones originales interpretadas por Carson, cantante en la vida real.

A través de mi ventana (2022)

Terminamos esta lista con A través de mi ventana, una película que se basa en la novela homónima de Ariana Godoy. El film se convirtió enseguida en uno de los largometrajes románticos más exitosos de Netflix en español. 

La historia nos pone tras los pasos de Raquel, una chica que lleva años enamorada de su misterioso vecino Ares. Cuando él comienza a corresponderle, se desata una historia de amor llena de obstáculos familiares y diferencias sociales. Los encargados de dar vida a ambos personajes son Clara Galle (Ni una más) y Julio Peña (La casa de papel: Berlín).

¿Dónde ver las mejores películas románticas en Netflix?

Esperamos que disfrutes tanto como nosotros al ver cualquiera de estas 10 películas románticas originales de Netflix. Y si después de verlas quieres cambiar de género, te recomendamos leer nuestra guía Las 15 mejores películas de acción originales de Netflix, ordenadas.

Ana de Armas llega pegando muy fuerte en Ballerina, el spin-off de la saga John Wick en el que da vida a Eve Macarro, protagonista absoluta de la función. Pero no es la única cara conocida en un reparto que es verdaderamente estelar. En esta lista, te decimos dónde has visto a los actores y actrices que intervienen en esta cinta de acción espectacular, y las plataformas en las que encontrar sus mejores películas. 

Ana de Armas en ‘Blonde’ (2022)

La actriz hispano-cubana ha sido entrenada, como asesina y como bailarina de ballet, por el clan de los Ruska Roma en Ballerina, y no te va a decepcionar, porque cumple de sobras su misión. La actriz ya había coincidido en un par de thrillers con Keanu Reeves (Toc Toc y La hija de Dios), y se había entrenado en no pocas películas de acción, empezando por Sin tiempo para morir. Pero el mejor papel de su carrera sigue siendo su encarnación de Marilyn Monroe en la monumental Blonde, donde muestra toda la fuerza y fragilidad del mayor mito erótico que ha dado la historia del cine. 

Keanu Reeves en ‘Matrix’ (1999)

Sí, Keanu Reeves fue durante mucho tiempo Neo de la saga Matrix, así como el protagonista de Speed entre otros muchos blockbusters Made in Hollywood. Pero el papel en el que ha acabado exprimiendo todo su potencial, por lo menos como hombre de acción, es John Wick en una saga que ha significado la cumbre en lo que se refiere al cine de patadas y disparos, elevado a una forma de arte. Desde la primera entrega de John Wick, Chad Stahelski llevó el cine de acción a la abstracción máxima, con Keanu Reeves como uno de los máximos iconos del cine contemporáneo. 

Ian McShane en ‘Deadwood’ (2004-2006)

El ya octogenario actor británico es Winston, el director de la sede neoyorquina del Hotel Continental, el establecimiento que los asesinos a sueldo de todos los clanes escogen para descansar en el universo de la saga John Wick, aunque su papel más recordado es el del despiadado propietario del saloon en Deadwood, la estupenda serie marca HBO ambientada en los tiempos del salvaje Oeste que combina personajes históricos y ficción para sumergirnos en el día a día de esta ciudad de Dakota del Sur dominada por el crimen y la corrupción. Un hito en el género. 

Anjelica Huston en ‘Dublineses’ (1969)

¿Qué decir de la legendaria Anjelica Huston, hija del no menos legendario John Huston, que ha acabado al mando del clan Ruska Roma, tanto en Ballerina como en la saga John Wick, desde que aparición en John Wick: Capítulo 3 -Parabellum? Cuesta reconocerla a sus más de 70 años, pero siempre la recordaremos en películas como El honor de los Prizzi o Los timadores, o en el testamento cinematográfico de su padre, Dublineses, que tiene uno de los finales más desoladores de la historia del cine. 

Gabriel Byrne en ‘Muerte entre las flores’ (1990)

En Ballerina, Gabriel Byrne es El Canciller, el jefe de un curioso clan de asesinos que vive de tapadillo en un pueblo tradicional alemán donde todos los vecinos parecen de lo más amigable, hasta que sacan sus armas de debajo de la mesa. Eve Macarro se la tiene especialmente jurada porque mató a su padre cuando era una niña. Pero Gabriel Byrne siempre tuvo algo que ver con el crimen, por lo menos desde Muerte entre las flores, la obra maestra de los hermanos Coen ambientada en los tiempos de la Ley Seca. 

Catalina Sandino Moreno en ‘María, llena eres de gracia’ (2004)

La colombiana se dio a conocer con María, llena eres de gracia, donde era una luminosa joven a la que obligaban a ejercer de mula, transportar cocaína en su estómago, rumbo a los Estados Unidos. En Ballerina, es una figura destacada dentro del clan que dirige con mano de hierro Gabriel Byrne, aunque también tiene algo en común con Eve Macarro. En estas dos décadas que separan las dos películas, Sandino Moreno ha hecho un poco de todo, ojalá se la hubiera visto más en El año más violento, el estupendo thriller a lo Lumet de J.C. Chandor. Puede que Ballerina relance su carrera. 

Norman Reedus en ‘The Walking Dead: Daryl Dixon’ (2023-2024)

El americano tiene mucha carrera, aunque la mayor parte lo recordará por este spin-off de The Walking Dead, llamado The Walking Dead: Daryl Dixon dedicado a su personaje, Daryl Dixon, un superviviente que atraviesa una Francia devastada por la plaga zombi a lo largo de 13 capítulos. De hecho, estaba trabajando en Francia cuando le llamaron para que participara en la saga, y tuvo que decirles: “Lo siento, me han llamado de John Wick”. En la película es otro miembro de la Ruska Roma, que tiene relación con Eve Macarro y con su proceso de entrenamiento para convertirse en una ballerina-asesina. 

Lance Reddick en ‘The Wire’ (2002-2008)

El ya fallecido Lance Reddick pasó a la historia como el recepcionista del Hotel Continental de Nueva York a lo largo de toda la saga John Wick, aunque ocupa un lugar importante en nuestros corazones desde que encarnó al teniente Cedric Daniels a lo largo de 60 capítulos de la mítica serie The Wire, creada por David Simon para HBO. Ahí estuvo al mando de los detectives Jimmy (Dominic West) y Bunk (Wendell Pierce), quizás la mejor serie de todos los tiempos, por lo menos en cuanto a la arquitectura de sus temporadas, concebidas como diferentes perspectivas de la sociedad en la ciudad Baltimore. En paz descanse. 

Sharon Duncan-Brewster en ‘Dune’ (2021)

A la actriz británica con raíces caribeñas que interpreta a la mentora de Eve Macarro en Ballerina le gustan las naves espaciales. No sólo porque interpretó a la paleontóloga imperial Liet Kynes en el Dune de Denis Villeneuve (un personaje que, en la novela de Frank Herbert era un hombre), sino porque antes también fue la senadora Pamlo en Rogue One: Una historia de Star Wars, un papel ciertamente pequeño, pero que ha retomado tanto en Star Wars: La remesa mala –sólo la voz–, como en un episodio de la aclamada Andor. Le falta poco para acabar pilotando su propia nave, y acabar obteniendo un papel de protagonista. 

David Castañeda en ‘Sicario: El día del soldado’

En Ballerina dura poquito, ya que tan solo aguanta el prólogo, hasta que llega Gabriel Byrne con sus asesinos bávaros y se lo fulmina, después de haber opuesto no poca resistencia ante los ojos conmovidos de su pequeña hija, esa Eve Macarro, que mandará rumbo a la casa de los Ruska Roma, su familia adoptiva. Se le conoce por haber participado en Sicario: El día del soldado, la inesperada secuela del Sicario, de Denis Villeneuve, dirigida por Stefano Sollima, con guion de Taylor Sheridan, así como en 36 episodios de la serie The Umbrella Academy. 

¿Dónde puedo ver más películas como Ballerina?

Para descubrir más películas como Ballerina disponibles en España como estas consulta la siguiente guía de streaming de JustWatch. Puedes filtrar tu búsqueda por servicio de streaming, género, precio, clasificación por edades y puntuación. Asegúrate de crear tu lista de favoritos y recibir notificaciones útiles sobre qué ver a continuación según tus preferencias.

Aunque la premisa puede recordar mucho a la de The White Lotus de Mike White, Nine Perfect Strangers demostró casi de inmediato, con su primera temporada, que era capaz de mantener un estilo propio. Su impresionante reparto fue de los puntos fuertes de este misterioso drama en el que un grupo de desconocidos comparten estancia en un lujoso resort espiritual comandado por la no menos enigmática Masha.

De hecho, el reto de su segunda temporada es el de superar las grandes interpretaciones que mostraron en sus primeros capítulos Michel Shannon, Melissa McCarthy, Bobby Cannavale, Regina Hall, Samara Weaving, Asher Keddie y su protagonista, Nicole Kidman, que por supuesto regresa a esta nueva tanda de capítulos. 

En esta lista te mostramos a los integrantes del reparto de la serie y te contamos dónde los has visto antes. Entre ellos se encuentra la cantante independiente King Princess, en su debut como actriz.

Nicole Kidman (Masha)

Masha, la gurú espiritual llena de debilidades regresa una temporada más a Nine Perfect Strangers. Esta vez, cambia de emplazamiento e instala su particular experimento social entre las montañas nevadas de los Alpes. Allí, reconecta con dos viejos aliados y selecciona a un nuevo grupo de nueve desconocidos, aunque alguno de ellos no lo es tanto para ella. Nicole Kidman regresa con este proyecto a colaborar con el showrunner David E. Kelley, el mismo con quien hizo dos temporadas de Big Little Lies. La actriz de Moulin Rouge, uno de los musicales cinematográficos más exitosos del siglo XXI, comenzó a despegar su espectacular carrera con una dramedia independiente dirigida por Gus Van Sant: Todo por un sueño.

Christine Baranski (Victoria)

Christine Baranski es Victoria, una de los nueve perfectos desconocidos que conviven en el resort de Masha. La actriz se convirtió en leyenda como la abogada Diane Lockhart en The Good Wife y The Good Fight. Pero antes de eso ya había sido una brillante secundaria tanto en televisión (en la sitcom Cybill, junto a Cybill Shepherd) como en el cine (en la saga de Mamma Mia!, junto a Meryl Streep y Amanda Seyfried). No solo ha ganado varios premios Emmy por las series en las que ha participado, también se ha llevado algún Tony por sus trabajos en el teatro.

Murray Bartlett (Brian)

Una clara referencia a The White Lotus es la presencia de quien fue uno de los protagonistas de su primera temporada, Murray Bartlett. En esta nueva tanda de episodios de Nine Perfect Strangers el actor no interpreta esta vez a un trabajador del resort, sino a Brian, uno de los clientes del retiro espiritual de Masha que más rápido sucumbe a sus efectos. El australiano también ha interpretado a uno de los personajes más entrañables de la serie Looking y ha tenido una participación muy especial en la segunda temporada de The Last of Us, ambas series de HBO.

Henry Golding (Peter)

El joven Henry Golding, que en la serie es Peter, el hijo de David (otro de los clientes), ha roto más de una barrera al ser uno de los pocos actores de ascendencia asiática en convertirse en protagonista de películas comerciales en Hollywood. Se hizo muy famoso de la noche a la mañana como uno de los protagonistas del fenómeno de taquilla Crazy Rich Asians, adaptación de una novela igualmente exitosa. Luego, ha participado en la saga Un pequeño favor, junto a Anna Kendrick y Blake Lively y ha trabajado a las órdenes del cineasta español Nacho Vigalondo en la fantasía romántica Daniela Forever.

Lena Olin (Helena)

La sueca Lena Olin interpreta a la brillante pero solitaria doctora Helena profesora del personaje de Nicole Kidman. La actriz nacida en Estocolmo ha aparecido en clásicos del cine como Fanny y Alexander, dirigida por su compatriota Ingmar Bergman. También se ha dejado ver en otros éxitos del cine europeo, como La novena puerta, la adaptación que Roman Polanski hizo de una de las novelas de Arturo Pérez Reverte con Johnny Depp como protagonista. Olin se ha dejado ver en los últimos años en otra serie de televisión, Hunters, historia en torno a un grupo secreto de cazadores de nazis en la que participan una leyenda como Al Pacino y una joven promesa como Logan Lerman.

Mark Strong (David)

Mark Strong es David, el padre de Peter y uno de los clientes que llega al resort con una mayor carga emocional que desentrañar. El actor británico es un secundario de lujo. Buena parte del público recuerda sus participaciones en la franquicia de Kingsman, saga de espías protagonizada por Colin Firth y Taron Egerton. Antes, el intérprete había participado en el drama bélico La noche más oscura (Zero Dark Thirty), de la cineasta Kathryn Bigelow junto a Jessica Chastain. Y después de Kingsman ha formado parte del reparto de uno de los proyectos televisivos más ambiciosos, Dune: La profecía.

Lucas Englander (Martin)

Lucas Englander interpreta en esta segunda temporada de Nine Perfect Strangers a Martin, un farmacólogo que colabora con Masha en el tratamiento de los pacientes. La relación entre ambos es cambiante como una montaña rusa. El actor austriaco cuenta con una interesante trayectoria en el cine y la televisión europeos. Además de formar parte del elenco de Parliament, la comedia francesa que satiriza el día a día del Parlamento europeo, también ha participado en la miniserie Chacal, en la que Eddie Redmayne interpreta al famoso asesino a sueldo. Con el británico también coincidió en la saga de Harry Potter, en la precuela Animales fantásticos: Los secretos de Dumbledore.

Dolly DeLeon (Agnes)

Dolly DeLeon interpreta a otro de los pacientes del resort. Su personaje se llama Agnes y es una exmonja en plena búsqueda de sí misma. Aunque el grueso de su carrera transcurre en su país, la actriz filipina brilló en la brillante El triángulo de la tristeza. En la comedia ácida de Ruben Östlund un crucero para gente millonaria se hunde, dejando a un puñado de sobrevivientes atrapados en una isla. La intérprete es Abigail, un personaje clave en la trama. Es una empleada doméstica que revierte su situación en esa nueva realidad, ya que toma el control debido a sus habilidades de supervivencia.

Annie Murphy (Imogen)

Annie Murphy también interpreta a uno de los nueve clientes del resort. Se trata de Imogen, la hija de Victoria, el personaje interpretado por Christine Baranski. Precisamente está allí para resolver los conflictos que mantiene en la relación con su madre. La actriz cuenta con un premio Emmy a mejor actriz secundaria en una comedia por su trabajo en la serie de culto Schitt's Creek, como la hija del matrimonio protagonista formado por Eugene Levy y Catherine O’Hara. También en un rol secundario trabajó en Muñeca rusa, interpretando a la versión joven de Ruth Brenner, el personaje de Elizabeth Ashley.

Maisie Richardson-Sellers (Wolfie)

Wolfie, el personaje de Maisie Richardson-Seller, engaña a su novia Tina (el que interpreta la cantante King Princess) para acudir al retiro. Le hace creer que es un simple spa, sin contarle las actividades extra y los particulares ejercicios de crecimiento personal que transcurren en el lugar. La actriz ha sido una pieza importante del Arrowverse, al participar en la serie Legends of Tomorrow, uno de los spinoffs de Arrow. En ella, interpreta a Charlie. Se trata de una antigua deidad griega, en concreto una de las llamadas tres Parcas, distinguida como la antigua hilandera del Telar del Destino.

Dónde ver las series y películas del reparto de Nine Perfect Strangers (Temporada 2) 

A través de esta lista de JustWatch puedes encontrar algunos de los proyectos anteriores del reparto de la segunda temporada de Nine Perfect Strangers y descubrir en qué plataformas de streaming se encuentran.

Las novelas de J. K. Rowling sobre un niño mago se convirtieron a principios del siglo XXI en una de las sagas literarias más poderosas. Su traslado al cine mantuvo ese espectacular éxito. Así que, tras lanzar precuelas (Animales fantásticos y dónde encontrarlos), a los dueños de los derechos de Harry Potter les quedaba por crear una ambiciosa serie de televisión. Con ella, pretenden contar todos esos relatos de las novelas que no pudieron entrar en las películas por falta de tiempo.

Ya se conoce al trío protagonista de la serie de Harry Potter. Está formado por  jóvenes prácticamente debutantes: Dominic Mclaughlin se encargará del papel hecho famoso por Daniel Radcliffe como Harry Potter, Arabella Stanton será Hermione Granger y Alastair Stout encarnará a Ron Weasley. Los actores que interpretan a los personajes adultos sí que tienen una larga trayectoria a sus espaldas. A continuación repasamos parte de ellas.

Paapa Essiedu (Severus Snape)

Físicamente, poco tienen que ver Alan Rickman y Papa Essiedu y la elección del actor británico de origen ghanés ha protagonizado una de las primeras polémicas en torno a la serie de Harry Potter. En las novelas se describe al personaje como alguien pálido y delgado. El personaje es el profesor chungo que toda escuela tiene, frío, distante y que impone terror a muchos de sus alumnos. La carrera de Paapa Essiedu ha sido meteórica en los últimos años. Fue uno de los protagonistas de la comentada y aclamada miniserie Podría destruirte. También ha destacado en The Lazarus Project y ha aparecido en la miniserie de espías de Netflix Palomas negras.

John Lithgow (Albus Dumbledore)

Albus Dumbledore es el mago más poderoso de toda la saga y un personaje clave en esta historia. En el cine, lo interpretó el fallecido Michael Gambon. Para su versión televisiva ha aceptado encarnarlo un gran actor como John Lithgow. Aunque su trayectoria es muy dilatada, se dio a conocer entre el público masivo en la sitcom Cosas de marcianos, junto a un adolescente Joseph Gordon-Lewitt. Su personaje más recordado es el de Trinity, el villano más peligroso de toda la saga de Dexter. En cine, ha aparecido en Cónclave.

Janet McTeer (Minerva McGonagall)

Es difícil ponerse en los zapatos (o en este caso bajo el sombrero) de una leyenda como Maggie Smith. Ese es el reto de la actriz Janet McTeer, que interpreta en la serie de Harry Potter a Minerva McGonagall, la gran matriarca de la escuela de Hogwarts. McTeer, su sucesora en el papel, cuenta con dos candidaturas al premio Oscar. Una como actriz principal por Tumbleweeds, en el año 2000, y otra como actriz secundaria por Albert Nobbs, en 2012, en la que compartió plano con Glenn Close. En televisión, ha formado parte del elenco de Ozark de Netflix.

Nick Frost (Rubeus Hagrid)

Rubeus Hagrid es un semigigante que al principio de la saga trabaja como el guardián de las llaves y los terrenos de Hogwarts. En las películas originales, este personaje estaba interpretado por el también fallecido Robbie Coltrane, que medía 1 metro y 85 centímetros. Su sustituto, Nick Frost, mide 1 metro y 70 centímetros, por lo que habrá que hacer un esfuerzo de efectos especiales. El actor es un rostro habitual en la trilogía de comedias apocalípticas británicas Three Flavors Cornetto del director Edgar Wright y el actor y guionista Simon Pegg, destacando en Zombies Party y en Bienvenidos al fin del mundo. 

Luke Thallon (Profesor Quirrell)

Quirinus Quirrell es el profesor de Defensa contra las Artes Oscuras en Hogwarts durante el primer año de Harry Potter. Ian Hart lo interpretaba en la serie de películas y Luke Thallon lo hace en la igualmente ambiciosa serie de televisión. Consumado actor de teatro, habitual de la compañía del National Theatre, el intérprete británico ha coincidido sobre las tablas con actores como Andrew Scott, interpretando un texto del dramaturgo Noël Coward, Present Laughter. En la pantalla, Luke Thallon tuvo una breve aparición en La favorita de Yorgos Lanthimos.

Paul Whitehouse (Argus Filch)

Argus Filch es el vigilante y celador de Hogwarts. Se trata de un hombre con muy mal carácter que odia a los estudiantes de la escuela de magia y que disfruta castigándoles. Por lo general, Paul Whitehouse, el actor que lo interpreta en la serie de televisión de las novelas de J. K. Rowling, brilla en el género de la comedia. Ha formado parte del reparto de la película La muerte de Stalin, la sátira histórica de Armando Iannucci. En su día, participó en una adaptación en forma de miniserie del David Copperfield de Charles Dickens que, casualidades de la vida, tenía como protagonista a un niño llamado Daniel Radcliffe, el que luego iba a ser el Harry Potter del cine, y como secundaria a la gran Maggie Smith, también actriz de la saga.

Dónde ver las series y películas del reparto de la serie de Harry Potter

En esta lista de JustWatch puedes encontrar algunas de las series y películas en las que han participado los actores de la esperada serie que adapta las novelas de Harry Potter y descubrir en qué plataformas de streaming se encuentran.

Para quienes crecimos en los 2000, esto es un notición. Y también debería serlo para ti. Vuelven las fantásticas aventuras “solos en casa” de Phineas, Ferb y Candace, y la lucha infatigable del agente Perry el ornitorrinco contra el Dr. Doofenshmirtz. Suena a intrascendente, o incluso divertido, pero os aseguro que con los raudales de imaginación que derrochaba la serie creada por Dan Povenmire y Jeff “Swampy” Marsh, cada episodio de ‘Phineas y Ferb’ te llevaba al límite de la butaca como pocas lo consiguen aún hoy.

Tras una pausa de diez años, Disney+ va a estrenar una nueva temporada de Phineas y Ferb (2007), que había concluído en 2015 aunque Disney aseguró que renovaría por dos temporadas más. (Inserten una pausa de una década) Con este esperado regreso, quizás queráis aseguraros de que no os queda rincón de este fantástico patio trasero por explorar. En JustWatch, os proponemos una guía para ver todas las temporadas y películas de Phineas y Ferb en orden.

‘Phineas y Ferb’ old-school: Temporadas 1-3 (2007-2012)

Querido Disney Channel, soy yo, la nostalgia. La serie original seguía a los hermanastros Phineas (Vincent Martella) y Ferb (Thomas Brodie-Sangster), quienes deciden aprovechar al máximo el verano buscando algo nuevo que hacer cada día. Dada su naturaleza inventiva, esto pasaba por ideas extravagantes como construir montañas rusas o playas en su patio trasero, para disgusto de su hermana mayor, Candace (Ashley Tisdale), que siempre intentaba chivarse a sus padres y ellos siempre lograban recoger a tiempo. Aventuras verdaderamente autoconclusivas con paladas de ideas nefastas para criaturas con demasiado tiempo libre. Simplemente, una maravilla. Si no queréis ver los casi 150 episodios que las conforman, sólo dejaos llevar (y empezad por la tercera temporada).

Phineas y Ferb: A través de la 2ª dimensión (2011)

Hablemos de Perry el ornitorrinco. ¿Creíais que nuestros dos autoconclusivos protagonistas cartoon no descubrirían nunca la doble vida de su entrañable mascota? Amigas, en la película, los chicos finalmente descubren el secreto de Perry (Dee Bradley Baker) y quedan atrapados en otra dimensión gobernada por un Dr. Doofenshmirtz alternativo (Dan Povenmire). Phineas y Ferb: A través de la 2ª dimensión sigue siendo una de las mejores películas originales de Disney Channel, y consigue todo a lo que debería esperar un film que parta de una serie: repetir lo mejorcito del original (la intriga, la imaginación), pero expandirlo al concepto cine (subir las apuestas, añadirle acción y visuales). Un lujo.

La expansión: ‘Phineas y Ferb’ Temporada 4 (2013-2015)

La película, cómo no, fue un auténtico éxito. Poco imaginábamos que, en lugar de relajarse, los creadores decidieran apostar más por la cuarta temporada de Phineas y Ferb. El resultado: una delicia de la animación televisiva mid-2010. Mejor animación y más calado en las tramas. También algunos auto-caramelitos en forma de crossover con otras franquicias… Que pueden patinaros, y por eso os avisamos de qué capítulos son: el episodio 22, ‘Phineas y Ferb: Misión Marvel y el episodio 41, ‘Phineas y Ferb: Star Wars’. La cosa no tenía mucho sentido, pero Los Simpson lo llevaban haciendo durante años y les había servido para mantenerse a flote a pesar de las chorrocientas temporadas que llevaban atrás.

El spin-off de ‘La ley de Milo Murphy’ (2016)

De entrada: como es un spin-off, si quieres conocer sólo la historia canónica de Phineas y de Ferb, no es necesario que veas La ley de Milo Murphy, la serie derivada y sólo ligeramente inspirada en el universo original que crearon los mismos Dan Povenmire y Jeff “Swampy” Marsh (de hecho, si los hermanastros aparecen es sólo en un crossover puntual). Eso sí, vas a perderte un divertido “¿y si?” alargado en tres temporadas sobre la vida y milagros de Milo Murphy (‘Weird Al’ Yankovic), descendiente del creador de la Ley de Murphy, ese tipo que atraía a la mala suerte como a las moscas. Echa al concepto una infinitésima de la imaginación de la serie original y moja pan.

Phineas y Ferb, la película: Candace contra el universo (2020)

Ni Los Vengadores, ni Liga de la Justicia: Phineas y Ferb, Phineas y Ferb la película: Candace contra el universo (2020) es la team-up sci-fi movie definitiva. En la segunda película de la serie, Phineas y Ferb (¡y un personaje del que nunca te lo esperarías! No digo más) viajan a través de la galaxia para rescatar a su hermana Candace, que ha sido secuestrada por extraterrestres y ha encontrado una utopía en un planeta lejano, Feebla-Oot, un mundo libre de molestos hermanitos. Sí, quizás no repetía el patrón híper episódico de la serie que los fans pedían con ahínco tras cinco años “sin noticias de Gurb”, pero se trata de una estupenda fábula –y poco reconocida– en tiempos de agotamiento de la fórmula Disney. La película pasa justo antes del final de la cuarta temporada, por lo que si tienes prisa puedes saltártela.

La inesperada Temporada 5 de ‘Phineas y Ferb’ (2025)

El 6 de junio vuelven por fin los hermanos Phineas y Ferb, hoy, con sólo 19 episodios y una fórmula clásica-plus. En la temporada 5 de Phineas y Ferb habrá unas nuevas vacaciones de verano, que retomarán la delgada línea cronológica a partir del final de la cuarta temporada. El reparto original vuelve casi entero, con Vincent Martella, David Errigo Jr. y Ashley Tisdale, y con las clásicas misiones de Perry el Ornitorrinco contra el Dr. Doofenshmirtz. Eso sí, ahora nutren el apartado musical estrellas invitadas como Michael Bublé, Meghan Trainor o John Stamos. Incluso la camiseta de Phineas parece haber pasado por un rediseño ligero. En fin, nostalgia. Veremos qué tal sale.

¿Dónde puedo ver todas las temporadas y películas de ‘Phineas y Ferb’?

Para descubrir todas las películas y temporadas disponibles en España de Phineas y Ferb, consulta la siguiente guía de streaming de JustWatch. Puedes filtrar tu búsqueda por servicio de streaming, género, precio, clasificación por edades y puntuación. Asegúrate de crear tu lista de favoritos para no perderte nunca y recibir notificaciones útiles sobre qué ver a continuación según tus preferencias.

Algunos empezaron a hablar de “terror elevado”, mientras otros se tiraban de los pelos por culpa de A24, un sello convertido en sinónimo de calidad, independencia y originalidad. En esta lista encontrarás las plataformas donde ver diez de las películas más representativas del terror Made in A24.

La bruja (2016)

A24 se encargó de la distribución en Estados Unidos y de las ventas internacionales de La bruja, el siniestro y muy atmosférico debut de Robert Eggers, que nos transportó, haciendo gala de rigor histórico y de austeridad formal, a la era colonial americana para descubrirnos los ojos curiosos de Anya Taylor Joy, que escrutan las profundidades del bosque colindante a la pobre granja de su puritana familia, en algún lugar de Massachussets, unos pocos años antes de los famosos juicios de Salem. Una auténtica obra maestra, tan bella como perturbadora, que te deja completamente hechizado. 

Llega de noche (2017)

Ya como productora, A24 amparó el salto al terror de Trey Edward Shults, que se había dado a conocer con su muy personal reflexión sobre la adicción en Krisha (2015), protagonizada por su auténtica tía, Krisha Fairchild. Si aquella era una mezcla de ficción y realidad, en Llega de noche se apropia de los códigos del cine de terror –una casa aislada en un tiempo post-apocalíptico–, para ahondar en las tensiones internas de un reducido grupo de personajes, entre los que hay grandes actores como Joel Edgerton y Riley Keough, aunque lo que genera más inquietud es la amenaza exterior.

Hereditary (2018) 

Distribuido en Estados Unidos por A24, Hereditary, el aclamado el debut de Ari Aster fue uno de los principales culpables de que se empezara a hablar de “terror elevado”, como si hasta la fecha el cine de género hubiera sido impermeable a cualquier aproximación medianamente intelectual. En su mejor papel hasta la fecha, Toni Collette encabeza a una familia maldita que, tras el funeral de la matriarca, se enfrenta a una sucesión de angustiosas calamidades que traen a la memoria grandes clásicos del terror, a los que el director ha sabido dar un barniz de modernidad, sin dejar de meter muchísimo miedo.  

Midsommar (2019)

Ya producida por A24, la subsiguiente película de Ari Aster, Midsommar, se distinguió, en contraste con la nocturnidad de Hereditary, por explorar el terror a plena luz del día, y con flores abundantes, por la vía de un folk horror tan espeluznante como El hombre de mimbre. Florence Pugh viaja, con un grupo de amigos, a una remota aldea sueca para participar en sus fiestas. Las costumbres locales no tardan en mostrar aspectos cada vez más inquietantes, en una espiral aterradora, que cobra impulso cuando los turistas asisten a una ceremonia de auto inmolación por parte de los más ancianos del lugar. 

Clímax (2019)

A24 se llevó a América esta fiesta loquísima de Gaspar Noé en la que, en un buen principio, sus protagonistas no pueden parar de bailar la mejor disco de los 70, como el Supernature, de Cerrone, ya para siempre indisociable de esta película. Como es habitual en Noé, se trata de un artefacto que subvierte las normas narrativas clásicas: como si se tratara de una secuela de Irreversible. Empieza por el Clímax, es decir el final, y sigue con una bajada a los infiernos, cuando resulta que la droga que alguien vertió en el ponche del que todos han bebido, estaba fatalmente adulterada. 

El faro (2019)

Distribuida en USA por A24, la siguiente aventura de Robert Eggers, que protagonizan unos enloquecidos Willem Dafoe y Robert Pattinson, el farero y su aprendiz, es quizás la mejor aproximación al horror cósmico de H.P. Lovecraft sin que la película esté ligada a ninguno de los textos del solitario de Providence. El faro tampoco es una parodia, aunque vaya sobrada de humor, sino un brillante ejercicio de estilo, que remite a la estética del expresionismo alemán que el cineasta volvió a emular, de manera no tan precisa, en su remake de Nosferatu.  

X (2022)

La trilogía de Ti West que completan Pearl (2022) y MaXXXine (2024), también es marca A24, con Mia Goth como reina absoluta: en X, ambientada en una granja de Texas en los años 70, es una más de la troupe de porno underground que llega para rodar sin saber que no será del agrado de los lugareños. En la segunda, que transcurre a principios del siglo XX, encarna el pasado de la adusta granjera, mientras que en la última ya se ha convertido en una estrella porno. Las tres son eXXXquisitas. Curiosamente, no contienen sexo explícito. Pero sí mucha violencia gráfica.  

Háblame (2023)

A24 distribuyó en Estados Unidos la puesta de largo de los australianos Danny y Michael Philippou, antes conocidos como youtubers y ahora también directores de la inminente Devuélvemela. La primera parte de Háblame presenta una abrumadora modernización de temas clásicos, con música atronadora y violencia sobrecogedora: en la Suburbia australiana, como si no hubiesen visto cientos de películas sobre los peligros de la ouija, los jóvenes han convertido el estar poseído por espíritus, a través de una siniestra reliquia, en la nueva droga que anima todas las fiestas: ¿Qué puede salir mal? 

A Different Man (2024)

Producido por A24, A Different Man, clásico instantáneo del body-horror, coloca en un mismo relato a un actor como Sebastian Stan, interpretando a una persona víctima de una radical malformación, y a un actor como Adam Pearson (descubierto en Under the Skin), que creció con esa misma malformación. El objetivo del director de la película, Aaron Schimberg, que se ha inspirado en sus propias vivencias, es reflexionar sobre las formas de representación de la diferencia. Al mismo tiempo, también muestra que la no aceptación de uno mismo sólo puede encaminar al desastre. 

Hereje (2024)

A24 presentó al Hugh Grant más insólito de los últimos años, con permiso del Oompa loompa de Wonka: su encarnación de un loco obseso por la historia de las religiones que ilustra sus teorías comparando juegos de mesa es tan absolutamente deliciosa que compensa las carencias de esta película de Scott Beck y Bryan Woods en su segunda mitad, que nos lleva por caminos más predecibles. Hereje también significó la puesta de largo de Sophie Thatcher, que no tardó en volver a deslumbrarnos en La acompañante. Aquí es una de las misioneras mormonas que llaman a la puerta equivocada.

¿Dónde puedo ver más películas de A24?

Para descubrir más películas de la distribuidora A24 disponibles en España como estas consulta la siguiente guía de streaming de JustWatch. Puedes filtrar tu búsqueda por servicio de streaming, género, precio, clasificación por edades y puntuación. Asegúrate de crear tu lista de favoritos y recibir notificaciones útiles sobre qué ver a continuación según tus preferencias.

Wes Anderson es uno de esos directores con los que todos los actores quieren trabajar y sumar su nombre a su filmografía. Por eso, el cineasta estadounidense cuenta siempre con grandes repartos en sus películas. Con La trama fenicia regresa a su mejor estado de forma, con uno de los casting más potentes, incluso para él mismo. Solo con decir que estrellas como Bill Murray, Willem Dafoe y Charlotte Gainsbourg aparecen casi como extras sin frase uno puede imaginar el nivel al que ha llegado esta comedia en cuanto a número de estrellas del cine por metro cuadrado. Estos son sus diez personajes principales.

Benicio del Toro (Zsa-Zsa Korda)

Zsa Zsa Korda es un rico empresario de personalidad muy particular que se ve envuelto en una trama de espionaje junto a su hija Liesl. Benicio del Toro repite con Wes Anderson tras aparecer en una de sus películas inmediatamente anteriores, La crónica francesa. La carrera del actor puertorriqueño es ya muy extensa, pero a principios de los años 2000 dio un salto cualitativo, tras formar parte del reparto coral de Traffic, por el que ganó un Óscar como actor secundario, y de 21 gramos, una de las películas en Hollywood más celebradas de Alejandro González Iñárritu. Encadenó esa película con la adaptación de Sin City, el famoso cómic de Frank Miller.

Mia Threapleton (Liesl)

La joven Mia Threapleton interpreta a la hija del protagonista, una aspirante a monja que no tiene interés en heredar los negocios de su padre ni en los asuntos materiales, pero sí en reconectar con él, así que acepta permanecer a su lado mientras intenta ejecutar su complejo plan empresarial. La actriz es hija de Kate Winslet, con quien ha aparecido en varias películas siendo una niña. Debutó junto a ella y Matthias Schoenaerts en la comedia de corte histórico Un pequeño caos. Ha sido una de las protagonistas de la serie The Buccaneers: aristócratas por amor.

Michael Cera (Bjorn)

El siempre eficiente Michael Cera interpreta a un profesor etimólogo bastante nerd contratado por el empresario para que sea el tutor particular de sus nueve hijos varones. Pronto descubre una inesperada conexión con Liesl, la hija de su jefe. El actor se hizo muy popular protagonizando comedias juveniles, como Scott Pilgrim contra el mundo. Pero antes de eso, Michael Cera se había hecho hueco en la élite del cine independiente como uno de los protagonistas de Juno, una de las primeras películas del director Jason Reitman, que protagonizó junto a Elliot Page y Jennifer Garner.

Riz Ahmed (Príncipe Farouk)

El británico de ascendencia pakistaní Riz Ahmed es otro de esos actores que rompen barreras en Hollywood, encabezando el reparto en proyectos de gran envergadura. En La trama fenicia interpreta al príncipe Farouk, uno de los muchos aliados de Korda en su compleja trama de negocios. La escena en la que aparece es una de las más absurdas de la película y del ya de por sí absurdo humor de Wes Anderson. Su debut en el largometraje no pudo ser mejor: Camino a Guantánamo con Michael Winterbottom. Luego apareció en la miniserie de culto Death Set: Muerte en directo, que combinaba zombies con un reality como Gran Hermano y se consagró con la miniserie The Night Of.

Tom Hanks (Leland)

El personaje de Tom Hanks en La trama fenicia es breve, pero muy divertido. Hace pareja nada menos que con Bryan Cranston, como dos de los socios de negocios del personaje interpretado por Benicio del Toro. El trío protagonista Korda, su hija monja y el tutor empollón inician su periplo visitándolos a ellos. Tom Hanks es una leyenda del cine que comenzó haciendo comedias familiares como Big, luego comedias románticas como Algo para recordar y que logró el hito de llevarse dos premios Oscar a mejor actor seguidos a mediados de la década de los noventa, por sus interpretaciones en Filadelfia y Forrest Gump.

Bryan Cranston (Reagan)

Como decíamos, Bryan Cranston hace pareja cómica con Tom Hanks en esta película de Wes Anderson. Ambos protagonizan junto a Benicio del Toro y Riz Ahmed una delirante partida de baloncesto. El actor logró su primer gran papel siendo ya un veterano, como el padre de la serie Malcolm, una especie de Homer Simpson de carne y hueso. Ya todo el mundo sabe que su gran salto de popularidad lo dio con Breaking Bad, la serie en la que encarnaba a un padre de familia axfisiado por el sistema que decide cambiar su vida y su actitud cuando descubre que tiene un cáncer terminal. Luego, ha seguido demostrando su talento en el cine, con papeles como el de Trumbo, que le dio una nominación al Oscar a mejor actor protagonista.

Mathieu Amalric (Bob Marsella)

Mientras el trío protagonista prosigue su viaje para completar la trama fenicia que da nombre a la película, se encuentran con otro de los aliados de Korda. Bob Marsella está interpretado por el actor francés Mathieu Amalric, quien es sin duda uno de los grandes actores del cine europeo actual. Todavía es recordada su impresionante actuación en La escafandra y la mariposa, de Julian Schnabel, en la que interpreta a un personaje real, el periodista Jean-Dominique Bauby, que sabe encontrarle el sentido a la vida tras quedar paralizado casi por completo tras sufrir un derrame cerebral. Luego, fue un villano Bond en la era Daniel Craig en Quantum of Solace.

Jeffrey Wright (Marty)

Jeffrey Wright es otro de esos actores que han llegado a la fama siendo ya maduros. En La trama fenicia es uno de los socios más comprensivos con Korda, el personaje interpretado por Benicio del Toro. La primera vez que Jeffrey Wright destacó ante la audiencia internacional fue con su participación como actor secundario en Boardwalk Empire, la prestigiosa serie de la era de la Peak TV que protagonizaba Steve Buscemi. Fue uno de los grandes protagonistas de WestWorld, otra serie llena de existencialismo de HBO que combinaba western y robots en un mundo distópico. Ha logrado una candidatura al Oscar a mejor actor por American Fiction.

Scarlett Johansson (Prima Hilda)

Scarlett Johansson comenzó siendo una niña en el mundo del cine y se consagró antes de cumplir los 20 años. En La trama fenicia interpreta a una prima lejana de Korda y su extraño interés amoroso. La actriz logró el éxito de la noche a la mañana con su papel en Lost in Translation, junto a un Bill Murray que también hace un pequeño cameo en esta película de Wes Anderson. Luego, formó un peculiar triángulo amoroso junto a Javier Bardem y Penélope Cruz en Vicky Cristina Barcelona, una de las películas de Woody Allen rodadas en España. Brilla especialmente en el drama Historia de un matrimonio.

Benedict Cumberbatch (Tío Nubar)

Benedict Cmberbatch interpreta al gran antagonista de la historia, el tío Nubar, hermano por parte de padre de Korda y su gran enemigo. La prestigiosa carrera del actor británico despegó como uno de los Sherlock Holmes más carismáticos de la historia en la serie Sherlock, con Martin Freeman siendo su inseparable doctor Watson. También participó en la oscarizada película 12 años de esclavitud, del director Steve McQueen. La película de Netflix El poder del perro, el western de Jane Campion, le permitió interpretar a uno de los hermanos Burbank que es uno de los grandes personajes de su filmografía.

Dónde ver las series y películas del reparto de La trama fenicia

En esta lista de JustWatch puedes encontrar algunas de las series y películas en las que ha participado antes el espectacular reparto de La trama fenicia, de Wes Anderson, y descubrir en qué plataformas de streaming se encuentran.

Gareth Evans ha estrenado en Netflix la espectacular Estragos (Havoc), protagonizada por un gran Tom Hardy. Buen momento para recordar dónde ver las películas de Redada asesina (The Raid) con las que forjó su fama, y los demás títulos clave de este director esencial para todo amante del cine de acción. 

Redada asesina (2011)

El luchador Iko Uwais firmó un contrato de cinco años con Evans y su productora. Así nació el fenómeno The Raid, con esta Redada asesina, un clásico instantáneo del cine de acción que no llegó a estrenarse en España a pesar de conjugar alucinantes coreografías con una puesta en escena de lo más inventiva, como un mix de Tsui Hark y John Carpenter. La premisa de un grupo de policías atrapados en un edificio con los más peligrosos criminales de Jakarta da para unas dos horas de violencia casi ininterrumpida que se desarrolla sin agotar la capacidad de asombro del espectador.  

Redada asesina 2 (2014)

Redada asesina 2 se desarrolla justo después de los acontecimientos narrados en la primera parte, cuando Rama (Iko Uwais) se hace pasar por un asesino encarcelado para infiltrarse en una organización criminal en la que coexisten mafiosos indonesios y yakuzas. Argumentalmente, una mezcla de Infernal Affairs y Brubaker, pero sobre todo vuelve a ser un desenfrenado recital de violencia presidido por las coreografías de Uwais, en el marco de batalla campales organizadas con maestría por Evans, que sabe manejar la tensión dramática, cuida cada plano y vuelve a poner al día el cine de acción. 

Otras del Director

Si te quedaste con ganas de más, aqui hay otras películas y series de Gareth Evans para ver:

Merantau (2009)

Antes de triunfar con The Raid y después de debutar en su gales natal con dos pequeñas películas, el corto Samurai Monogatari,  en el que homenajeaba a clásicos del chambara –cine de samuráis–, y el largo Footseps (2006), filmado en su tiempo libre, sobre un cámara que trabaja para una productora de snuff movies, Evans emigró a Indonesia, país en el que vivió de 2009 a 2016, deslumbrado por las artes marciales locales, pencak silat, sobre las que había filmado un documental de encargo. Decidió trasladarlas a la gran pantalla con este Merantau con el luchador Iko Uwais. 

V/H/S 2 (2013)

Entre The Raid y The Raid 2, Gareth Evans participó en V/H/S 2, una nueva antología de cortos de terror, codirigiendo Safe Heaven junto al indonesio Timo Tjahjanto, conocido por cintas de acción como Headshot y La noche nos persigue, ambas protagonizadas por Iko Uwais. Un hito de violencia extrema en clave de found footage, que cuenta cómo un pequeño equipo de documentalistas se infiltra en una secta, que les reserva toda una serie de sorpresas tan traumáticas como desagradables y desasosegantes: suicidios en grupo, rituales sangrientos...

El apóstol (2018)

Después de The Raid 2,  Gareth Evans regresó a la madre patria para filmar El apóstol, una de folk horror, ambientada a principios del siglo XX y con claros ecos del clásico de culto El hombre de mimbre, con la que demostró que no sólo sabe filmar ultra violencia, sino también paisajes y grupos de gente en actitud más sosegada. Dan Stevens (The Guest) es el que, en este caso, llega a una isla en la que una secta ha establecido su santuario para buscar a su desaparecida hermana. Una trama que se cuece a fuego lento hasta llegar a un último tercer acto de violencia salvaje. 

Gangs of London (2020-2025)

Evans creó junto a Matt Flannery –director de fotografía de todas sus películas–, Gangs of London, una serie basada en el homónimo videojuego, en la que, a lo largo de 25 capítulos, despliegan la violencia más descarnada en la lucha por la sucesión al mando de la mafia londinense. Pero, aunque vuelve a hacer gala de una acción tan espectacular como estilosa a la altura de las dos entregas de The Raid, también demuestra cierto savoir faire a la hora de desarrollar un vasto drama criminal que nos descubre todas las modalidades del crimen organizado de la capital británica. 

Estragos (2025)

Contratado por Netflix, Evans ha sabido escurrirse de los típicos productos de marca blanca para ofrecer con Havoc (Estragos) una nueva película de acción impoluta, en la que mima cada plano y vuelve a derrochar estilo en las coreografías de tiros y peleas, como un John Woo de los buenos tiempos. La premisa argumental no pretende ser original, pero aguanta el tipo y da para buenas secuencias de acción: en la noche de Navidad, Hardy es el clásico policía corrupto y decadente, que ha de aclarar una masacre en la que podría estar implicado el hijo del alcalde, encarnado por Forest Whitaker. 

¿Dónde puedo ver The Raid y otras películas y series de Gareth Evans?

Para descubrir The Raid y más películas y series de Gareth Evans disponibles en España como estas consulta la siguiente guía de streaming de JustWatch. Puedes filtrar tu búsqueda por servicio de streaming, género, precio, clasificación por edades y puntuación. Asegúrate de crear tu lista de favoritos y recibir notificaciones útiles sobre qué ver a continuación según tus preferencias.

La versión de Superman (2025) de James Gunn oscila entre la tradición y la innovación para el reparto de sus secundarios, aunque algunas de sus caras podrían resultaros más familiares de lo que esperáis. Si sois de los que no pueden concentrarse en la trama porque están demasiado ocupados intentando identificar a un actor en particular, aquí os ayudamos. Olvidaos de las búsquedas en Google a mitad de la película para descurir dónde podéis haber visto al nuevo reparto de Superman antes de que se vistieran una supercapa.

David Corenswet como Clark Kent/Superman

David Corenswet es el siguiente en la fila para unirse a la élite de actores encargados de ser el símbolo de esperanza y justicia de DC, Clark Kent. Y el papel podría ser un gran paso adelante para el actor, una posible nueva estrella gracias a vestir la capa roja al igual que sucedió con Christopher Reeve o Henry Cavill. Antes, Corenswet había protagonizado la serie Hollywood (2020) en las botas de Jack Castello, un veterano de la Segunda Guerra Mundial que se muda a Hollywood con la esperanza de convertirse en actor. También interpretó al interés amoroso de Lili Reinhart en el drama romántico Mis dos vidas (2022) y quienes améis el terror, le recordaréis como el proyeccionista de Pearl (2022).

Rachel Brosnahan como Lois Lane

Nadie como la mordaz y carismática Sra. Maisel para dar vida a la aguerrida Lois Lane. Rachel Brosnahan acarreó buena parte del éxito de la serie de Amazon, La maravillosa Sra. Maisel (2017), y de ella esperamos los tiroteos verbales que la encumbraron y que le valieron el Emmy. Hoy, naturalmente, dirigidos al editor en jefe, Perry White. También recordamos a Brosnahan por su papel en House of Cards (2013) como Rachel Posner, una trabajadora sexual con una mochila de problemas en el aclamado thriller político de Netflix. Originalmente, solo estaba contratada para dos episodios, pero su personaje se convirtió instantáneamente en uno de los favoritos de los fans, lo que le valió un lugar regular en la serie durante cuatro temporadas y su primera nominación al Emmy.

Nicholas Hoult como Lex Luthor

La némesis de Superman en la película de James Gunn tiene que ponerse a la altura tanto del superhombre como de actores del renombre de Gene Hackman o Kevin Spacey. Hay tareas más gratas, pero Nicholas Hoult puede. Tras haber conseguido su primera gran revelación en Hollywood en la película de 2002, Un niño grande, con tan solo once años, repitió en Mad Max: Furia en la carretera (2015) y Memorias de un zombie adolescente (2013). Sus papeles más recientes han seguido la misma línea retorcida, desde el arrogante  gourmet de El menú (2022) y el de un emperador abusivo junto a Nicole Kidman en The Great (2020).

Edi Gathegi como Michael Holt/Mister Terrific

Fue el Dr. Jeffrey Cole en Dr. House (2004), y el malvado (aunque no menos interesante, ahora incluso hot) vampiro Laurent en Crepúsculo (2008) y su secuela, La saga Crepúsculo: Luna Nueva (2009). En Superman será Michael Holt, también conocido como Mister Terrific, el tercer hombre más inteligente de la Tierra en el Universo DC. Mister Terrific, a quien también conocemos como Señor Terrífico, puede sonaros cercano a otros papeles de

Gathegi, quien ya interpretó a Darwin en X-Men: Primera Generación (2011). No lo comparéis con el Mister Terrific de la serie Arrow (2012), donde era Echo Kellum quien hacía las de Curtis Holt.

Anthony Carrigan como Rex Mason/Metamorfo

Será el debut del bicromado Metamorfo (“aka” El Hombre Elemento) en la gran pantalla. Asume el papel el actor Anthony Carrigan, conocido por interpretar a NoHo Hank en la comedia Barry (2018), disponible en HBO. Este papel marca la segunda aparición de Carrigan en la franquicia de DC, porque antes de Superman, ya había interpretado a un asesino en serie en Gotham (2014). Borrón y cuenta nueva para un actor con poco historial (quizás le recordéis de Ser padre, la película con Kevin Hart) y mucha carrera por delante: este mismo año le veremos en Death of a Unicorn (2025).

Nathan Fillion como Guy Gardner/Linterna Verde

La elección era obvia y el regreso, esperado. Aunque lleva más de un centenar de papeles a las espaldas, y nos preguntemos qué le queda por interpretar, no nos alegramos menos de verle. ¡Hagamos lista! Fue protagonista de Castle (2009), de la magnífica Firefly (2002) y el “extra” de Serenity (2005), ha hecho siete temporadas de El novato (2018), también apareció en Santa Clarita Diet (2017), en Modern Family (2009)… Y más importante: puede que lo reconozcas como la voz de Vigilante en la serie de Justice League Unlimited (2004) y como la voz de Linterna Verde en todas las versiones animadas de DC.

Isabela Merced como Hawkgirl

“¡Swiper, no robes!”, le decía Dora la exploradora a la ardilla enmascarada de la serie de dibujos. Pero Isabela Merced lleva tiempo trabajando para que olvidemos esa faceta, que le descubrimos en Dora y la ciudad perdida (2019). Estuvo, por ejemplo, en la fantástica Alien: Romulus (2024) como Kay –otra tía de armas tomar, en el mejor sentido– y en la segunda temporada de The Last of Us, como Dina. Sí, la pareja de Ellie. Su papel como la feroz Chica Halcón en la próxima película de Superman podría ser el giro necesario para que finalmente la conozcamos.

Frank Grillo como Rick Flag Sr.

Cambio de chaquetas oficial para Frank Grillo. El actor pasó de dar vida a Brock Rumlow, el agente doble de S.H.I.E.L.D. en Capitán América: El Soldado del Invierno (2014), luego convertido al supervillano Crossbones en Capitán América: Civil War (2016) a probar suerte en el Universo DC. Aquí es Rick Flag Sr., padre de Rick Flag Jr., el líder actual del Escuadrón Suicida y al que los cómics dejan como héroe de guerra condecorado que lideró las primeras versiones de la Task Force X, el pre-Escuadrón Suicida. No le vimos, pero sí lo oímos como ese mismo personaje en Creature Commandos (2024), y repetirá sombrero en la segunda temporada de El Pacificador (2022).

Milly Alcock como Kara Zor-El/Supergirl

Otra nueva voz en el panorama. Milly Alcock tuvo su primer salto a la fama por ser la joven Rhaenyra Targaryen en La casa del dragón (2022), el primero de una trayectoria que continúa en 2025 en Netflix, como Simone en la comedia negra Sirenas (2025). Por lo demás, ha dado el relevo de Melissa Benoist, la Supergirl “original” (de la serie de Supergirl de 2015) y ya planea su futuro en la casa DC: pronto emprenderá su primer proyecto superheroico en solitario, Supergirl: Woman of Tomorrow, con estreno previsto para 2026.

Sean Gunn como Maxwell Lord

Los hermanos Gunn tienen una larga trayectoria colaborando en películas y series de televisión de superhéroes, James siempre detrás y Sean siempre delante de las cámaras. Sean Gunn hizo las de Kraglin y las del mapache Rocket en Guardianes de la Galaxia (2014), y fue la Comadreja y el Hombre del Calendario en El Escuadrón Suicida (2021). Si Pedro Pascal era Maxwell Lord en Mujer Maravilla 1984 (2020), ahora Sean Gunn toma el relevo. Fuera del mundo superheroico, Gunn también es ampliamente reconocido por su papel como Kirk en Las chicas Gilmore (2000).

¿Dónde puedo ver más películas y series del reparto de ‘Superman’ (2025)?

Para descubrir más series y películas disponibles en España con los actores y actrices de la Superman de James Gunn, consulta la siguiente guía de streaming de JustWatch. Puedes filtrar tu búsqueda por servicio de streaming, género, precio, clasificación por edades y puntuación. Asegúrate de crear tu lista de favoritos y recibir notificaciones útiles sobre qué ver a continuación según tus preferencias.

El mundo de los videojuegos ha servido históricamente como fuente de inspiración para el cine y la televisión, con numerosas adaptaciones que han logrado satisfacer el ansia de los fans por disfrutar de sus títulos favoritos en la gran y pequeña pantalla.

Cada vez es más común y recurrente que la industria busque buenas historias en el sector de las consolas, y en los próximos años esta práctica seguirá aumentando. Para que estés atento a los mejores lanzamientos que vienen, en Justwatch te presentamos una selección de 10 próximas adaptaciones de videojuegos al cine y la televisión que ya están dando de qué hablar.

Elden Ring (2027)

Gracias a una coproducción entre Japón y Estados Unidos, la película de Elden Ring llegará a los cines durante 2027. Será un film de acción real capitaneado por Alex Garland (Ex Machina), quién también estará a cargo del guión.

Aún se desconoce quién formará parte del elenco del film, pero hay grandes expectativas por parte de los seguidores del videojuego, ya que supone un ambicioso intento de llevar uno de los universos más crípticos y visualmente potentes del mundo de los videojuegos al terreno cinematográfico. 

Como dato de color, George R.R. Martin (autor de Juego de Tronos) co-creó la historia original.

Mortal Kombat 2 (2025)

Otra de las franquicias de videojuegos más aclamadas, Mortal Kombat, tendrá una nueva adaptación al cine con Mortal Kombat 2, la secuela del reinicio de la saga en 2021. 

Este nuevo film llega con mucha más acción y la incorporación del personaje Johnny Cage, interpretado por el actor Karl Urban (The Boys). Esta segunda parte volverá a estar dirigida por Simon McQuoid y contará con otros intérpretes como Jessica McNamee (Megalodón) y Hiroyuki Sanada (Lost). El estreno de la película en cines está programado para octubre de 2025.

Five Nights at Freddy’s 2

Tras el éxito de taquilla de Five Nights at Freddy’s, Blumhouse y Universal se pusieron manos a la obra para traer Five Nights at Freddy’s 2, la secuela que llegará a los cines a finales de 2025.

No se sabe mucho aún sobre el argumento de esta segunda parte, más allá de que Josh Hutcherson (Los juegos del hambre) vuelve a encarnar a Mike Schmidt, quien debe enfrentarse de nuevo a los animatrónicos poseídos. 

Veremos si esta segunda entrega contenta a la crítica, quien no dejó buenas valoraciones sobre la primera parte (a pesar del éxito de público en salas).

Fallout, temporada 2 (2025)

Si hablamos de adaptaciones de videojuegos exitosas y recientes, en la lista no puede faltar Fallout, cuya segunda temporada llega en diciembre de 2025 a Amazon Prime. La serie, aparte de obtener varias nominaciones a los Premios Emmy, fue renovada para una tercera temporada.

En esta nueva entrega, la historia lleva a los protagonistas a la ciudad de New Vegas, donde seguiremos asistiendo a una mezcla de humor negro y crítica social. Lo mejor de Fallout es que no necesitas haber jugado a los juegos para entenderla (y disfrutarla).

Splinter Cell: Deathwatch (2025)

Netflix se guarda un as en la manga para 2025 y, junto a Ubisoft, adapta en forma de serie animada la saga de espionaje de Tom Clancy con Splinter Cell: Deathwatch. 

El actor Liev Schreiber (Ray Donovan) es el encargado de dar voz al protagonista Sam Fisher. Derek Kolstad (John Wick) dirige y guioniza la serie, que promete grandes dosis de acción y conspiraciones al más puro estilo de la franquicia de juegos. 

The Legend of Zelda (2027)

Si bien es cierto que queda bastante tiempo para que llegue a los cines, la adaptación de The Legend of Zelda es una de las películas más esperadas por los gamers de todo el mundo.

La producción del film se encuentra en etapas tempranas, por lo que no se sabe nada ni de su argumento ni de la elección del elenco que interpretará a los personajes del videojuego.

Derek Connolly (Kong: La isla calavera) estará a cargo del guión, mientras que la dirección correrá a cargo de Wes Ball (El corredor del laberinto).

The Witcher, temporada 4 (2025)

La nueva era de The Witcher tras la salida de Henry Cavill como protagonista, llega a las pantallas de Netflix con la cuarta temporada de la serie. Liam Hemsworth (Los juegos del hambre: En llamas) será el encargado de suplirle como Geralt de Rivia.

Esta cuarta entrega adaptará tres novelas clave de la saga de Andrzej Sapkowski y nos traerá a Geralt, Yennefer y Ciri enfrentando nuevos desafíos en un continente en guerra. Algunos intérpretes que se suman con Hemsworth al reparto son Laurence Fishburne (Matrix) y Sharlto Copley (Distrito 9) como Leo Bonhart. También se incluirá, por primera vez, un personaje del videojuego: Roderick de Wett. 

Super Mario Bros: La película 2 (2026)

Llegamos a una de las secuelas más esperadas con Super Mario Bros: La película 2, la cual está previsto que llegue a los cines en abril de 2026. 

La historia promete expandir el universo del Reino Champiñón con nuevas aventuras, más personajes y guiños a los seguidores del famoso fontanero y sus amigos. En la dirección volverá a estar Aaron Horvath, mientras que Chris Pratt, Anya Taylor-Joy y Jack Black prestarán de nuevo sus voces a los personajes. 

Una de las novedades que se barajan es la inclusión de Yoshi en la historia. 

Exit 8 (2025)

Quizás algo menos conocida que las anteriores, pero igualmente esperada por sus fans es Exit 8, la película basada en el inquietante juego de terror psicológico The Exit 8 que será adaptada a la gran pantalla por Toho Co.

Su fecha de estreno está programada para llegar a Japón el 29 de agosto de 2025 (aún no se ha confirmado su lanzamiento internacional), y tiene el reto de trasladar la atmósfera claustrofóbica y el horror del videojuego a la película 

Return to Silent Hill (2025)

Otro juego icónico de terror como Silent Hill también contará con una nueva adaptación al cine: Return to Silent Hill será dirigida por Christophe Gans, quien ya estuvo al frente de la primera película de 2006. 

Esta nueva historia, además de ser una secuela del film de 2006, se basa en la trama del videojuego Silent Hill 2, en la que James Sunderland vuelve a la ciudad al recibir una carta de su esposa fallecida. 

¿Dónde podré ver online estas adaptaciones de videojuegos?

Aunque algunas de estas adaptaciones de videojuegos saldrán en el cine directamente, otras podrán verse en plataformas de streaming. A continuación te dejamos una lista con los canales en los que se podrán ver cada una de ellas.

Pocas sagas han repartido tantas patadas y enseñanzas filosóficas como Karate Kid. Con secuelas, un reboot y la exitosa serie Cobra Kai, son muchos los que quieren revivir la historia desde el principio o descubrirla por primera vez. Pero, ¿en qué orden conviene ver todo el contenido? ¿Y dónde están disponibles online en España? En esta guía te contamos cómo ver todas las películas y series de Karate Kid en el orden de lanzamiento y en qué plataformas puedes encontrarlas. Ahora sí, prepárate para una dosis de nostalgia, artes marciales y lecciones de vida con el legendario Sr. Miyagi y compañía.

Karate Kid, el momento de la verdad (1984)

Aquí empezó todo, con un adolescente recién mudado, un bonsái y unos cuantos matones con peinados retro. Karate Kid, el momento de la verdad fue dirigida por John G. Avildsen (el mismo de Rocky, por si las dudas), y nos presenta a Daniel LaRusso, un chico de Nueva Jersey que se traslada a California y rápidamente se convierte en blanco de los abusones del dojo Cobra Kai. Por suerte, conoce al Sr. Miyagi, un apacible maestro de artes marciales que decide entrenarlo con métodos poco convencionales. Un clásico del cine ochentero que todos deberían ver. Apta para toda la familia y emoción garantizada.

Karate Kid II, la historia continúa (1986)

No es secreto que la primera película de Karate Kid rompió la taquilla. Tras el éxito de esta primera entrega, decidieron expandir la historia más allá del torneo. En Karate Kid II, se explora el pasado del Sr. Miyagi, quien regresa a su tierra natal al enterarse de que su padre está gravemente enfermo. Daniel decide acompañarlo a Japón, y allí se da cuenta que el karate no es un deporte, es cuestión de honor. Aunque la historia transcurre en Okinawa, gran parte del rodaje se llevó a cabo en Hawái. Una entrega imprescindible para comprender más a fondo a los personajes y la filosofía que sustenta la saga.

Karate Kid III. El desafío final (1989)

Karate Kid III. El desafío final marca el regreso de John Kreese, humillado tras su derrota en la primera película y decidido a vengarse. Para lograrlo, se alía con un nuevo y siniestro personaje: Terry Silver, un antiguo amigo y empresario despiadado que manipula a Daniel para llevarlo de nuevo al torneo. La historia regresa a California, pero con un tono más sombrío. Miyagi, fiel a sus principios, se niega a entrenar a Daniel para pelear por orgullo o revancha, lo que obliga al joven a tomar decisiones difíciles y enfrentar sus propios límites. Aunque muchos fans consideran esta entrega la más floja de la trilogía original, introdujo a Terry Silver, un villano clave que cobraría gran relevancia décadas después en Cobra Kai. Una pieza que, pese a sus altibajos, completa el arco de la saga clásica.

El nuevo Karate Kid (1994)

Para sorpresa de muchos, en 1994 El nuevo Karate Kid introduce a una nueva protagonista: Julie Pierce, interpretada por una joven Hilary Swank en uno de sus primeros papeles protagónicos. Con Daniel LaRusso fuera del panorama (solo momentáneamente), esta vez el maestro Miyagi se enfrenta a un reto muy diferente al ayudar a una adolescente rebelde a canalizar su rabia y encontrar equilibrio a través del karate. A través del entrenamiento, ambos entablan un vínculo especial que pone a prueba la paciencia y la sabiduría del maestro. Aunque no fue bien recibida por la crítica ni por los fans, merece un lugar especial en esta lista por ser  la última aparición del Sr. Miyagi en la saga.

The Karate Kid (2010)

Varios años después del parcial fracaso de El nuevo Karate Kid, la franquicia decidió hacer un  reboot reimaginando la historia para una nueva generación. The Karate Kid de 2010 traslada la acción de Estados Unidos a China, manteniendo la esencia del viaje de aprendizaje y disciplina, aunque con algunos cambios. Aquí se cuenta la historia de Dre Parker, un niño de 12 años, que se muda con su madre a Pekín. Allí sufre acoso escolar hasta que conoce al Sr. Han, un encargado de mantenimiento con grandes habilidades para el kung-fu, que decide entrenarlo. Fresca, entretenida y con el gran Jackie Chan, esta nueva versión es imperdible. 

Cobra Kai (2018-2025)

Pocos imaginaban que, décadas después del torneo de All Valley, el universo de Karate Kid renacería desde la mirada de Johnny Lawrence. Cobra Kai comenzó como una producción de YouTube Premium, pero alcanzó su mayor éxito tras su llegada a Netflix, convirtiéndose en un fenómeno global. La serie muestra a Johnny, estancado en el pasado, decidido a reabrir el dojo Cobra Kai, lo que reaviva su vieja rivalidad con Daniel LaRusso, ahora empresario de éxito. Con nuevas generaciones de alumnos y antiguos conflictos renovados, esta serie demuestra que el karate nunca pasa de moda y que el pasado siempre vuelve a pelear.

Karate Kid: Leyendas (2025)

A estas alturas, Hollywood ya nos ha demostrado que sabe cómo cruzar universos y entrelazar líneas temporales con maestría. Así nace Karate Kid: Leyendas, la primera película que une oficialmente el reboot de 2010 con la saga original de Karate Kid y la serie Cobra Kai. ¿De qué va? Tras una tragedia familiar, Li Fong, un joven prodigio del kung-fu, se traslada de Pekín a Nueva York con su madre. Aunque intenta mantener un perfil bajo, los conflictos lo encuentran, y termina participando en un torneo de kárate para ayudar a un amigo. Su maestro, el Sr. Han, recurre a Daniel LaRusso, y juntos le enseñan a fusionar estilos y filosofía. Jackie Chan y Ralph Macchio es una dupla que no nos queremos perder.

Dónde ver las películas y series de ‘Karate Kid’ online

La franquicia ha demostrado ser mucho más que una serie de películas de artes marciales: es una historia sobre superación, legado y equilibrio. Ahora que sabes el orden, con nuestra guía de streaming puedes descubrir dónde ver cada película y serie del universo de Karate Kid desde España.

Aunque ha aparecido de forma esporádica en alguna serie de televisión, el primer gran título que ha protagonizado Ricardo Darín en este género es el del héroe popular de El eternauta. Es la adaptación de una de las mejores novelas gráficas en español, de Héctor Germán Oesterheld, que convierte Buenos Aires en una ciudad infestada de alienígenas.

Su carrera en el cine es tan completa y extensa que acumula personajes tan dispares como el padre de un adolescente intersexual en XXY (2007) y el hombre aislado de forma voluntario de Un cuento chino (2011). En esta lista JustWatch ordenamos de mejor a peor los 10 mejores largometrajes de Ricardo Darín. 

El secreto de sus ojos (2009)

En esta obra maestra de Juan José Campanella, Ricardo Darín interpreta a  ​Benjamín Espósito, oficial de un Juzgado de Instrucción de Buenos Aires que está recién retirado. Decide entonces escribir una novela sobre un asesinato real ocurrido años atrás. Reconstruyendo ese pasado revive también a un antiguo amor, interpretado por Soledad Villamil. Cada aspecto técnico de El secreto de sus ojos, además de apelar al cine clásico, está pensado para interpelar al espectador, para engancharlo en su trama y sus emociones. Con razón se llevó para Argentina el Oscar a mejor película de habla no inglesa en el año 2009.

Argentina, 1985 (2022)

El otro gran triunfo del cine argentino a nivel internacional en los últimos años ha sido Argentina, 1985. De nuevo Ricardo Darín, de nuevo un drama de época y de nuevo la alargada sombra política del país suramericano. En esta cinta de Santiago Mitre, el actor argentino encarna a un hombre real, el fiscal Julio César Strassera. Junto a Luis Moreno Ocampo y su equipo jurídico se atrevieron a acusar a los altos mandos de la sangrienta dictadura militar argentina que estaba recién acabada en ese momento. Pocos actores pueden echarse a las espaldas un personaje y una película como estos como lo hace Ricardo Darín.

Todos los saben (2018)

Es impresionante cómo un cineasta iraní, Asghar Farhadi, es capaz de retratar con tanta exactitud las entrañas de la España profunda. Quizá porque no son tan distintas a las de su país. Una reunión familiar con motivo de una boda, en un pueblo pequeño y árido. Laura regresa al lugar de visita desde Buenos Aires, con su marido (Ricardo Darín) y sus hijos para asistir al enlace. Un sórdido acontecimiento convierte la visita en un infierno que desvela secretos soterrados durante años en Todos lo saben, una película llena de grandes actores y que da escalofríos, en el mayor y mejor sentido de la palabra.

Relatos salvajes (2014)

Relatos salvajes fue una de las grandes sorpresas del cine que se presenta en el circuito de festivales en la temporada de 2014. Se trata de una comedia absolutamente desbocada y disparatada formada por seis microhistorias con los que el director Damián Szifron analiza los males de la sociedad, generalmente de la de su país. El personaje Ricardo Darín es uno de los que más pierde el control, protagonizando uno de los momentos más memorables de la película, que apunto estuvo de dejar al actor con el mote de El bombita para el resto de su carrera.

Luna de Avellaneda (2004)

Luna de Avellaneda es otra feliz colaboración entre el director Juan José Campanella y Ricardo Darín. En la década de los 40, el club ficticio que da nombre a la película se creó con un fin social, deportivo y cultural. El tiempo ha pasado y quieren reconvertirlo en un casino, justo lo contrario de lo que buscaba ser. El dilema supone un reto para los descendientes de sus fundadores. Todo esta amable comedia dramática es una metáfora de la Argentina actual. De hecho, repasar la filmografía de Ricardo Darín supone recorrer la historia del Argentina del último siglo.

Kamchatka (2002)

De nuevo, Ricardo Darín se sumerge en los complicados años de la dictadura militar argentina. Lo hace esta vez con otras leyendas del cine de su país, como Cecilia Roth y Héctor Alterio. La trama de Kamchatka, de Marcelo Piñeyro recurre a la mirada infantil del niño protagonista para mostrar el cambio drástico de vida de una familia que debe esconderse en el campo para esconderse de quienes los persiguen. Aunque resulta un relato bastante trágico, la humanidad que estos grandes actores imprimen a los personajes hacen que resulte emotiva.

El hijo de la novia (2001)

Y para emotiva, la otra colaboración entre Juan José Campanella y Ricardo Darín. En El hijo de la novia, el actor es Rafael, un hombre corriente, pendiente de sacar adelante su negocio, sin tiempo apenas para sí mismo. Un acontecimiento inesperado le regresa al centro en el que está internada su madre, que sufre desde hace años el mal del Alzheimer. Pero ese acontecimiento es hermoso. Su padre está determinado en cumplir con el sueño de su esposa: casarse por la iglesia. Nada menos que Héctor Alterio y Norma Aleandro interpretan a esos dos padres.

Nueve reinas (2000)

Nueve reinas fue el primer éxito de Ricardo Darín que traspasó fronteras. En esta película, el actor interpreta al más veterano de un dúo de estafadores de poca monta. Pero un día encuentran la oportunidad de dar un gran golpe. Tienen que ejecutarlo en tan solo 24 horas. Si lo consiguen, sus vidas cambiarán para siempre. Fabián Bielinsky dirige esta comedia elegante y de un humor muy ácido y particular que permite a Ricardo Darín lucirse como un carismático granuja de medio pelo, un tono canalla que luego tantas veces ha repetido en el cine y en el teatro.

El mismo amor, la misma lluvia (1999)

Casi a la par que en Nueve reinas, la audiencia internacional conoció a Ricardo Darín con este drama romántico ambientado en la Argentina de los años ochenta. Su pareja de cartel es Soledad Villamil, con la que ya muestra esa complicidad y esa química que luego hicieron tan especial la película que encabeza esta lista, El secreto de sus ojos. En El mismo amor, la misma lluvia, Jorge y Laura se conocen y se enamoran durante años que resultan turbulentos para su país. Junto a ellos interviene otro gran actor que ha coincidido infinidad de veces con Ricardo Darín: Eduardo Blanco.

Truman (2015)

Con tantos éxitos traspasando fronteras, era cuestión de tiempo que Ricardo Darín saltara al cine español. Además de Todos lo saben, uno de sus títulos más destacados fuera de su país es Truman. En este caso, se asocia con dos grandes nombres: el director Cesc Gay y el actor Javier Cámara. Es una historia algo trágica, pero a la vez amable, sobre Julián y Tomás, dos amigos de la infancia que han llegado a la madurez y se reúnen por última vez para pasar unos días que puedan quedar en la memoria por mucho tiempo, ya que la enfermedad está a punto de separarlos.

Las mejores películas de Ricardo Darín

A continuación, este listado de JustWatch muestra las 10 mejores películas en las que interviene un icono del cine argentino (y de toda el habla hispana) como es Ricardo Darín. Te contamos en qué plataformas de streaming puedes verlas.

Contados los 51 millones de votos (gasp), jueces y fans reunidos y con la alfombra naranja lista para el desfile. Así llegaba Solo Leveling a erigirse como Anime del año (entre tantos otros premios) en una gala autocelebratoria presentada por otakus célebres como Kacey Musgraves, Finn Wolfhard, J. Balvin o Mayu Matsuoka. Como en toda buena entrega de premios, también hubo controversias y decepciones. En JustWatch desglosamos las principales destacadas de la noche en la lista que sigue. Aquí están todos los ganadores de los Crunchyroll Anime Awards 2025 y en qué plataformas españolas puedes verlos.

Solo Leveling (2024)

Anime del año, Mejor banda sonora, Mejor serie nueva, Mejor secuencia final, Mejor anime de acción, Mejor personaje principal

El anime basado en la famosa novela web coreana, que no japonesa como de habitual, se llevó el premio a Anime del Año y barrió en categorías clave como Mejor Acción, Mejor Serie Nueva y Mejor Banda Sonora, entre otras. Una mezcla familiar de shonen e isekai, Solo Leveling arrasó con siete premios entre los treinta galardones repartidos, destacando también el reconocimiento a su protagonista, Sung Jinwoo, como Mejor Personaje Principal, y el premio a la Mejor Voz en Español para Masumi Mutsuda, quien lo interpreta en la versión castellana.

DAN DA DAN (2024)

Mejor canción de anime, Mejor secuencia de apertura, Mejor diseño de personajes

¿Cómo no iba a ganar el “Otonoke” de Creepy Nuts a Mejor canción de anime y la animación de Science Saru a Mejor secuencia de apertura? En cuanto al premio al Mejor diseño de personajes, Science Saru venía de despuntar mezclando realismo híper expresivo con toques fantásticos en Devilman Crybaby (2018) o en la maravillosa Night Is Short, Walk on Girl (2017) y derivadas. En fin, el anime dirigido por Fūga Yamashiro encuentra el equinoccio perfecto entre comedia y drama gracias a estas intersecciones, y sorpresa: como director de la T2 de DAN DA DAN tendrá a Abel Góngora, al frente del opening de Eizouken ni wa Te wo Dasu na! (2020). Más y mejor.

Look Back (2024)

Película del año

O la película que todo el mundo te ha recomendado, porque a pesar de ser deliciosamente corta, seguro que te hará llorar. Tatsuki Fujimoto demuestra que puede alejarse de la violencia absurda y bombástica de la genial Chainsaw Man (2022) con Look Back, historia autoconclusiva publicada en 2021 en Shonen Jump+ y animada por Studio Durian. Ayumu Fujino y Kyomoto son dos aspirantes a mangaka que –dicen: girl, it’s so confusing!– conviven entre la admiración, el recelo y el afecto verdadero… Las mil caras de la validación externa para una victoria (en los premios de Crunchyroll) incuestionable.

Ninja Kamui (2024)

Mejor anime original

Esta vino con controversia, pero es lo que tienen unos premios por voto popular con 51 millones de participaciones. Hay quien atribuye el éxito de esta serie hecha en buena parte con CGI, en una animación visiblemente hecha por ordenador, a la popularidad de Sunghoo Park (el director de Jujutsu Kaisen) y al alcance de Toonami y Max. En fin, Ninja Kamui (2024) es una sencilla historia de venganza con un ninja retirado que lucha contra los asesinos enviados para cazarlo. Nos preocupa más que una perla como Tragones y mazmorras (2024) se fuera de vacío.

Guardianes de la noche: Kimetsu no Yaiba - Rumbo al Entrenamiento de los Pilares (2024)

Mejor serie continuada, Mejor animación

Naturalmente, la categoría de Mejor serie continuada siempre es muy competitiva. ¿Cuántos animes populérrimos lo son, justamente, porque continúan en el tiempo? Este año, Guardianes de la noche: Kimetsu no Yaiba - Rumbo al Entrenamiento de los Pilares (2024) superó a clásicos reina de la sección como One Piece (1999), aunque su relevancia cultural es resabida y la victoria no estuvo en absoluto contestada. Guardianes de la noche sigue siendo mucho más accesible para los recién llegados al género. La serie tiene pocos episodios de relleno (con excepciones para el Arco de Entrenamiento de Hashira) y la calidad de sus muy comentadas batallas está al mismo nivel que la de un estreno en cine.

MASHLE: MAGIC AND MUSCLES (2023)

Mejor anime de comedia

Mash Burnedead, el musculoso “gimboi” al frente de MASHLE: MAGIC AND MUSCLES tiene un problema mayúsculo: es el único de la escuela de magia que no puede emplear la magia. El argumento te sonará de secundarios como Rock Lee, o arranques como el de My Hero Academia (2016), pero os interesará la combinación de acción y sátira y el cruce entre el mundo de Harry Potter con la fuerza ridícula de One-Punch Man (2015). Aunque claro, hay parte del fandom que defiende la victoria de Kono subarashii sekai ni shukufuku o! (2016). Pero para qué escoger.

Frieren: Tras finalizar el viaje (2023)

Mejor anime de drama, Mejor arte de fondo, Mejor dirección, Mejor personaje de reparto

Frieren: Tras finalizar el viaje (2023) fue la segunda gran ganadora de la noche, y una aplaudida ganadora a Mejor arte de fondo y Mejor dirección, celebrando la visión de Keiichiro Saito (ved Bocchi the Rock!, de 2022). La serie también ganó a Mejor anime de drama por el descubrimiento introspectivo de la maga elfa Frieren, un ser casi inmortal quien sobrevive a sus compañeros tras derrotar al Rey Demonio, y emprende un viaje para comprender a la humanidad y, con algo de suerte, sanar. Premio para un anime que nos reconcilia con el género de fantasía.

Re:Zero - Empezar de cero en un mundo diferente (2016)

Mejor anime isekai

La tercera temporada de Re:Zero - Empezar de cero en un mundo diferente (2016) convenció al cuerpo de votantes para erigirse como Mejor anime isekai. Basada en las novelas de Tappei Nagatsuki, la serie sigue a Subaru, un estudiante corriente de instituto que se pierde en un mundo alternativo de fantasía medieval, donde una preciosa-chica de pelo plateado lo rescata (si la fórmula isekai os molesta, mejor saltad directos a la tercera o esquivadla). Hay viajes en el tiempo, un viaje heroico convencional… Donde sí brilla, dice la crítica, es en madurar los estándares del género y mostrar los fracasos de su protagonista.

La caja azul (2024)

Mejor anime romántico

El Rivales (2024) del anime contemporáneo: La caja azul (2024), ganador a Mejor anime romántico. Esta serie ofrece un escaparate fantástico para los amantes del amorío, lleno de sentimientos encontrados, momentos incómodos y la incertidumbre del enamoramiento joven. Un romance a fuego lento entre un tímido jugador de bádminton y la estrella del equipo de baloncesto femenino. Que, vale, quizás no sea tan parecida a la película de Luca Guadagnino como a los visos románticos de Slam Dunk (1993), pero el titular lo merecía. Ligera, con momentos de slice of life y mucha brillantina.

Make Heroine ga Oosugiru! (2024)

Mejor anime de slice of life

Make Heroine ga Oosugiru!, o “Too Many Losing Heroines”, puede que trate sobre chicas rechazadas por sus respectivos intereses amorosos, pero en los Premios Crunchyroll la serie salió ganando y con creces. Mejor anime de slice of life, ya llegaba con el premio al Mejor anime de comedia en los Anime Trending. Quienes no estén familiarizados con el anime o la serie de novelas ligeras en la que se basa, de Takibi Amamori y Imigimuru, pueden esperar un romance adolescente que profundiza sobre el autodescubrimiento y las luces y sombras del rechazo. Además, la serie de A-1 Pictures es perfecta para hablar sobre esto que llamamos “verosimilitud”.

SPY × FAMILY (2022)

Personaje a “proteger a toda costa”

Tercera victoria consecutiva para la adorable Anya Forger en la categoría del personaje a “proteger a toda costa”, desde que SPY x FAMILY compite (2022). Podemos hacer todes como que nos sorprendemos. La huérfana telépata Anya tiene todo lo que una mascota que se precie: el caos en su interior, la curiosidad, el intentarlo muy fuerte, y los looks. Aunque me pese, yo tampoco dejaría que nadie le hiciera daño. Supongo que dejaremos de darle el premio en la categoría cuando la serie de Wit Studio se cancele.

¿Dónde ver todas las películas y series ganadoras de los Crunchyroll Awards?

Para descubrir más series y películas de anime premiadas en los Crunchyroll Awards y disponibles en España, consulta la guía de JustWatch. Puedes filtrar tu búsqueda por servicio de streaming, género, precio, clasificación por edades y puntuación. Asegúrate de crear tu lista de favoritos y recibir notificaciones útiles sobre qué ver a continuación según tus preferencias.

Love, Death & Robots es uno de los contenidos más originales del catálogo de Netflix. Lo es tanto, que tiene una versión emoji de su título que aparece en los créditos: ❤️❌🤖. Se trata de una serie antológica de animación, en el que cada capítulo es un microrrelato independiente que trata géneros como la ciencia ficción, la comedia y el terror. Aunque su formato es similar al de Black Mirror, el no depender de acción real permite a esta serie llegar más lejos tanto en el fondo como en la forma.

Quizá no sabías que algunos grandes cineastas han dirigido uno o varios capítulos de la serie. En esta lista de JustWatch repasamos a seis de ellos, aunque también han participado en ella Gabriele Pennacchioli (responsable de más de una decena de episodios), Jerome Denjean y Franck Balson.

Tim Miller

Tim Miller es el creador de Love, Death & Robots. En 2016, debutó en el largometraje a lo grande haciéndose cargo de la primera entrega de Deadpool, el disparatado superhéroe de la Marvel que interpreta Ryan Reynolds. Después de este taquillazo, dirigió una de las entregas de la franquicia Terminator, en la que aparece de nuevo Arnold Schwarzenegger y Linda Hamilton, Terminator: Destino oscuro (2019).

Desde entonces, Tim Miller se ha centrado en las varias temporadas de su serie de animación antológica para un público adulto y en adaptar en forma de película el conocido cómic Alien Legion, todavía en fase de preproducción.

David Fincher

Sin duda el nombre más célebre que aparece en los créditos de Love, Death & Robots es el de David Fincher, que es también uno de sus productores. El cineasta ha dirigido dos capítulos de la serie antológica: Bad Travelling, en la tercera temporada, y Can’t Stop, que abrió la cuarta tanda de episodios.

La trayectoria de David Fincher en el cine es una de las más prestigiosas de las últimas décadas. Algunas de las más destacadas en su filmografía es Seven, considerada una obra maestra del thriller; Zodiac, también centrada en un asesino en serie, aunque esta vez se trata de una historia real; y, en formato serie, un clásico de culto: Mindhunter, también de Netflix.

Jennifer Yuh Nelson

La surcoreana Jennifer Yuh Nelson es una de las que más capítulos ha dirigido de Love, Death & Robots. Antes de saltar a esta serie de Tim Miller, la directora había despuntado en el universo de animación de Spawn, adaptación en varios formatos del cómic de Todd McFarlane a finales de los años noventa. Contaba las aventuras de un superhéroe más bien antagónico que no pertenece ni al universo cinematográfico de Marvel ni al de DC. 

Luego, Jennifer Yuh Nelson se hizo cargo de dos entregas de otra famosa franquicia animada, las películas Kung Fu Panda 2 y Kung Fu Panda 3.

Víctor Maldonado

Víctor Maldonado es uno de los directores españoles que han trabajado en Love, Death & Robots. El barcelonés es también guionista, pero debutó en el mundo del cine en el año 2007 con el largometraje Nocturna, que dirigió junto a Adrià García. La película, también de animación, cosechó buenas críticas cuando se estrenó. La historia se centra en Tim, un niño que vive en un orfanato. Tiene miedo a la oscuridad. Lo combate arropándose en la luz de las estrellas. Una noche, mientras está subido al tejado observandolas, descubre que su estrella favorita ha desaparecido. Y no parece ser la única.

Alberto Mielgo

Alberto Mielgo, animador e ilustrador madrileño, es de los pocos españoles que puede presumir de haber recogido un premio Oscar de la Academia de Cine de Hollywood. En su caso, lo hizo en el año 2022 con el cortometraje de acción real El limpiaparabrisas.

Su carrera es muy interesante, aunque casi siempre ha estado alejada del rol de director de cine. Alberto Mielgo ha formado parte del equipo de arte conceptual de La novia cadáver de Tim Burton y de Harry Potter y las reliquias de la Muerte. También ha sido director artístico de varias actuaciones de la banda virtual Gorillaz y del videojuego The Beatles: Rock Band.

Javier Recio Gracia

Otro director español que estuvo en los premios Oscar fue Javier Recio Gracia. Fue antes de fichar por Love, Death & Robots. Ocurrió en el año 2010 con el cortometraje de animación La dama y la muerte. En su caso, no se llevó la estatuilla dorada y solo quedó en nominado a mejor cortometraje de animación. Pero sí que se llevó el premio Goya de la Academia española de cine por ese mismo cortometraje. Después de esa candidatura al Oscar, Javier Recio Gracia ha trabajado en Hollywood, como storyboard artist de películas como El bebé jefazo y Minions: El origen de Gru.

Dónde ver las series y películas de algunos de los directores de Love, Death & Robots 

A través de esta lista puedes encontrar algunos de los proyectos anteriores de los directores más destacados de la serie Love, Death & Robots y descubrir en qué plataformas de streaming puedes verlas.