Ob als schlagfertiger Sci-Fi-Captain, smarter Krimischriftsteller oder animierter Superheld – Nathan Fillion ist längst mehr als ein Geheimtipp. Der kanadische Publikumsliebling wurde mit Serien wie Firefly und Castle zum Kultstar und gehört als charmant-trottelige Version von Green Lantern im neuen Superman-Film von James Gunn offiziell zum DC Universe. Fillions Markenzeichen: trockener Witz, exaktes Timing und die seltene Gabe, selbst kleinen Rollen Charisma, Tiefe und Humor zu verleihen. Seine Projekte reichen von Kultserien über Animationsfilme bis zu Blockbuster-Gastauftritten – und jedes zeigt eine andere Facette seines Könnens. Diese Liste stellt die Highlights seiner Karriere vor: perfekt für langjährige Fans und alle, die entdecken wollen, warum Nathan Fillion als Meister der anspruchsvollen Leichtigkeit gilt.

Superman (2025)

In Superman von James Gunn übernimmt Nathan Fillion die Rolle des impulsiven Green Lantern Guy Gardner – einem besonders ungehobelten Mitglied der Justice Gang. Gardner sticht sofort heraus: sein charakteristischer Bowl‑Cut und seine ruppige Art machen ihn zum lautstarken Kontrast im ansonsten heroischen Team. Fillion selbst beschreibt seine Figur als furchtlosen Trottel, der meint, Superman herausfordern zu können – aber gerade dieses übersteigerte Selbstvertrauen bringt eine sympathische Unverbraucht­heit mit ins DCU. Er stellt etablierte Heldenbilder infrage, mischt das Team auf und sorgt für unverfälschte Dynamik. Fillion nutzt jede Szene, um Gardners ungeschliffene Präsenz hervorzuheben, wodurch er weit mehr als nur ein zweckmäßiger Nebencharakter wird. Er verleiht ihm Ecken, Kanten und eine wirklich einzigartige Präsenz.

Firefly (2002–2003)

Fillions großer Durchbruch: In Joss Whedons kurzlebiger, aber bis heute verehrter Sci-Fi-Serie Firefly spielt er Captain Malcolm Reynolds – einen desillusionierten Ex-Soldaten, der als Weltraum-Cowboy mit seiner bunt zusammengewürfelten Crew durchs All schippert. Zwischen Rebellion, moralischen Grauzonen und lakonischem Sarkasmus trifft Fillion den perfekten Ton. Seine Figur wirkt wie eine Mischung aus Han Solo und Clint Eastwood – gleichzeitig cool, gebrochen, und tief menschlich. Obwohl Firefly nach nur einer Staffel abgesetzt wurde, entwickelte die Serie rasch Kultstatus und gilt heute als Paradebeispiel für gelungenes Worldbuilding, starke Ensemble-Dynamik und pointierte Dialoge. Wer intelligentes Sci-Fi mit Westernflair und Charaktertiefe sucht, kommt an Firefly nicht vorbei. Für viele ist sie der früheste Beweis, dass Fillion eine echte Genre-Ikone ist.

Castle (2009)

Acht Staffeln lang verkörperte Nathan Fillion den Bestsellerautor Richard Castle – ein charmanter Querdenker mit kriminalistischem Spürsinn und einem großen Hang zur Selbstdarstellung. Gemeinsam mit der klugen, bodenständigen Polizistin Kate Beckett löst er Mordfälle in ganz New York – mit viel Humor, Spannung und überraschend viel Herz. Die Serie lebt von der pointierten Dynamik zwischen den Hauptfiguren, dem charmanten Spiel mit Genre-Konventionen und Fillions Fähigkeit, zwischen überheblichem Witzbold und verletzlichem Sympathieträger zu wechseln. Trotz des klassischen Procedural-Aufbaus bietet Castle genug Meta-Humor, popkulturelle Seitenhiebe und emotionale Momente, um über Jahre zu unterhalten. Für Fans intelligenter Krimiunterhaltung mit Romantik-Faktor und Witz eine echte Empfehlung.

The Rookie (2018)

In The Rookie zeigt Fillion eine neue Seite: Als John Nolan wagt er mit über 40Jahren den beruflichen Neuanfang bei der Polizei von Los Angeles – und muss sich gegen jüngere Kollegen, bürokratische Hürden und eigene Selbstzweifel behaupten. Die Serie verbindet klassische Crime-Elemente mit emotionaler Tiefe und gesellschaftlichem Kommentar. Ob Polizeigewalt, Vertrauen oder persönliche Entwicklung – hier wird mehr verhandelt als bloße Fallakten. Fillion brilliert mit gewohnter Leichtigkeit, bringt aber auch ernste Töne ins Spiel. The Rookie ist weit mehr als nur ein Polizeidrama: Es ist eine moderne, gut geschriebene Serie über Mut, Wandel und zweite Chancen – getragen von einem gereiften, reflektierten Hauptdarsteller.

The Suicide Squad (2021)

James Gunns irre Interpretation des DC-Antihelden-Teams bietet ein wahres Chaosfestival an Gewalt, Satire und absurden Superkräften – und mittendrin: Nathan Fillion. Als T.D.K. (The Detachable Kid) spielt er einen völlig nutzlosen, aber unvergesslichen Helden, dessen Arme sich vom Körper lösen und langsam durch die Luft flattern. Der Gag? Die Szene ist komplett überdreht, doch Fillion spielt sie mit vollem Ernst und Inbrunst– und macht sie dadurch umso komischer. Es ist ein kurzer, aber herrlich selbstironischer Auftritt, der zeigt, wie viel Spaß der Vollblut-Schauspieler Fillion an grotesken Nebenrollen hat. Wer ihn in einer der skurrilsten Superhelden-Szenen überhaupt sehen will, ist bei The Suicide Squad goldrichtig.

Slither – Voll auf den Schleim gegangen (2006)

Mit Slither landete James Gunn sein Spielfilmdebüt – und Nathan Fillion spielt darin den Sheriff einer verschlafenen Kleinstadt, die von ekligen, außerirdischen Parasiten überrannt wird. Klingt trashig? Ist es auch – aber mit Stil. Der Film zollt klassischen B-Movies der 80er-Jahre Tribut und mixt Splatter, Slapstick und Spannung zu einem extrem unterhaltsamen Horrortrip, der völlig zu Recht als Kult gilt. Fillion trägt den Film mit seiner Mischung aus Zynismus, Pragmatismus und trockenem Humor – und erinnert dabei fast an Bruce Campbell in Evil Dead. Das launige Premium-Trash-Feuerwerk Slither ist für Fans des gepflegten Ekel-Horrors ein echtes Fest – und ein Paradebeispiel dafür, wie man ein B-Movie mit echter Klasse inszeniert.

Percy Jackson: Die Diebe im Olymp (2010)

In der Verfilmung des ersten Percy Jackson-Romans tritt Nathan Fillion zwar nur kurz auf – aber er hinterlässt einen bleibenden Eindruck. Als Hermes, Gott der Reisenden und Diebe, kombiniert er göttliche Arroganz mit augenzwinkerndem Comedy-Talent und sorgt für einen der charmantesten Momente des Films. Mit seinem typischen Gespür für Timing und Ironie verleiht er der Figur eine fast sitcomartige Leichtigkeit, ohne sie zur Karikatur zu machen. Man merkt: Fillion hat sichtlich Spaß an dieser Rolle und nutzt jede Sekunde, um sich maximal in Szene zu setzen. Zwar konnte sich die Percy Jackson-Reihe nicht zum nächsten großen Fantasy-Franchise entwickeln, doch dieser Mini-Auftritt zählt zu den kleinen, aber feinen Highlights des Films. Ein weiterer Beweis dafür, dass Nathan Fillion jeder Szene augenzwinkernden Charme verleiht – ganz egal, wie kurz sein Auftritt auch sein mag.

Viel Lärm um Nichts (2013)

In dieser charmanten Shakespeare-Adaption von Joss Whedon brilliert Nathan Fillion als Constable Dogberry – ein tölpelhafter Ordnungshüter mit Hang zur großen Geste, absurden Selbstsicherheit und herrlich verdrehten Sätzen. Gedreht in nur wenigen Tagen, in Schwarz-Weiß und mit einem Ensemble aus Whedons Stammcast, lebt Much Ado About Nothing vom reizvollen Kontrast zwischen klassischer Sprache und moderner, fast intimer Inszenierung. Fillion nutzt seine komödiantischen Talente voll aus und macht aus der vermeintlichen Nebenrolle einen der witzigsten und einprägsamsten Parts des Films. Sein Spiel balanciert gekonnt zwischen Slapstick und feiner Ironie – und zeigt, dass sein Talent weit über Genregrenzen hinausreicht. Wer literarische Klassiker mit Indie-Flair, Humor und einem spielfreudigen Ensemble erleben möchte, kommt an dieser verspielten Version nicht vorbei – mit einem Nathan Fillion, der selbst in Shakespeare-Versen glänzt.

Justice League: Doom (2012)

In diesem gefeierten Animationsfilm leiht Fillion Green Lantern alias Hal Jordan seine Stimme – und liefert dabei eine der überzeugendsten Interpretationen der Figur jenseits der Comics. Justice League: Doom zeigt, was passiert, wenn Batmans geheime Sicherheitsmaßnahmen gegen die Justice League in falsche Hände geraten. Der Film ist düster, actiongeladen und thematisch komplex – und Fillion verleiht Hal Jordan genau die richtige Mischung aus Selbstsicherheit, heldenhafter Verantwortung und innerem Zwiespalt. Mit seiner markanten Stimme trifft er den Ton zwischen klassischem Heldenpathos und nahbarer Menschlichkeit auf den Punkt. Seine Interpretation bringt Tiefe in eine Figur, die in anderen Medien oft eindimensional bleibt. Justice League: Doom zählt zu den stärkeren Beiträgen des DC Animated Universe – und für Fillion-Fans ist es ein Paradebeispiel dafür, wie viel Persönlichkeit und Charisma er allein durch Stimme und Timing transportieren kann.

Jennas Kuchen (2007)

Jennas Kuchen ist ein stiller, berührender Indie-Film über Selbstbestimmung, Liebe und die Suche nach einem besseren Leben. Fillion spielt darin den sensiblen Gynäkologen Dr. Pomatter, der sich in die Hauptfigur Jenna verliebt – eine verheiratete Kellnerin mit großem Backtalent und kleinem Lebensmut. Der Film lebt von seinen leisen Zwischentönen, charmanten Dialogen und der Chemie der Darsteller. Fillion zeigt sich hier von einer ungewohnt zurückhaltenden Seite: sanft, nachdenklich und frei von Ironie. Wer ihn bisher nur aus Genrestoffen kennt, wird überrascht sein, wie nuanciert und ehrlich er in dieser Rolle wirkt. Jennas Kuchen ist bittersüßes Indie-Kino – mit einem wundervollen Nathan Fillion, den wir gerne häufiger ins solchen Rollen sehen würden.

Wo du noch mehr Perlen mit Nathan Fillion findest

Nathan Fillion hat sich im Laufe seiner Karriere als außergewöhnlich wandlungsfähiger und liebenswerter Schauspieler etabliert – sei es in Hauptrollen, Cameos oder als Stimme in Animationsprojekten. Seine Fähigkeit, jeder Rolle – ob kurz oder lang – Charme, Tiefe und Humor zu verleihen, ist bemerkenswert. Für Fans bedeutet das: Jeder Film oder jede Serie, in der er mitspielt, wird zum Erlebnis mit Wiedererkennungswert. Die hier vorgestellten Titel bieten eine bewusst kuratierte Reise durch Fillions vielseitiges Schaffen – von Sci-Fi-Klassikern über Crime-Serien bis hin zu künstlerischen Nebenprojekten.Im JustWatch-Streaming-Guide findest du all seine Filme und Serien – übersichtlich nach Streamingdienst, Genre, Bewertung und Altersfreigabe sortiert. Stelle dir deine persönliche Watchlist zusammen und verpasse keine seiner Performances mehr!

Bevor die Avengers anfingen, die Welt zu retten und Thanos seine Finger schnippen konnte, begann alles mit einer Handvoll mutiger Helden, die sich nach und nach zu einem faszinierenden Team formierten. Die ersten Schritte des Marvel Cinematic Universe (MCU) waren mindestens genauso spannend wie die Superhelden selbst und lieferten Filme, die Charaktere wie Iron Man, Captain America und Thor auf die Leinwand brachten. „Phase 1“ legte das Fundament für das riesige Universum, das heute in allen Ecken der Welt gefeiert wird. Wenn du wissen willst, wie das MCU diesen Trip begann, dann solltest du die Filme in der folgenden Reihenfolge anschauen. Natürlich erfährst du mit JustWatch auch, wo du sie streamen kannst.

1. Iron Man (2008)

Alles startet mit einem charismatischen Milliardär, der in einer selbstgebauten Rüstung gegen das Böse kämpft. Der erste Marvel-Film des MCU setzte die Grundlage für alles, was noch kommen sollte. Tony Stark, gespielt von Robert Downey Jr., wird nach seiner Entführung von Terroristen zu Iron Man, einem Superhelden, der sich nicht nur mit seiner eigenen Vergangenheit, sondern auch mit der Verantwortung für sein neues Leben auseinandersetzen muss. Trotz aller Widrigkeiten hat der neue Superheld cleveren Humor und spektakuläre Action-Szenen im Gepäck und präsentiert eine imposante Charakterentwicklung. Dieser Film schenkte den Fans nicht nur Tony Stark, sondern zeigte das MCU in einer Weise, die sowohl bei Fans als auch bei den meisten Kritikern für Lobeshymnen sorgte.

2. Der unglaubliche Hulk (2008)

„Hulk... SMASH!“ Was passiert, wenn ein brillanter Wissenschaftler in einen grün gewordenen Wutausbruch verwandelt wird? Genau, es gibt die unaufhaltsame Zerstörungskraft des Hulk. Edward Norton spielt den missmutigen Bruce Banner, der versucht, seine unkontrollierbare Wut in den Griff zu bekommen, während er vor den Militärs flieht. Der unglaubliche Hulk mag vielleicht nicht die gleiche Aufmerksamkeit wie „Iron Man“ bekommen haben, aber er ist ein wichtiger Bestandteil des MCU. Der Film führt uns in die wahre Natur des Hulk ein und setzt gleichzeitig den Grundstein für spätere Auftritte dieses grünen Giganten. 

3. Iron Man 2 (2010)

Tony Stark ist zurück und muss sich nicht nur mit seiner eigenen Berühmtheit und Verantwortung auseinandersetzen, sondern auch mit einem neuen Gegner: Whiplash, verkörpert von Mickey Rourke. Der sorgt für ordentlich Action, und auch Black Widow wird hier zum ersten Mal eingeführt - eine der coolsten Frauenfiguren des MCU. Iron Man 2 ist voller Charakterentwicklung und großartiger Szenen und zeigt, wie sich Stark zunehmend mit seiner Rolle als Held auseinandersetzt. Der Film gibt uns das erste große Team-Up-Futter und lockt uns immer tiefer in das MCU. Stark wird mehr als nur eine Heldenfigur: Er wird zu einem Schlüsselspieler für das, was noch kommen soll.

4. Thor (2011)

Ein Gott aus Asgard landet auf der Erde und muss sich erstmal mit den irdischen Gepflogenheiten auseinandersetzen. Chris Hemsworth bringt Thor nicht nur als mächtigen Donnergott auf die Leinwand, sondern auch als ungestümen, impulsiven Helden, der auf der Erde viel zu lernen hat. Asgard, Magie und nordische Mythologie treffen hier auf das irdische, moderne Leben. Doch Thor wächst, erkennt seine wahre Stärke und stellt sich schließlich gegen seinen eigenen Bruder, Loki. Thor ist nicht nur ein Abenteuerfilm, sondern auch ein bisschen ein „Coming-of-Age“-Drama, nur eben im Superheldenformat. Die Verbindung zwischen Thor und Loki ist so besonders, dass sie die Grundlage für viele Filme im MCU sein wird.

5. Captain America 1: The First Avenger (2011)

Steve Rogers, der schwache, kränkliche Mann aus Brooklyn, wird durch das „Super-Soldaten-Serum“ zu Captain America, dem ersten Superhelden des MCU. Der Film spielt während des Zweiten Weltkriegs und zeigt, wie Rogers gegen den bösartigen Red Skull kämpft. Es ist nicht nur die Entstehungsgeschichte eines Helden, sondern auch eine emotionale Reise über Opfer, Freundschaft und Verantwortung. Captain America: The First Avenger bietet historische Elemente und baut gleichzeitig Brücken zu den kommenden Geschichten im MCU. Captain America wird zu einem festen Anker in der Geschichte des Marvel-Universums und präsentiert sich als symbolische Figur für Freiheit und Gerechtigkeit.

6. The Avengers (2012)

„Avengers Assemble!“ The Avengers ist das erste große Marvel-Team-Up, das die Helden des MCU endlich vereint. The Avengers ist nicht nur ein Film, sondern ein Moment der Filmgeschichte, in dem Fans von „Iron Man“, „Thor“, „Captain America“ und Co. endlich sehen können, wie diese ikonischen Charaktere gemeinsam auf der Leinwand agieren. Es gibtKonflikte, es gibt Humor, und vor allem gibt es grandiose Action mit einem epischen Finale, das die Avengers gegen Loki und seine Armee auf die Probe stellt. Dieser Film war die Krönung der ersten Phase des MCU und legte die Grundlage für alles, was später folgte. The Avengers bringt nicht nur die Helden zusammen, sondern auch das MCU zu dem Erfolg, den wir heute kennen.

Hier findest du alle Marvel „Phase 1“-Filme in der richtigen Reihenfolge

In der untenstehenden Liste findest du alle Filme aus dem „Phase 1“-Universum von Marvel und kannst dank JustWatch direkt sehen, wo du sie streamen kannst.

Der Mysterythriller Brick (2025) von Philip Koch ist der neueste Film mit Matthias Schweighöfer und katapultierte sich gleich nach Start bei Netflix an die Spitze der Streaming-Charts. Das dürfte er gewohnt sein: Das erfolgsverwöhnte Multitalent gilt seit ein paar Jahren als einer der populärsten Schauspieler in Deutschland.

Aus einer Schauspielerfamilie stammend, gelang ihm 2003 mit Soloalbum an der Seite von Nora Tschirner der Durchbruch. Es folgten jede Menge Hauptrollen im Kino, immer wieder wie in Kokowääh (2011) auch gemeinsam mit Til Schweiger. Wie sein berühmter Kollege, gründete auch Schweighöfer Ende der 2000er Jahre mit Pantaleon Film eine eigene Produktionsfirma und machte fortan in Personalunion Filme als Produzent, Regisseur, Autor und Hauptdarsteller. Dabei entstanden Publikumshits wie Schlussmacher (2013), der 2,5 Mio. Besucher in die deutschen Kinos lockte. Seit ein paar Jahren ist ihm sogar mit vollem Erfolg der Sprung ins internationale Geschäft gelungen. Für die Disney-Pixar-Animation Elio (2025) vertraute man ihm die komplette Stimmentwicklung einer Figur an – und zwar im Original! Das können nicht viele deutsche Schauspieler:innen von sich behaupten.

Wer nach „Brick“ Lust auf Mehr hat, findet im Folgenden zehn der schönsten Schweighöfer-Filme und im Guide alle Informationen darüber, wo es sie zu streamen gibt.

1. Soloalbum (2003)

Lose auf dem Roman des Popliteraten Benjamin von Stuckrad-Barre basierend, wirkt Soloalbum aus heutiger Perspektive wie die Tour durch eine Ausstellung aus den Nullerjahren. Klamotten, Autos, Musik, Lifestyle: Der Film ist purer Zeitgeist mit Gastauftritten von Thomas D und Sandy Mölling, die als „No Angels“-Mitglied 2003 ein großer Star war. „Soloalbum“ ist beides, Teeniekomödie und Liebesfilm, und markiert damit den Beginn des später typisch gewordenen frech-witzigen Schweighöfer-Vehikels. Auch für Nora Tschirner bedeutet der Film einen wichtigen Startpunkt ihrer Karriere – sie beide hier in ihren frühen Zwanzigern durch die dynamische und vor Einfällen sprühende Geschichte zu begleiten, ist ein herrlich nostalgischer Spaß.

2. Das wilde Leben (2007)

Achim Bornhaks Film erzählt die Geschichte der Uschi Obermaier und ihrer Rolle im Gefüge der 68er-Bewegung. Ein großer Teil des Films richtet sich auf ihre Zeit in der zweiten Phase der legendären Kommune 1, in der „Sex, Drugs and Rock’n’Roll“ im Mittelpunkt standen. Bis 1973 war sie mit Rainer Langhans zusammen, einer der Symbolfiguren der Bewegung. Genau diesen Rainer Langhans mit all seiner Lockenpracht spielt Matthias Schweighöfer – ein irrer Besetzungscoup, der erstaunlich gut aufgeht, weil diese Ironie, die Matthias Schweighöfer permanent umgibt, sich hier auf wunderliche Weise mit der Langhans’schen Unverbindlichkeit  zu etwas sehr eigenem vereint. Außerdem ziemlich crazy und nicht weniger sehenswert: Alexander Scheer als Keith Richards.

3. 12 Meter ohne Kopf (2009)

Als Sven Taddickens 12 Meter ohne Kopf 2009 in die Kinos kam, war Deutschland auf einen heimischen Piratenfilm nicht vorbereitet: Er ging ziemlich gnadenlos unter – vollkommen zu unrecht. Klar, ein Effektspektakel wie das Disney-Franchise Fluch der Karibik war natürlich nicht zu erwarten. Dafür aber hatte 12 Meter ohne Kopf etwas ganz anderes zu bieten: die herrlich ironische Interpretation der heimischen Ostsee-Legende Klaus Störtebeker – voller Gags, mit einer äußerst gelungenen Ausstattung etwa des historischen Hamburg, einem rockigen Soundtrack und dazu eine bis in die kleinsten Rollen hinein starke Besetzung. Matthias Schweighöfer als Störtebekers Seeräuber-Freund Gödeke Michels funktioniert auch in diesem körperbetonten Setting hervorragend – allzu oft hat er das eher actionbetonte Fach in seiner Karriere nicht bedient.

4. What a Man (2011)

Mit „What a Man“ kreiert Matthias Schweighöfer 2011 erstmals in kreativer Kontrolle von Regie, Produktion, Buch und Hauptrolle seine Paradefigur: In einer Zeit, in der klassische Geschlechterrollen diskutiert und hinterfragt werden, sucht seine Figur in What a Man – und in ähnlicher Weise auch in seinen weiteren Regie-Filmen – genau danach: nach dem Anschluss an diese alten, Männern zugeschriebenen Tugenden. Noch steht 2011 das Finden einer Alternative gar nicht so sehr im Vordergrund wie die Suche an sich – denn die wird komödiantisch in der Schweighöfer eigenen Art genüsslich ausgeweidet, gerne mit dem bewährten Witz wiederkehrender Schauspieler wie Milan Peschel, Elyas M’Barek oder Friedrich Mücke.

5. Vier gegen die Bank (2016)

Dieser letzte Film des legendären Regisseurs Wolfgang Petersen ist als klassisches Caper-Movie konzipiert: In der Manier einer Krimikomödie verfolgen wir Planung und Umsetzung eines Banküberfalls. Matthias Schweighöfer spielt einen schnöseligen Werbefuzzi, der gerade eine eigene Agentur aufmachen will, als er merkt, dass all sein Erspartes futsch ist. Zusammen mit drei Mitbetroffenen entwickelt er einen Plan, sich sein Geld von der Bank wiederzuholen. Höher als das Tempo des Films ist nur seine Klamaukdichte – das eigentlich Besondere an diesem Remake des gleichnamigen TV-Klassikers, den 1976 Wolfgang Petersen selbst geschaffen hatte, findet sich in der Besetzung. Mit Matthias Schweighöfer, Til Schweiger, Jan Josef Liefers und Michael „Bully“ Herbig konnte der Regie-Altmeister die vier damals publikumsträchtigsten deutschen Filmstars erstmals gemeinsam vor der Kamera versammeln.

6. You Are Wanted (2017)

Als erste deutsche Eigenproduktion von Amazon Video entwickelte Matthias Schweighöfer mit seinem Team die Thrillerserie You Are Wanted. Er selbst spielt die Hauptfigur Lukas Franke, dessen Leben von einem Hacker so weit manipuliert wird, dass er unter akuten Terrorverdacht gerät und sich daraufhin notgedrungen auf die Suche begibt, die Zusammenhänge aufzuspüren. Als weltweit erste Serie wurde „You Are Wanted“ komplett in Ultra-HD-Auflösung gedreht, was insbesondere in den Berliner Außenaufnahmen deutlich wird. Zwölf Episoden, aufgeteilt in zwei Staffeln, dauert die spannende Jagd, die mit Karoline Herfurth, Alexandra Maria Lara und Louis Hofmann stark besetzt ist.

7. Army of the Dead (2021)

In Las Vegas wimmelt es vor Zombies – das klingt wie ein ironischer Kommentar auf das Glücksspiel-Mekka mitten in der Wüste. In Zusammenhang mit Zack Snyders Action-Horror-Farce Army of the Dead ist das allerdings ziemlich wörtlich gemeint: Nach einem Bahnunfall entkommt ein Alpha-Zombie und infiziert die gesamte Stadt. Ein Team von Söldnern soll aus der verlorengegebenen Stadt Bargeld aus einem Tresor retten. Mittendrin: Matthias Schweighöfer als lustiger Safeknacker Ludwig Dieter, der sich mit den anderen nicht nur Horden von organisiert erscheinenden und sich sehr schnell bewegenden Zombies stellen muss, sondern auch einem untoten weißen Siegfried & Roy-Tiger. Ein wilder Actionspaß, der das Genre des Zombiefilms gekonnt mit Elementen des Caper-Movies kombiniert. Das Prequel Army of Thieves (2021) übrigens wurde von Matthias Schweighöfer inszeniert und koproduziert.

8. Die Schwimmerinnen (2022)

Die englisch-amerikanische Koproduktion erzählt die wahre Geschichte zweier syrischer Schwestern, die dem Krieg in der Heimat entkommen wollen. Ihre Flucht führt sie über das Mittelmeer nach Deutschland, wo sie die Chance haben, sich ihren Traum zu erfüllen: als Teil des Olympic Refugee Team an den Schwimmwettbewerben der Olympiade 2016 teilnehmen. Matthias Schweighöfer spielt in diesem bewegenden Festivalhit den Schwimmlehrer in Berlin. Mit dem Drama von Sally El Hosaini zeigt Schweighöfer eine weitere Facette seiner vielseitigen internationalen Karriere.

9. Oppenheimer (2023)

Klar: Oppenheimer ist alles andere als ein Schweighöfer-Film. Der Film belegt aber sehr eindrucksvoll den Stellenwert, den Matthias Schweighöfer zurzeit in Hollywood einnimmt. Trotz vieler historischer deutscher Figuren im Film, ist Schweighöfer der einzige deutsche Schauspieler in diesem extrem prominenten Ensemble. In einer Nebenrolle spielt er den Physiker Werner Heisenberg, der für die Nazis an einem Uran-Projekt arbeitete und den Oppenheimer entsprechend als Ansporn für seine eigenen Unternehmungen sah. Der visuell faszinierende Film von Christopher Nolan wurde mit sieben Oscars ausgezeichnet und entwickelte sich weltweit zu einem wahren Kinophänomen.

10. Girl You Know It’s True (2023)

Regisseur Simon Verhoeven verfilmte einen der größten deutschen Musikskandale: Die ultraerfolgreiche deutsche Band Milli Vanilli, die 1990 sogar einen Grammy gewinnen konnte, flog wenige Monate danach damit auf, dass die beiden Gesichter der Band gar nicht selbst singen. Was heute kaum mehr für große Beachtung sorgen würde, galt damals als enormer Vertrauensbruch. Matthias Schweighöfer spielt den Produzenten Frank Farian, der Milli Vanilli aus dem Nichts heraus erfunden und systematisch zur Hitmaschine aufgebaut hat, mit seiner Variante des fröhlichen Irrsinns, den Farian bis zum Schluss umgeben hat.

Zehn der schönsten Filme von und mit Matthias Schweighöfer: Hier kannst du sie streamen

Nachfolgend listen wir alle zehn Filme auf, inklusive der Information darüber, bei welchen deutschen Streaming-Diensten du sie schauen kannst.

Vom 24. bis 27. Juli 2025 öffnet die „San Diego Comic-Con“ wieder ihre Tore – und Streaming-Fans dürfen sich auf zahlreiche exklusive News rund um kommende Serien- und Filmhighlights freuen. Große Streaming-Dienste wie Disney+, Paramount+ und Hulu stellen Neustarts und Fortsetzungen ins Rampenlicht, präsentieren Trailer-Premieren oder gewähren tiefe Einblicke in neue Staffeln und Spin-Offs.

Die wichtigsten Serien-Highlights und Streaming-Termine der SDCC 2025

1. Alien: Earth (FX/Hulu)

Das wohl größte Serien-Highlight der Messe ist die Weltpremiere von Alien: Earth, der ersten Serienadaption des legendären Sci-Fi-Franchise. Die Serie spielt zwei Jahre vor dem ersten Alien-Film, als ein rätselhaftes Raumschiff auf der Erde abstürzt und eine völlig neue Bedrohung entfesselt wird. Zu erwarten sind auf der Comic-Con ein exklusiver erster Einblick und ein großes Q&A mit Cast und Crew.

• US-Start: ab 12. August 2025 auf Hulu
• Deutscher Start: ab 13. August 2025 auf Disney+

2. Star Trek – Strange New Worlds & Starfleet Academy (Paramount+)

Auf dem Star Trek-Panel steht die aktuell laufende dritte Staffel von Strange New Worlds im Fokus, aber auch die neue Serie Starfleet Academy bekommt ihren ersten öffentlichen Auftritt – inklusive eines „First Look“-Trailern. Die neue Serie begleitet junge Kadetten auf ihrem Weg zur Sternenflotten-Elite und verspricht frische Charaktere und spannende Abenteuer.

• Strange New Worlds, Staffel 3: Bereits seit Juli 2025 auf Paramount+
• Starfleet Academy: Konkreter Starttermin noch nicht bekannt, aber Ausblick exklusiv zur SDCC

3. Outlander: Blood of My Blood (STARZ) 

Mit Outlander: Blood of My Blood erhält das erfolgreiche Zeitreise-Universum einen mit Spannung erwarteten Prequel-Ableger. Die neue Serie erzählt die bis dahin unbekannten Liebesgeschichten von Claire und Jamie Frasers Eltern und wechselt dabei zwischen den Schauplätzen des Ersten Weltkriegs und den wilden Highlands des 18. Jahrhunderts. Auf der San Diego Comic-Con gibt es einen exklusiven ersten Blick mit Cast und Kreativen.

• US-Start: ab 8. August 2025 auf STARZ
• Deutscher Start: ab 9. August 2025 auf MagentaTV

4. Generation V, Staffel 2 (Prime Video) 

Das Spin-off von The Boys rund um die rebellischen Superschüler an der Godolkin University kehrt mit einer zweiten Staffel zurück. Der US-Start ist am 17. September 2025 bei Prime Video, die Ausstrahlung erfolgt im Wochentakt.

• US- und DE-Start: ab 17. September 2025 auf Prime Video

5. NCIS: Tony & Ziva (Paramount+) 

Lange wurde auf das Spin-off mit den beiden Fan-Favoriten gewartet – jetzt gibt es News und vermutlich einen neuen Trailer zu NCIS: Tony & Ziva.

•  US- und deutscher Start: 4. September 2025 auf Paramount+

6. Dexter: Wiedererwachen (Paramount+)

Nach der Rückkehr von Dexter in Wiedererwachen gibt es auf der SDCC ein Panel, das tiefe Einblicke und erste Informationen zu einer möglichen Fortsetzung bringen könnte. Cast und Serienmacher stehen Rede und Antwort zu den nächsten Entwicklungen.

• Bereits seit Juli 2025 auf Paramount+

7. Peacemaker, Staffel 2 (HBO Max)

John Cena und James Gunn kommen nach San Diego, um einen exklusiven Sneak Peek auf die neue Staffel Peacemaker zu präsentieren. Die actiongeladene Superhelden-Serie mit absurdem Humor geht in die zweite Runde.

• US-Start: ab 21. August 2025 auf HBO Max
• Deutscher Start: Noch nicht bekannt

8. The Walking Dead: Daryl Dixon, Staffel 3 (AMC)

Norman Reedus und Melissa McBride berichten über die neue Staffel von Daryl Dixon und stellen womöglich den neuen Trailer vor.

• US-Start ab 8. September 2025
• Deutscher Start: ebenfalls ab 8. September 2025 bei Magenta TV

9. Spartacus: House of Ashur (Starzplay)

Das Gladiatorenepos bekommt ein aufregendes Spin-off mit House of Ashur. Die Serie bringt neue Intrigen in die antike Welt Roms, mit Fokus auf Ashur, einen der skrupellosesten Gegenspieler aus dem Original. Auf der SDCC wird erstmalig der Trailer gezeigt.

• US-Start: Voraussichtlich Herbst 2025 auf Starzplay, deutscher Start noch unbekannt 

10. Percy Jackson, Staffel 2 (Disney+)

Das göttliche Abenteuer geht weiter: Die erfolgreiche Adaption der beliebten Buchreihe rund um den Halbgott Percy Jackson bekommt eine zweite Staffel. Auf der SDCC gibt es erste Clips und Updates zur Story.

•  US-Start: Voraussichtlich Winter 2025 auf Disney+, deutscher Start wahrscheinlich gleichzeitig.

Die wichtigsten Film-Highlights der SDCC 2025

1. Predator: Badlands

Im neuen Kapitel Badlands des erfolgreichen Predator-Franchise führt Dan Trachtenberg Regie, Elle Fanning spielt die Hauptrolle. Auf dem Panel wird der erste volle Trailer gezeigt, ergänzt von exklusivem Zusatzmaterial.

• US-Kinostart: 7. November 2025
• Deutscher Start: 6. November 2025

2. Tron 3: Ares

Die Fortsetzung des Sci-Fi-Kultklassikers verspricht atemberaubende Visuals und eine neue, düstere Storyline. Auf der SDCC werden neue Szenen von Tron 3: Ares vorgestellt.

• US-Kinostart: 10. Oktober 2025
• Deutscher Start: 9. Oktober 2025

3. Der Astronaut (Project Hail Mary)

Die Bestsellerverfilmung von Andy Weir zeigt Ryan Gosling in einer existenziell geladenen Sci-Fi-Rolle im All. Regisseure Phil Lord & Christopher Miller sowie der Autor selbst stellen neue Details zu Der Astronaut und exklusive Ausschnitte vor.

• US-Kinostart: 20. März 2026
• Deutscher Start: 19. März 2026

4. Five Nights at Freddy’s 2

Die Horror-Fortsetzung setzt wieder auf schaurige Animatronics: Cast und Crew von Five Nights at Freddy’s 2 enthüllen einen ersten Trailer.

• US-Kinostart: 5. Dezember 2025
• Deutscher Start: 4. Dezember 2025.

5. Nobody 2

Bob Odenkirk kehrt mit der Fortsetzung des Actionhits zurück und bringt exklusives SDCC-Material und einen Trailer zu Nobody 2 mit.

• US-Kinostart: 15. August 2025
• Deutscher Start: 21. August 2025

6. Red Sonja

Die ikonische Kriegerin bekommt ein filmisches Comeback. Fans erwartet ein Panel mit exklusiven Einblicken in Red Sonja  und den neuen Look des Fantasy-Epos.

• US-Kinostart: 15. August 2025, Streaming-Start ab 29. August 2025
• Deutscher Start: Noch unbekannt.

7. Die nächsten Horror-Tripps: Neon präsentiert Together, Shelby Oaks & Keeper

Nach dem Erfolg von Longlegs und Titane stellt Neon auf der SDCC exklusiv drei neue Horror-Titel vor.

• Together - Unzertrennlich: Der gefeierte Sundance-Film von Michael Shanks vereint Dave Franco und Alison Brie als Hauptdarsteller und Produzenten. Die Komödie mit Horror-Tönung erhielt bereits einen 100% Rating bei Rotten Tomatoes und sorgt auf der Messe für Gesprächsstoff. Deutscher Kinostart: 31. Juli 2025.
• Shelby Oaks: YouTuber und Kritiker Chris Stuckmann präsentiert sein mit Spannung erwartetes Horror-Debüt. Deutscher Kinostart: 3. Oktober 2025.
• Keeper: Osgood Perkins, gefeierter Regisseur von Longlegs, bringt mit Keeper einen neuen, düsteren Psychohorror mit auf die SDCC und gewährt den Besuchern exklusive Einblicke in seine neueste Albtraumvision. Deutscher Kinostart: 13. November 2025.

San Diego Comic-Con 2025: Die meisterwarteten Serien, Filme und Streaming-Starts

Ob Aliens, Kult-Agenten oder legendäre Monster – die San Diego Comic-Con 2025 liefert exklusiv neue Trailer, Panels sowie Einblicke in Serien und Filme. Bleib dran – unsere Streaming-Datenbank wird regelmäßig mit aktuellen Startdaten für Deutschland ergänzt, sobald neue Details bekannt werden.

Wenn sich im Spätsommer die Filmwelt am Lido versammelt und vor dem berühmten Sala Grande der rote Teppich ausgerollt wird, blickt die Branche erneut gespannt nach Venedig. Das Filmfestival versprich auch in seiner 82. Ausgabe, Treffpunkt der ganz Großen und der aufregendsten Aufsteiger des internationalen Kinos zu werden.

Renommierte Regisseurinnen und Regisseure kehren mit lang erwarteten Werken zurück, gefeierte Oscar-Gewinner präsentieren neue Filme und Streaming-Giganten wetteifern mit den nächsten Kinopremieren um die Aufmerksamkeit eines globalen Publikums. Von preisgekrönten Stammgästen bis hin zu spektakulären Weltpremieren – ein Überblick über die Filmhighlights des diesjährigen Programms in Venedig.

Bugonia

Yorgos Lanthimos und Emma Stone kehren nach ihrem gemeinsamen Oscar-Erfolg mit Poor Things (2023) in den Wettbewerb von Venedig zurück. Bugonia ist die neueste Zusammenarbeit der Beiden nach Kinds of Kindness (2024) und adaptiert als englischsprachiges Remake den südkoreanischen Kultfilm Save the Green Planet! (2003). Zwei junge Männer (u.a. Jesse Plemons) entführen darin eine Konzernchefin (Emma Stone), da sie glauben, sie sei eine außerirdische Bedrohung.

After the Hunt

Auch Luca Gudagnino (Queer, 2024) ist zurück am Lido: In After the Hunt spielt Julia Roberts die Yale-Professorin Alma, die sich plötzlich in einem persönlichen und beruflichen Dilemma befindet: Eine aussichtsreiche Studentin (Ayo Edebiri) erhebt nach einem gemeinsamen Dinner einen schwerwiegenden Vorwurf gegen ihren Kollegen, Freund und Kontrahenten (Andrew Garfield). Der schildert die Ereignisse der Nacht jedoch ganz anders. Der Thriller auf Wunsch der Amazon MGM Studios außer Konkurrenz auf dem Festival.

The Testament of Ann Lee

Auch Regisseurin Mona Fastvold stellt ihr neues Werk The Testament of Ann Lee im Wettbewerb vor. Amanda Seyfried übernimmt die Rolle von Ann Lee, der Gründerin der Shaker-Bewegung, die von ihren Anhängern als weiblicher Christus verehrt wurde. Das auf wahren Begebenheiten basierende Drehbuch hat Fastvold gemeinsam mit Brady Corbet geschrieben – beide arbeiteten schon am Oscar-Erfolg Der Brutalist (2024) zusammen.

The Smashing Machine

Benny Safdies Sportdrama erzählt die Geschichte des amerikanischen MMA-Kämpfers Mark Kerr, zweifacher UFC-Schwergewichts-Champion. Dwayne Johnson übernimmt die Hauptrolle und schlüpft in die Figur des von Sucht und privater Krise begleiteten Sportlers. Emily Blunt spielt Kerrs Ehefrau Dawn, die im Zentrum seines persönlichen Auf und Ab steht. The Smashing Machine läuft im Hauptwettbewerb und ist Safdies erster Film seit Der schwarze Diamant (2017), bei dem er gemeinsam mit seinem Bruder Josh Regie führte.

A House of Dynamite

Kathryn Bigelow präsentiert am Lido mit A House o Dynamite ihren ersten Film seit Detroit (2017). Im Zentrum des Politthrillers steht eine fiktive nationale Sicherheitskrise im Weißen Haus, in der ein Kreis an Mitarbeiter auf eine eine drohende Raketenattacke reagieren muss.  Zum Cast gehören unter anderem Idris Elba, Rebecca Ferguson und Greta Lee. Der Film soll nach einer limitierten Kinoauswertung ab 24. Oktober weltweit auf Netflix verfügbar sein.

Jay Kelly

In Noah Baumbachs (Weißes Rauschen, 2022) neue romantische Komödie erzählt die Geschichte zweier Freunde (George Clooney, Adam Sandler) mittleren Alters, die bei einem chaotischen Wiedersehen ihren jugendlichen Geist wiederentdecken – und einsehen müssen, dass sie endlich erwachsen werden müssen. Jay Kelly feiert seine Premiere im Wettbewerb und wird ab November in ausgewählten US-Kinos sowie ab Dezember auf Netflix zu sehen sein.

Frankenstein

Auch Guillermo del Toro reist mit einem Netflix-Original nach Venedig und präsentiert mit Frankenstein eine Neuinterpretation des klassischen Monsterstoffes nach Mary Shelley. Jacob Elordi ist als ikonische Kreatur zu sehen, Oscar Isaac als Dr. Victor Frankenstein und Mia Goth in als Victors Verlobte. Der Film läuft im Wettbewerb und wird ab November beim Streaming-Dienst zu sehen sein.

Father Mother Sister Brother

Jim Jarmusch (Paterson, 2016) wird mit Father Mother Sister Brother erstmals im Wettbewerb von Venedig vertreten sein: Ein Episodenfilm, in dem Cate Blanchett, Vicky Krieps, Adam Driver und Charlotte Rampling zu sehen sind. Entfremdete Geschwister treffen aufeinander und müssen sich ungelösten Konflikten und der schwierigen Beziehung zu den Eltern stellen.

No Other Choice

Südkoreas Autorenfilmer Park Chan-wook (Die Frau im Nebel, 2022) stellt in Venedig mit No Other Choice seinen zwölften Spielfilm vor, exakt 20 Jahre nach Lady Vengeance. In der düsteren Satire arbeitet Man-soo seit 25 Jahren als Experte in der Papierproduktion, bis er unerwartet entlassen wird, in eine existenzielle Krise stürzt – und schließlich beginnt, andere Jobbewerber auszuschalten. Der Film wird im Wettbewerb des Festivals laufen.

The Wizard of the Kremlin

Olivier Assayas (Irma Vep, 2022) wagt sich mit seinem Wettbewerbsbeitrag The Wizard of the Kremlin an ein großes politisches Sujet: Der Film beleuchtet den Aufstieg von Wladimir Putin im postsowjetischen Russlan, gespielt von Jude Law. Paul Dano und Alicia Vikander sind ebenfalls in zentralen Rollen zu sehen.

The Stranger

François Ozon (Gelobt sei Gott, 2019) bringt mit The Stranger eine neue Adaption des Albert Camus-Klassikers nach Venedig. Das Werk erkundet Themen wie menschliche Grausamkeit, Existenzialismus und Post-Kolonialismus im Algerien der 1930er Jahre und läuft im Wettbewerb.

In the Hand of Dante

Julian Schnabel (Van Gogh, 2018) präsentiert sein Mystery-Drama In the Hand of Dante. Oscar Isaac, Martin Scorsese, Gerard Butler und Gal Gadot übernehmen zentrale Rollen in einem Film, der sich um das Originalskript von Dantes „Göttlicher Komödie“ dreht, das zunächst auf dem Schwarzmarkt landet und in die Hände eines New Yorker Mafia Bosses gerät. Der Film läuft außer Konkurrenz und verbindet Gegenwart mit historischen Handlungssträngen.

Dead Man’s Wire

In Dead Man’s Wire erzählt Gus Van Sant (Milk, 2008) die wahre Geschichte des Geiseldramas von 1977, bei dem Anthony „Tony“ Kiritsis den Präsidenten einer Hypothekenfirma, Richard Hall, als Geisel nahm. Bill Skarsgård, Colman Domingo und Al Pacino gehören zum prominent besetzten Cast. Der Thriller wird in Venedig außerhalb des Wettbewerbs gezeigt.

Filmfestival Venedig 2025: Guillermo del Toros „Frankenstein“ und weitere Highlights im Überblick

Ob Netflix-Neustart oder Kinoweltpremieren: Auch die 82. Ausgabe der Filmfestspiele von Venedig bietet aufregende Filmhighlights. Bleib dran – unsere Streaming-Datenbank wird regelmäßig mit aktuellen Startdaten für Deutschland ergänzt, sobald neue Details bekannt werden.

Vom Kind mit melancholischem Blick in About a Boy bis zum eitlen, größenwahnsinnigen Zaren in The Great: Nicholas Hoult hat sich als vielseitiger Schauspieler etabliert. Mal als bleicher Aristokrat, mal als psychotischer Feinschmecker oder ausgehungerter Soldat der Postapokalypse: Hoult taucht mit Präzision in Figuren ein, die nicht unbedingt die Sympathieträger ihrer Geschichten sind.

Aktuell sorgt der britische Schauspieler mit seiner Verkörperung des Lex Luthor in Superman (2025) für Aufsehen. Unter der Regie von James Gunn spielt er den milliardenschweren Strippenzieher, der versucht, die Menschheit gegen den Kryptonier Clark Kent (David Corenswet) aufzubringen. Ein kalkulierender Gegner, der Nicholas Hoult die Möglichkeit gibt, seine Faszination für moralische Ambivalenz erneut zu demonstrieren.

Ein guter Anlass also, sich seine bemerkenswerten Film- und Serienauftritte näher anzusehen!

10. Skins (2007–2013)

Die britische Serie Skins erzählt vom Leben einer Gruppe Teenager im modernen Bristol – ungeschönt, direkt und mit Themen, die zuvor selten so drastisch verhandelt wurden: Drogen, Sex, psychische Krisen, Familienzerfall. Jede Episode konzentriert sich auf eine Figur und zeigt, wie instabil die scheinbar sorgenfreie Jugend tatsächlich ist. In den ersten beiden Staffeln spielte Nicholas Hoult den charismatischen, aber manipulativen Tony Stonem. Eine Figur, die bewusst mit der Loyalität der Zuschauer spielt: gleichzeitig faszinierend und abstoßend.

9. Das verschwiegene Buch (2017)

Der Film begleitet J.D. Salinger von seinen frühen Versuchen als Schriftsteller über seine Erfahrungen im Zweiten Weltkrieg bis zur Entstehung von „Der Fänger im Roggen“ und seinem freiwilligen Rückzug aus der Öffentlichkeit. Dabei zeigt er weniger das literarische Genie als den innerlich zerrissenen Menschen hinter dem Werk. Nicholas Hoult spielt Salinger als ehrgeizigen, empfindsamen und zunehmend isolierten Mann, dessen Selbstbild immer stärker mit der Realität kollidiert. Auch wenn Das verschwiegene Buch als Biopic konventionelle Wege geht, gelingt Hoult ein glaubwürdiges Porträt einer Persönlichkeit, die sich zeitlebens zwischen Ausdruckswillen und Rückzug bewegte.

8. The Great (2020-2023)

Historische Anleihen treffen auf anarchischen Humor: The Great ist eine satirische Neuinterpretation der Geschichte Katharina der Großen (Elle Fanning), die als junge Frau an den russischen Hof kommt – naiv, aber entschlossen, das Land zu modernisieren. Zwischen höfischen Intrigen, absurder Gewalt und unfassbarem Luxus kämpft sie um Macht, Liebe und politische Reformen. Nicholas Hoult spielt darin Peter III., Katharinas infantilen Ehemann. Sein Spiel pendelt gekonnt zwischen grotesker Selbstverliebtheit, kindlichem Trotz und gelegentlicher Tiefe.

7. Juror No. 2 (2024)

Clint Eastwoods Juror No. 2 erzählt nicht nur von Schuld, sondern auch davon, wie viel Mut es braucht, sie anzuerkennen: Ein Mann sitzt in der Jury – und merkt, dass er selbst mit dem Verbrechen zu tun haben könnte, über das er richten soll. Nicholas Hoult verleiht diesem innerlich taumelnden Mann, der zwischen Wahrheitspflicht und Selbsterhaltung wankt, die nötigen Nuancen, um die Spannung durchweg aufrecht zu erhalten. Keine großen Gesten, kein Pathos – sondern ein stilles Ringen, das umso eindringlicher wirkt.

6. The Banker (2020)

The Banker erzählt die wenig bekannte Geschichte zweier afroamerikanischer Unternehmer (Anthony Mackie und Samuel L. Jackson), die in den USA der 1960er-Jahre das System austricksen: Weil Schwarze kaum Zugang zum Immobilienmarkt haben, engagieren sie einen weißen Angestellten als Strohmann – nach außen das Gesicht, in Wahrheit ihr Schüler. Nicholas Hoult spielt diesen Matt Steiner, einen einfachen Arbeiter, der plötzlich die Sprache des Geldes, der Macht und der Täuschung lernen muss. Anfangs unbeholfen, dann zunehmend selbstbewusster. Hoult bringt diese Wandlung überzeugend auf den Punkt – ohne Übertreibung, aber mit Gespür für die politischen und persönlichen Konflikte, die darunter liegen.

5. The Favourite (2018)

Yorgos Lanthimos’ bitterböses Intrigenspiel am britischen Hof lebt von seinen starken Frauenrollen – aber auch Nicholas Hoult hat einen herrlich zickigen Auftritt als Lord Harley in The Favourite. Mit pudrigem Gesicht, gigantischer Perücke und spitzer Zunge stiehlt er so manche Szene. Harley ist karrieristisch, manipulativ – ein Machttaktiker, der ständig zwischen Allianzen und Eitelkeit schwankt. Eine Nebenrolle wie sie zu Nicholas Hoults Rollenwahl passt – und die zeigt, wie faszinierend Bosheit sein kann, wenn sie mit so viel Eleganz vorgetragen wird.

4. About a Boy (2002)

Eine Coming-of-Age-Komödie, die längst Kultstatus genießt: About a Boy erzählt von der ungewöhnlichen Freundschaft zwischen dem egozentrischen Junggesellen Will (Hugh Grant) und dem sensiblen Jungen Marcus – gespielt vom damals 12-jährigen Nicholas Hoult. Schon hier zeigt sich sein Talent für feine Zwischentöne: Marcus ist kein typisches Filmkind, sondern schüchtern, unbeholfen und doch unbeirrbar. Hoult gibt der Figur eine Gravitas, die ihn älter wirken lässt, als er ist. Rückblickend ist About a Boy nicht nur ein schöner Film über Außenseitertum, sondern der frühe Beweis für Hoults späteres schauspielerisches Feingefühl.

3. Mad Max: Fury Road (2015)

Imperator Furiosa (Charlize Theron) rebelliert gegen den Tyrannen Immortan Joe und flieht mit seinen versklavten Ehefrauen durch die Wüste – gejagt von einer Armee aus fanatischen Kriegern: George Millers postapokalyptische Höllenfahrt lebt von Tempo, waghalsigen Stunts und seltsam-charismatischen Figuren. Nicholas Hoult spielt Nux, einen kranken „Warboy“, der seinen Platz in Walhalla sucht. Anfangs nur fanatischer Anhänger eines brutalen Systems, entwickelt sich Nux zur überraschend tragischen Figur in Mad Max: Fury Road.

2. The Menu (2022)

Ein dekadenter Abend in einem exklusiven Restaurant eskaliert in The Menu zum tödlichen Albtraum. Nicholas Hoult spielt den Feinschmecker Tyler, der gemeinsam mit seiner Freundin (Anya Taylor-Joy) zu diesem ominösen Dinner eingeladen wird. Seine Figur ist ein elitäres, blind bewunderndes Opfer seiner eigenen Arroganz – und Hoult spielt das mit solch abstoßender Überheblichkeit, dass man als Zuschauer zwischen Mitleid für seine Begleitung und Schadenfreude über sein eigenes Schicksal schwankt. Selten wurde Fanboytum so seziert, selten war Hoult so präzise im Zurschaustellen (vermeintlich) intellektueller Eitelkeit.

1. Nosferatu (2024)

In Robert Eggers’ düsterem Remake des expressionistischen Horror-Klassikers nähert sich der Schrecken nicht mit lautem Getöse, sondern mit bedrückender Stille. Nosferatu folgt einer jungen Frau (Lily-Rose Depp), die von einem uralten Vampir (Bill Skarsgård) heimgesucht wird. Nicholas Hoult spielt ihren zunehmend gequälten Ehemann – eine Figur, die zwischen Liebe, Angst und wachsendem Wahn oszilliert. Hoult bringt dabei eine zerrissene Emotionalität auf die Leinwand: mit zurückgehaltener Panik, unterdrückter Wut und der verzweifelten Hoffnung, das Unvermeidliche aufzuhalten.

Die besten Filme und Serien mit Nicholas Hoult – und wo man sie streamen kann

Von About a Boy bis Nosferatu: Die untenstehende Liste zeigt, bei welchen Streaming-Anbietern die besten Filme mit Nicholas Hoult derzeit im Abo, als Kauf- oder Leihoption verfügbar sind.

Lange galt das DC-Universum als komplex, chaotisch und schwer durchschaubar. Unterschiedliche Zeitlinien, konkurrierende Batman-Darsteller und ein Flash, der alles neu starten, aber gleichzeitig alles behalten sollte, sorgten bei vielen für ordentlich Verwirrung. Mit dem Neustart unter James Gunn und Peter Safran beginnt jetzt jedoch eine neue Ära. Das sogenannte „New DC Universe“ startet bei null, mit frischen Figuren, einer klaren Erzählstruktur und einem übergreifenden Plan namens „Chapter One: Gods and Monsters“. Filme und Serien gehören nun zusammen, greifen inhaltlich ineinander und erzählen gemeinsam eine große Geschichte. Diese Liste zeigt die richtige Reihenfolge - übersichtlich, nachvollziehbar und komplett auf das neue DCU fokussiert.

1. Creature Commandos (2024)

Die animierte Serie Creature Commandos ist das erste Projekt, das offiziell zum neuen DC Universe zählt. James Gunn schrieb alle Folgen selbst und setzt damit schon früh die Tonalität für das gesamte Universum. Im Mittelpunkt steht diesmal ein schräger Trupp aus Monstern und Supersoldaten, die als geheime Spezialeinheit auf gefährliche Missionen geschickt werden, darunter Figuren wie Frankenstein, Weasel und die Tochter von Rick Flag. Das klingt verrückt, und das ist es auch - aber mit voller Absicht. Die Serie spielt zeitlich vor den anderen Projekten und führt wichtige Charaktere ein, die später auch in Live-Action-Filmen auftauchen und markiert somit einen zwar ungewöhnlichen, aber bedeutenden Auftakt des „New DC Universe“.

2. Superman (2025)

Der Film Superman ist der offizielle Beginn von „Chapter One: Gods and Monsters“. James Gunn inszeniert die Geschichte neu und verankert Superman von Anfang an in einer Welt, die bereits von anderen Superhelden bevölkert ist. David Corenswet übernimmt die Rolle von Clark Kent, während zum Beispiel Isabela Merced als Hawkgirl und Nathan Fillion als Green Lantern Guy Gardner und andere bekannte Namen auftauchen. Der Film unterscheidet sich bewusst von früheren Adaptionen: Superman ist hier kein isolierter Einzelgänger, sondern Teil eines größeren Netzwerks. Die Geschichte verbindet Hoffnung mit politischem Konflikt und dient als thematisches Fundament für das neue DCU.

3. Peacemaker Staffel 2 (2025)

John Cena schlüpft erneut in seine Paraderolle als Peacemaker, und diesmal ist alles ein ordentliches Stück größer, ernster und stärker eingebunden ins neue DCU. Staffel 1 spielte noch im alten DCEU, doch Staffel 2 fungiert als Brücke ins neue Universum. Die Serie knüpft erzählerisch an die Ereignisse aus Superman an und bringt Peacemakers chaotisches Universum mit neuen Figuren und frischen Verwicklungen zurück. Dabei bleibt der Ton natürlich wie gewohnt schräg und respektlos, ohne dabei auf Tiefgang zu verzichten. Emotionale Konflikte, schräge Action und gesellschaftlicher Kommentar gehen hier Hand in Hand. Wer meint, das DCU sei zu ernst, wird hier schnell eines Besseren belehrt.

4. Lanterns (2026)

Mit Lanterns geht das neue DCU in eine deutlich düsterere und kosmischere Richtung. Die Serie stellt die beiden Green Lanterns Hal Jordan und John Stewart in den Mittelpunkt. Gemeinsam ermitteln sie auf der Erde in einem rätselhaften Fall, dessen Auswirkungen das ganze Universum betreffen könnten. Geplant ist eine atmosphärisch dichte, fast noir-artige Detektivgeschichte im Sci-Fi-Gewand. Gleichzeitig dient Lanterns als Einführung in die intergalaktische Seite des DCU. Der Ton ist ernst, das Visuelle opulent, und die Figuren tief gezeichnet. Die Serie ist nicht nur für Fans der Green Lanterns relevant, sondern ein zentraler Baustein im Gesamtgefüge des neuen Universums.

5. Supergirl (2026)

Supergirl: Woman of Tomorrow zeigt eine ganz neue Seite von Kara Zor-El. Die Heldin wird nicht mehr als bloße Variante von Superman inszeniert, sondern als eigenständige, vielschichtige Figur. Sie wächst isoliert auf einem zerstörten Teil Kryptons auf, und ist geprägt von Verlust und Misstrauen gegenüber der Menschheit. Diese Erfahrungen formen eine Superheldin, die härter, direkter und unabhängiger ist als ihr berühmter Cousin. Der Film basiert auf der gefeierten Comicvorlage von Tom King und verleiht dem DCU eine emotionale Tiefe, die sich deutlich von bisherigen Filmen unterscheidet. Kara Zor-El bekommt so endlich die Bühne, die ihr lange gefehlt hat.

6. Batman: The Brave and the Bold (voraussichtlich 2027)

In The Brave and the Bold bekommt Bruce Wayne einen Neustart im DCU, und zwar nicht als Einzelgänger, sondern als Vater. Im Mittelpunkt steht seine Beziehung zu Damian Wayne, seinem biologischen Sohn, der gleichzeitig der neue Robin ist. Die Geschichte beleuchtet das familiäre Chaos, das entsteht, wenn zwei Generationen von maskierten Vigilanten aufeinandertreffen. Der Film zeigt nicht den tragischen Einzelkämpfer, sondern einen Batman im emotionalen Spagat zwischen Verantwortung, Kontrolle und echter Zuneigung. Anders als der düstere Elseworlds-Batman mit Robert Pattinson ist diese Version stärker im DCU verankert und schon jetzt bereit, Teil eines größeren Heldennetzwerks zu werden.

Nach dem Schock-Ende von Dexter: New Blood meldet sich der einstige Serienmörder zurück: Dexter: Wiedererwachen (Originaltitel: Dexter: Resurrection) beginnt mit einer Wendung, die viele (zunächst) nicht kommen sahen. Dexter hat den Schuss seines Sohnes Harrison überlebt und erwacht aus dem Koma – verändert, geschwächt, aber fest entschlossen, seinen Sohn zu finden. Der ist inzwischen untergetaucht.

In New York City beginnt Dexter eine Reise, die ihn nicht nur erneut mit seiner eigenen Vergangenheit und neuen Serienkillern, sondern auch weiter mit seiner Vaterschaft konfrontiert. Wer auf der Suche nach ähnlichen Serien ist, die ebenfalls moralisch zwielichtige Charaktere, schwierige Familienbande und abseitige Krimi-Plots bieten, sollte sich an den folgenden Titeln versuchen.

Bates Motel (2013-2017)

Bates Motel erzählt davon, wie aus einem traumatisierten Jugendlichen einer der bekanntesten Psychopathen der Filmgeschichte wird: Norman Bates, der Mörder in Alfred Hitchcocks Psycho (1950). Freddie Highmore verkörpert Norman als sensiblen, aber zunehmend die Kontrolle verlierenden Teenager, der mit seiner Mutter (Vera Farmiga) in ein abgelegenes Motel zieht und dort bald drastische Gewalt erlebt.

Bereits das Setting erinnert an Dexter: Wiedererwachen: Auch Dexters Sohn Harrison lebt zu Beginn der neuen Staffel in einem Hotel, auch er versucht einen Neuanfang – während das Trauma unaufhaltsam nachwirkt. Der zentrale Unterschied liegt in der Bewusstheit: Harrison weiß bereits, wer er ist – Norman wird erst allmählich zum Killer. Doch beide Serien beschäftigen sich damit, welchen Anteil familiäre Bande daran haben.

Sweetpea (2024)

In der britischen Serie Sweetpea steht Rhiannon Lewis (Ella Purnell) im Mittelpunkt – eine scheinbar normale junge Frau mit Job, Partner und Freundeskreis. Doch hinter der Fassade schlummert eine tief sitzende Wut, die sich regelmäßig in brutalen Fantasien und schließlich realen Gewalttaten entlädt. Rhiannon führt ein penibel doppeltes Leben, in dem sie tagsüber freundlich lächelt und nachts die dunklen Seiten ihrer Mitmenschen „korrigiert“.

Wie bei Dexter  geht es auch hier um das Spannungsfeld zwischen gesellschaftlicher Fassade, innerem Abgrund und moralischer Selbstrechtfertigung. Zwischen düsterer Komödie und Psychothriller wirkt Sweetpea bisweilen wie die weibliche und überraschend sarkastische Variante von Dexter Morgan.

Hannibal (2013-2015)

Diese visuell brillante Serie von Bryan Fuller erzählt die Vorgeschichte des berühmten Kannibalen Hannibal Lecter (Mads Mikkelsen) und seiner Beziehung zum FBI-Profiler Will Graham (Hugh Dancy). Ihre Interaktion entwickelt sich zu einem gefährlich-intimen Spiel aus Nähe, Misstrauen und gegenseitiger Manipulation. Hannibal ist zugleich ästhetisch berauschend und psychologisch verstörend – eine Serie über die Verlockung des Abgrunds. 

Wie Dexter steht Hannibal für den gut funktionierenden Psychopathen, der sein wahres Ich unter einer Maske verbirgt.In Dexter: Wiedererwachen zeigt sich außerdem eine ähnliche Dynamik, wenn auch in einer anderen, familiären Konstellation: Harrison und Dexter gefährden und brauchen einander – ein ständiger Konflikt zwischen Bindung und Vernichtung.

Fargo (seit 2014)

Fargo erzählt in jeder Staffel eine neue Geschichte von Kriminalität, moralischen Verirrungen und tragischen Zufällen – stets getragen vom Tonfall der Coen-Brüder, die mit dem gleichnamigen Film (1996) die Vorlage zur Serie lieferten. Kleinstadtcharaktere, Alltagsbanalität und groteske Gewalt spielen hier wie dort perfekt zusammen – wobei sich schwarzer Humor gekonnt mit echter Tragik abwechselt.

Dexter: Wiedererwachen setzt auf ähnliche Kontraste: Die Normalität des Alltags kollidiert mit der brutalen Realität darunter, die Figuren sind zerrissen zwischen äußerer Anpassung und innerem Instinkt – und bei allem Drama blitzt doch immer wieder ein „comic relief“ durch.

True Detective (seit 2014)

Auch hier erzählt jede Staffel eine eigene Story, wobei vor allem der erste Durchlauf ist ein düsteres Meisterwerk war: Matthew McConaughey und Woody Harrelson spielen zwei ungleiche Detectives, die über 17 Jahre hinweg einen mysteriösen Mordfall verfolgen. True Detective verknüpft klassische Krimielemente mit philosophischen Anklängen, existenzieller Leere und einem mitschwingendem tiefen Misstrauen gegenüber menschlicher Natur.

Wie in Dexter: Wiedererwachen geht es nicht nur um das „Wer war es?“, sondern um das „Was macht das mit uns?“. Auch hier sind die Figuren tief gezeichnet, gebrochen – und auf seltsame Weise verbunden durch das, was sie gesehen und getan haben. Für Fans, die an Dexter nicht nur den Mord, sondern die moralischen Folgen interessieren – und offen sind für ein wenig mehr Tiefgang.

Barry (2018-2023)

Bill Haders Barry beginnt als rabenschwarze Komödie, doch verwandelt sich im Lauf der Staffeln in ein immer finstereres Psychodrama. Barry Berkman ist ein depressiver Ex-Soldat, der als Auftragskiller arbeitet und durch einen Zufall in Los Angeles zur Schauspielerei kommt. Was wie eine absurde Prämisse klingt, wird zu einer originellen Erzählung über Schuld, Identitätsverlust und die Sehnsucht nach Erlösung.

Barry und Dexter: Wiedererwachen verbindet der zentrale Konflikt: Kann ein Mensch mit blutiger Vergangenheit ein neues Leben beginnen? Barry verheddert sich, ebenso wie Dexter und Harrison, immer wieder beim Versuch, ein neues Ich zu erschaffen.

Mare of Easttown (2021)

Kate Winslet brilliert als abgekämpfte Polizistin Mare Sheehan in dieser grandiosen Miniserie, die Krimi und Familiendrama in sich vereint. In einer Kleinstadt in Pennsylvania  wird ein junges Mädchen ermordet, während Mare nicht nur beruflich, sondern auch privat mit großen Problemen kämpft. Mare of Easttown lebt von seiner subtilen Figurenzeichnung und dem realistischen Ton: Niemand ist ganz gut oder ganz böse, jeder trägt seine Narben.

Wie in Dexter: Wiedererwachen steht das soziale Umfeld stark im Fokus: Menschen kennen sich seit Jahren, verschweigen sich aber das Wesentliche. Und beide Serien fragen, ob eine zerrüttete Familie – ob nun Sheehans oder Morgans – je wieder heil werden kann.

The Americans (2013-2018)

Ein scheinbar amerikanisches Ehepaar (Keri Russell und Matthew Rhys) lebt in den 1980ern mit zwei Kindern in der Vorstadt. Doch Philip und Elizabeth Jennings sind KGB-Agenten, die ein Doppelleben führen. The Americans ist nicht nur ein Spionagethriller, sondern vor allem eine spannende Erzählung über Lüge, Loyalität und emotionale Spaltung. Die Beziehung zu den eigenen Kindern wird zum Pulverfass, je mehr die Wahrheit ans Licht dringt.

In Dexter: Wiedererwachen zeigt sich eine ähnliche Dynamik: Vater und Sohn sind sich auf bedrückende Weise ähnlich, müssen ihre wahre Identität verschleiern und hadern auf unterschiedliche Weise mit ihren Wahrheiten.

Breaking Bad (2008-2013)

Walter White (Bryan Cranston) ist ein krebskranker Chemielehrer, der zum Meth-Koch wird, um seine Familie abzusichern – oder sich selbst zu beweisen. Breaking Bad zeigt eine der eindrucksvollsten Transformationen der Seriengeschichte. Dabei ist die (quasi) Vater-Sohn-Beziehung zu Jesse Pinkman zentral: Zuneigung wird zu Schuld, führt Manipulation und schließlich zu gegenseitiger Zerstörung.

In Dexter: Wiedererwachen hallt diese Dynamik nach: Dexter will Harrison schützen, ihn zu einem „besseren“ Killer machen – oder ihn vom Töten abhalten? Wie Walter gerät auch Dexter in einen Teufelskreis, in dem gute Absichten mitunter nur noch mehr Unheil anrichten.

Six Feet Under (2001-2005)

Eine Serie, die man als Fan von Michael C. Hall gesehen haben muss – und nicht nur als solcher: Kaum ein TV-Epos widmet sich so tiefgründig und nuanciert dem komplexen Kosmos „Familie“ wie Alan Balls Six Feet Under. Im Zentrum stehen die Fishers, die ein Bestattungsinstitut betreiben – es geht ebenso um den Alltag der einzelnen Familienmitglieder als auch darum, wie sehr der Tod das Leben formt.

Michael C. Hall spielt hier David Fisher, einen homosexuellen, innerlich mit sich hadernden Bestatter. Six Feet Under handelt mitunter vom Versuch, in einer von Tod und Verdrängung durchdrungenen Umgebung, Nähe und Normalität zuzulassen. Eine deutliche Parallele zu Dexter und den dazugehörigen Spin-Offs: der Tod als ständiger Begleiter und die Sehnsucht nach Verbindung inmitten von Verlust spielen auch dort eine zentrale Rolle.

10 Serien-Tipps für Fans von „Dexter: Wiedererwachen“: Wo man sie streamen kann

Die untenstehende Liste gibt einen Überblick darüber, wo man alle Serien, die wir Fans von Dexter: Wiedererwachen empfehlen, aktuell im Abo, als Kauf- oder Leihoption streamen kann. 

Fantastic Four: First Steps bringt Marvels bunt gewürfeltes Quartett endlich ins MCU – und das auf eine überraschend frische Art. Der Film spielt in einem Retro-Paralleluniversum, das an die 1960er-Jahre erinnert, und verzichtet komplett auf kompliziertes MCU-Lore. Das heißt: Du musst keine Filme oder Serien nachholen, um die Geschichte zu verstehen. First Steps steht für sich selbst. Trotzdem lohnt es sich für Fans, vorab ein paar Schlüsselwerke anzusehen – nicht, weil sie nötig wären, sondern weil sie mehr Kontext, Figurenhintergründe und spannende Querverbindungen liefern. Wer mehr über Galactus, Shalla-Bal, Moleman oder die Geschichte der Fantastic Four wissen will, bekommt hier alle wichtigen Antworten!

Thunderbolts (2025)

In Thunderbolts lohnt sich das Warten auf die witzige Post-Credit-Szene besonders, denn hier kannst du einen ersten Blick aufs coole Raumschiff der Fantastic Four erhaschen. Damit ist klar: Marvels sogenannte erste Familie ist bereits auf dem Weg ins Hauptuniversum des MCU. Auch wenn die Figuren selbst (noch) nicht auftreten, ist dieser kurze Moment ein kleines Signal an alle Fans, dass die Ereignisse von First Steps direkten Einfluss auf die kommenden Filme haben werden. Wer die größeren Zusammenhänge und Verknüpfungen der kommenden MCU-Phasen verstehen will, sollte Thunderbolts nicht verpassen – schon allein, um die entscheidenden Hinweise auf das nächste große Kapitel rund um die Fantastic Four mitzunehmen.

Fantastic Four (2005)

Der erste große Kinoauftritt der Fantastic Four brachte Ioan Gruffudd als Mr. Fantastic, Jessica Alba als Invisible Woman, Chris Evans als Human Torch und Michael Chiklis als The Thing auf die Leinwand – ein schlagkräftiges Quartett mit toller Chemie, das bis heute in Erinnerung bleibt. Zwar hagelte es von der Kritik negative Bewertungen, doch für eine ganze Generation war dieser Film der Einstieg ins cineastische Marvel-Universum. Der Streifen erzählt nicht nur, wie das Team durch kosmische Strahlung zu Helden wird, sondern zeigt auch ihre inneren Konflikte, Egos und Beziehungen. Julian McMahon als Doctor Doom liefert einen frühen, wichtigen Auftritt als ikonischer Marvel-Schurke. Du möchtest den popkulturellen Impact der Gruppe verstehen? Dann musst du hier unbedingt reinschauen.

Ant-Man and the Wasp: Quantumania (2023)

Die Quantenebene, alternative Dimensionen und Kang der Eroberer stehen im Zentrum dieses Films – alles Themen, die auch für die Fantastic Four entscheidend sein werden. Kang ist dabei nicht nur ein Multiversums-Schurke, sondern in einer anderen Dimension sogar mit Reed Richards verwandt, was für zukünftige Entwicklungen im MCU spannend sein könnte. Ob Kang weiterhin von Jonathan Majors verkörpert wird, bleibt allerdings unklar, nachdem der Schauspieler von seiner Ex-Partnerin der Körperverletzung und häuslicher Gewalt beschuldigt wurde. Auf jeden Fall zeigt Quantumania eindrucksvoll, wie brüchig die Grenzen zwischen den Realitäten im MCU geworden sind, und unterstreicht, in welch komplexes und vielschichtiges Universum die Fantastic Four eintreten.

Fantastic Four: Rise of the Silver Surfer (2007)

Dieses Sequel führt die Fantastic Four tiefer in die kosmischen Dimensionen des Marvel-Universums. Kritiker konnten sich nie richtig mit dem Film anfreunden, doch bei vielen Fans hat er sich längst als kleiner Kultfavorit etabliert – auch, weil er eine kindliche Naivität ausstrahlt, die modernen Superhelden-Filmen oft fehlt. Mit dem Silver Surfer betritt Norin Radd die Bühne, der als Galactus’ eindrucksvoller Herold die Erde bedroht. Erzählerisch mag der Film holprig sein, doch visuell bietet er spektakuläre Bilder und macht klar, dass es bei Marvel längst nicht nur um Konflikte auf der Erde geht. Auch die Rivalität mit Doctor Doom wird hier fortgeführt. Wer sich auf First Steps einstimmen will, findet hier wichtige Vorboten.

Fantastic Four(2015)

Das Reboot unter Josh Trank sollte vieles anders machen: düsterer, realistischer, wissenschaftlicher. Doch am Ende wurde der Film als Flop gewertet – sowohl von den Kritikern als auch von den Fans. Trotzdem lohnt es sich, ihn als Teil der Fantastic Four-Geschichte zu kennen. Hier begegnen wir den Figuren als junge Genies am Baxter Institute, die nach Planet Zero reisen, wo sie durch ein fehlgeschlagenes Experiment ihre übermenschlichen Kräfte erhalten. Besonders spannend ist, dass der Film genau das liefert, was die Marvel Studios mit First Steps wohl vermeiden wollen: liebloses Worldbuilding, schwache Charakterentwicklung und eine distanzierte Erzählweise. Daher sind sich viele Hardcore-Fans einig, dass dieses missglückte Reboot heute vor allem als Beispiel dient, was das neue F4-Abenteuer unbedingt besser machen muss.

Doctor Strange in the Multiverse of Madness (2022)

Das MCU-Abenteuer Doctor Strange in the Multiverse of Madness bringt uns das Marvel-Multiversum so nah wie nie zuvor – und liefert dabei auch einen ikonischen, wenn auch kurzen, Fantastic-Four-Moment. Auf Earth-838 taucht Reed Richards auf, gespielt von John Krasinski. Sein Auftritt mag kurz sein, doch er ist ein deutliches Signal dafür, wie Marvel seinerzeit die Fantastic Four ins größere MCU einbinden wollte. Gleichzeitig zeigt der Film die Gefahren, Abgründe und Möglichkeiten des Multiversums – ein zentrales Thema für First Steps, der in einer ganz eigenen Realität spielt. Wer verstehen möchte, was hinter dem Multiversum steckt, sollte diesen vielschichtigen Film voller spannender Figuren schon deshalb nicht verpassen.

Eternals (2021)

In Eternals lernen wir erstmals die Celestials und Deviants kennen – gottgleiche Wesen, die das Marvel-Universum bereits seit den Comics von 1976 prägen. Diese kosmischen Figuren sind auch für die Fantastic Four relevant, vor allem weil Giganto, der im Video eines Werbepartners zu First Steps auftaucht, ein Deviant-Mutant ist. Obwohl Eternals an den Kinokassen floppte, erweitert er den Blick auf die Marvel-Welt weit über die Avengers und irdische Helden hinaus und macht deutlich, wie komplex die Hierarchie der Mächte im Universum ist. Wer sich besonders gründlich auf First Steps vorbereiten möchte, erfährt hier zudem, in welchem Maßstab Galactus als Weltenverschlinger agiert – und was für eine Bedrohung er wirklich darstellt.

Wo du die oben genannten “Fantastic Four”-Filme streamen kannst

Für Fans der Fantastic Four gibt es nicht nur den kommenden MCU-Film zu entdecken, sondern auch die spannenden Titel aus unserer Liste. Von den Fox-Filmen mit Silver Surfer und Doctor Doom bis hin zu wichtigen MCU-Auftritten in Doctor Strange oder Ant-Man and the Wasp: Quantumania – all diese Filme zeichnen ein faszinierendes Bild. Sie zeigen, wie sich das Team über die Jahre entwickelt hat, welche Gegner es prägten und wie es ins größere Marvel-Universum eingebunden ist. Im JustWatch-Streaming-Guide findest du alle genannten Titel, die aktuell in Deutschland verfügbar sind. Mit unseren Filtern nach Streamingdienst, Genre oder Bewertung kannst du dir mühelos deine persönliche Fantastic-Four-Playlist zusammenstellen. Viel Spaß beim Schauen, Vergleichen und Entdecken!

James Gunn: Der Name allein weckt schon Bilder von chaotischen Superhelden, unerwarteten Wendungen und einem Humor, der nicht immer jedem schmeckt, aber dennoch alle begeistert. Vom Marvel Cinematic Universe bis hin zu DC zeigt Gunn immer wieder, dass er ein Meister darin ist, auch das Ungewöhnliche auf die große Leinwand zu bringen. Gunns Humor und seine wilden Ideen sorgen bereits seit Jahrzehnten für Begeisterung in der Filmwelt Er nimmt uns mit auf wilde Abenteuer, bei denen wir nie genau wissen, ob wir lachen, weinen oder beides gleichzeitig machen sollen. In dieser Liste findest du einige seiner bekanntesten Werke und wo du sie streamen kannst. 

 1. Superman (2025)

James Gunn schlägt mit Superman ein neues Kapitel im DC-Universum auf, und das mit einem Mix aus Nostalgie, Herz und einer überraschend frischen Vision. Nachdem das Franchise rund um den Mann aus Stahl in den letzten Jahren etwas orientierungslos wirkte, bringt Gunn genau das zurück, was lange gefehlt hat: Seele. Wer hätte gedacht, dass Superman wieder so menschlich wirken kann? Es geht nicht nur um übermenschliche Kräfte, sondern um Werte, Zweifel und den ewigen Konflikt zwischen Macht und Moral. Clark Kent ist hier kein unantastbarer Gott, sondern ein junger Held, der seinen Platz in der Welt sucht und ihn genau damit so richtig greifbar macht. Gunn ehrt hier gleichzeitig den Mythos und denkt ihn neu mit liebevollen Anspielungen, cleverem Humor und einer Prise Selbstironie. Superman ist kein Action-Feuerwerk im klassischen Stil, sondern ein modernes Heldenmärchen mit Herz, Haltung und Hoffnung.

 2. The Suicide Squad (2021) 

Gunn dreht das Rad des DC-Universums mit The Suicide Squad ordentlich durch, und das mit einer Explosion aus Humor, Action und einer guten Portion Wahnsinn. Nachdem der erste Film eher enttäuschte, hat Gunn dem Franchise neues Leben eingehaucht. Wer hätte gedacht, dass ein Film über eine Bande von losen Bösewichten so viel Spaß machen kann? Wir sprechen hier von Charakteren, die nicht nur schlecht sind, sondern richtig schlecht, aber das auf eine Art, die einfach großartig unterhält. Besonders die bunte Truppe rund um Harley Quinn, Bloodsport und Polka-Dot Man sorgt für Lacher und Gänsehaut zugleich. Es geht hier nicht nur um Action, sondern auch um viel Herz und den Versuch, eine chaotische Truppe zu einer Art „Superhelden“-Team zu machen - auf ihre ganz eigene Art.

3. Peacemaker (seit 2022) 

Peacemaker nimmt mit auf einen Trip, der so abgefahren und unterhaltsam ist, dass man gar nicht anders kann, als mitzureisen. Gunn lässt den Charakter aus „The Suicide Squad”, gespielt von John Cena, in seiner eigenen Serie die Hauptrolle spielen, und es geht schnell von null auf hundert. Peacemaker ist ein unsympathischer, aber irgendwie liebenswerter Antiheld, der sich in einem völlig schrägen Universum aus schrägen Charakteren und noch schrägeren Konflikten wiederfindet. Hier bekommt der Humor eine ordentliche Portion Chaos und eine interessante, tiefere Charakterentwicklung, die das Ganze noch unterhaltsamer macht. Die Mischung aus gewaltigen Action-Szenen und unerwartet tiefgründigen Momenten macht die Serie zu einem wahren Gunn-Klassiker.

4. Guardians of the Galaxy (2014) 

Guardians of the Galaxy ist mehr als nur ein Superheldenfilm. Es ist eine verrückte Reise durch den Weltraum, die uns eine Truppe von Außenseitern zeigt, die eher wie die chaotischen Geschwister auf einer Familienfeier wirken, statt wie tapfere Helden. Gunn kombiniert Humor mit Emotionen und Action, sodass der Film nicht nur ein visuelles Feuerwerk ist, sondern auch das Herz berührt. Besonders beeindruckend ist, wie er es schafft, die skurrilen Charaktere, von einem sprechenden Baum bis hin zu einem Waschbären, zu einer echten Familie zu machen. Dazu ist der Soundtrack schon fast ein eigenständiges Kunstwerk und sorgte für Begeisterung. Der Film fühlte sich an wie eine frische Brise im MCU, die auch neue Fans ohne viel Comic-Wissen begeistern konnte. Auch die beiden weiteren Teile Guardians of The Galaxy Vol 2 und Guardians of the Galaxy Vol 3 gehören natürlich zu Gunns Meisterwerken. 

5. Super - Shut Up, Crime! (2010)

Super ist ein Film, den man nicht so schnell vergisst. James Gunn nimmt uns mit auf eine düstere Reise, bei der ein völlig normaler Typ, gespielt von Rainn Wilson, sich plötzlich als Superheld mit einer Kettensäge als einzigem „Werkzeug“ versucht. Es ist eine Mischung aus Superhelden, schwarzem Humor und einer tiefen Auseinandersetzung mit moralischen Fragen. Gunn schafft es, die düsteren Seiten des Genres zu beleuchten, dabei aber nie den Humor aus den Augen zu verlieren. Der Film ist alles andere als gewöhnlich und zeigt auf, dass Superhelden nicht immer die strahlenden Helden sind, die wir erwarten. Es ist ein roher, schräger Blick auf das Konzept von Gut und Böse, der den Zuschauer sowohl schockiert als auch zum Nachdenken anregt.

6. Slither - Voll auf den Schleim gegangen (2006)

Slither präsentiert sich als wilder Trip durch das Horror-Genre, und zwar auf Gunns ganz eigene Art. Dieser Film kombiniert Alien-Invasionen, Körperhorror und eine gute Portion schwarzem Humor. Die Handlung dreht sich um eine Kleinstadt, die von einer außerirdischen Lebensform befallen wird, die ihre Bewohner in zombieartige Kreaturen verwandelt. Doch anstatt die klassische Horrorformel einfach durchzuziehen, bringt Gunn eine erfrischend komische Note ein, die den Film zu einer spaßigen Erfahrung macht. Slither ist ein schräger, bunter Trip, der einen das Fürchten lehrt, und das auch noch mit einem breiten Grinsen im Gesicht. Der Film zeigt deutlich, dass Gunn auch in der Horrorkomödie ein echtes Talent hat, die richtigen Töne zu treffen.

7. Tromeo & Juliet (1996)

Tromeo & Juliet ist definitiv nicht für jedermann, aber es ist genau das, was man erwarten würde, wenn James Gunn die Möglichkeit hätte, Shakespeare neu zu interpretieren. Mit ordentlich viel Chaos, Sex und unflätigem Humor liefert der Film einen vollkommen verrückten und übertriebenen Blick auf die klassische Geschichte von Romeo und Julia. Gunn liefert hier seine ersten Ideen und den typischen Humor, der im späteren Verlauf seiner Karriere immer mehr zu erkennen ist. Tromeo & Juliet ist ein völlig trashiger, aber auch erstaunlich unterhaltsamer Film, der Fans des außergewöhnlichen Humors von Gunn gefallen dürfte. Trotz seiner offensichtlichen Verrücktheit steckt viel Liebe zum Detail und zur Kunst des absurden Humors drin.

8. Brightburn – Son of Darkness (2019)

Was passiert, wenn ein Junge mit Superkräften nicht die Welt rettet, sondern sie zerstört? Genau das zeigt Brightburn - Son of Darkness. Der Film stellt die klassische Superman-Geschichte auf den Kopf und zeigt uns einen Jungen, der seine außergewöhnlichen Kräfte nicht für das Gute einsetzt, sondern Chaos anrichtet. Gunns düstere Handschrift als Produzent kommt hier perfekt zur Geltung. Der Film kombiniert Superhelden-Thematik mit Horror und liefert ein erschreckendes „Was-wäre-wenn“-Szenario. Wer Lust auf einen gruseligen, unkonventionellen Superheldenfilm hat, sollte sich diesen düsteren Thriller auf jeden Fall ansehen.

Hier kannst du die Filme und Serien von James Gunn streamen

In der untenstehenden Liste findest du die Filme und Serien von James Gunn im Überblick. Mit JustWatch erfährst du außerdem, auf welchen Plattformen du sie streamen kannst.

Lena Dunham ist eine der faszinierendsten und kontroversesten Stimmen unserer Zeit. Seit sie mit „Girls“ die TV-Welt im Sturm eroberte, hat sie sich immer wieder als eine der mutigsten und ehrlichsten Erzählerinnen etabliert. Ihre Werke sind selten langweilig, unangepasst und meist geprägt von einer Mischung aus Witz, Schmerz und scharfsinniger Beobachtung. Egal ob in TV-Shows, Filmen oder als Autorin - Dunham schafft es, auch die schwierigsten Themen wie Beziehungen, Körperwahrnehmung und die Selbstfindung in ihrer einzigartigen Art zu beleuchten. Aber was sind eigentlich ihre besten Werke? In diesem Ranking werfen wir einen Blick auf die Serien und Filme, die ihre Karriere geprägt haben und zeigen dir, wo du sie streamen kannst. 

6. Einmal Camping, immer Camping (2018)

Einmal Camping, immer Camping wollte uns auf eine lustige, aber tiefgründige Reise in den Wald entführen. Leider war es dann eher ein missglücktes Camping-Abenteuer, das im Matsch stecken blieb. Die chaotische Campinggruppe, die mit ihren eigenen Konflikten inmitten der Wildnis zu kämpfen hatte, war von Anfang an eine großartige Idee, und das Potenzial für ein großartiges Drama war da. Doch am Ende wirkte die Serie mehr wie ein überladener Rucksack mit zu vielen Problemen und wenig befriedigender Lösung. Jennifer Garner als zentrale Figur war zwar charismatisch, doch die Charaktere blieben teilweise zu übertrieben und die Konflikte zu gezwungen. Ein wenig fehlt daher die emotionale Tiefe, die wir aus anderen Dunham-Werken kennen. Die Serie bleibt daher als Versuch auf dem letzten Platz, der nicht ganz die erhoffte Wirkung erzielte.

5. Tiny Furniture (2010)

Mit diesem Projekt macht Dunham eine Liebeserklärung an das Chaotische, das Unvollkommene und das Unbequeme. Der Film, der sie als Regisseurin etablierte, zeigt eine junge Frau, die nach dem College zurück zu ihrer Mutter zieht und sich zwischen den Ruinen ihrer Zukunft und den Trümmern ihrer Hoffnungen zurechtfindet. Tiny Furniture ist so ruhig wie ein Indie-Film nur sein kann, dadurch aber auch fast ein bisschen zu ruhig. Wer allerdings auf den feinen Humor und die leisen, aber sehr echten Dramen von Dunham steht, wird hier fündig. Für den Rest ist dieser Film vielleicht ein wenig zu introspektiv. Für Indie-Fans bleibt der Film aber ein schönes Beispiel für Dunhams frühes Talent, die Widersprüche des Lebens in all ihrer Pracht darzustellen.

4. Sharp Stick (2022)

Sharp Stick könnte man als Dunhams wilden Ausflug in das Territorium der unangenehmen, aber auch faszinierenden Wahrheit über die sexuelle Entfaltung junger Frauen beschreiben. Der Film folgt einer jungen Frau, die ihre Sexualität entdeckt, was auf eine eher, nun ja, unorthodoxe Weise geschieht. Die Reise, die Sharp Stick aufzeigt, ist alles andere als geschmeidig. Es geht um schmerzhafte Entdeckungen und die Art und Weise, wie sich Identität in intimen Momenten darstellt. Der Film zieht alle Register der rohen Ehrlichkeit, die man von Dunham gewohnt ist, und das macht ihn zwar sehenswert, er ist aber nichts für Zartbesaitete. Sharp Stick bleibt ein Film, der im Gedächtnis haften bleibt, aber zu dem wahrscheinlich nicht jeder einen Zugang finden kann.

3. Too Much (2025)

Lena Dunhams neueste Serie verspricht schon jetzt, ein ernstzunehmender Erfolg zu werden. In Too Much geht es um eine Frau, die nach einer schmerzhaften Trennung nach London zieht und in der fremden Stadt nicht nur sich selbst, sondern auch die Liebe wiederfindet - oder es zumindest versucht. Es ist ein spritziger, humorvoller und tiefgründiger Blick auf Beziehungen, persönliche Entfaltung und die Frage, wie man sich nach einem Herzschmerz neu erfindet. Obwohl die Serie viele Stärken hat, fehlt ihr noch ein wenig die Nachhaltigkeit und emotionale Tiefe, um in die Fußstapfen von Dunhams bekanntesten Projekten wie Girls zu treten. Too Much bleibt aber ein aufstrebendes Projekt, das uns sicherlich noch lange begleiten wird.

2. Catherine, Lady wider Willen (2022)

Catherine, Lady wider Willen ist Dunhams liebevolle und freche Auseinandersetzung mit einem historischen Setting, das weit entfernt von den üblichen königlichen Geschichten im Mittelalter liegt. Die rebellische, junge Catherine, die gegen die restriktiven Normen ihrer Zeit kämpft, fühlt sich genauso frisch an wie jede moderne Heldin, die gegen das System ankämpft. Die brillante Bella Ramsey verkörpert die Titelrolle und bringt Catherines Mut und Witz mit einer Mischung aus Leichtigkeit und Entschlossenheit auf die Leinwand. Der Film kombiniert den Humor und die feministische Perspektive, die wir von Dunham gewohnt sind, mit einer Geschichte, die uns gleichzeitig zum Lachen und Nachdenken bringt. Es ist ein Film, der nicht nur unterhält, sondern auch die Reise einer starken Frau erzählt, die sich ihre Freiheit erkämpft.

1. Girls (2012–2017)

Girls bleibt der wohl bedeutendste Erfolg von Lena Dunham und ein unvergessenes Kapitel der modernen TV-Geschichte. Die Serie, die die chaotischen, oft unsympathischen, aber tief authentischen Leben von vier jungen Frauen in New York City verfolgt, stellte alles auf den Kopf, was wir über Frauen im Fernsehen dachten. Girls präsentierte Themen wie weibliche Sexualität, Freundschaft und die Probleme des Erwachsenwerdens auf eine Weise, wie es zuvor nie auf dem Bildschirm zu sehen war. Die Charaktere waren nicht makellos, sie waren echte, komplexe Menschen. Trotz der immer wieder aufkommenden Kritik an der mangelnden Diversität bleibt Girls ein kulturprägendes Werk, das neue Maßstäbe für die Darstellung von Frauen im TV setzte.

Lena Dunhams Filme und Serien im Ranking: Hier kannst du sie anschauen

Erfahre mit JustWatch, auf welchen Plattformen du die Filme und Serien aus dem Ranking finden kannst.

Superman ist mehr als nur der Mann aus Stahl – er ist ein Symbol. Seit fast einem Jahrhundert inspiriert er Generationen als Held, Ikone und moralischer Kompass. Kein Wunder, dass seine animierten Abenteuer mindestens so spannend, vielschichtig und emotional sind wie die Comics und Realverfilmungen, die sich seiner Figur widmen. Von nostalgischem Saturday-Morning-Charme über kühne „Was wäre wenn?“-Szenarien bis hin zu modernen, düsteren Neuinterpretationen zeigen diese Superman-Cartoons, warum der Kryptonier niemals aus der Mode kommt. Dieser Artikel ist für alle, die Superhelden lieben, Popkulturgeschichte erkunden oder einfach mitreißende Animation erleben wollen. Ob du mit den Klassikern groß geworden bist oder neugierig auf die neuesten DC-Abenteuer bist: Hier findest du die besten Superman-Cartoons aller Zeiten!

Superman: The Animated Series (1996–2000)

Diese Serie ist bis heute der Goldstandard für Superman-Fans – und das völlig zu Recht. Mit klarem, elegantem Stil, komplexen Figuren und durchdachten Storylines haben die renommierten Macher von Batman: The Animated Series auch hier echte Magie erschaffen. Clark Kent ist nicht nur der unerschütterliche Retter von Metropolis, sondern ein Mann mit Zweifeln, Humor und einem echten Herzen. Besonders stark: die dynamische Chemie mit Lois Lane, das dramatische Zusammenspiel mit Lex Luthor und Gastauftritte anderer DC-Legenden. Die Serie verbindet Action, Emotion und moralische Fragen auf eine Art, die Kinder und Erwachsene gleichermaßen abholt. Pflichtprogramm für alle, die Superman nicht nur als Symbol, sondern als vielschichtige Figur erleben wollen.

Super Friends (1973–1986)

Okay, manchmal ist es mehr Slapstick als Spannung – aber genau das macht Super Friends so kultig. Superman kämpft hier Seite an Seite mit Batman, Wonder Woman, Aquaman und Co. gegen das Böse, oft in herrlich simplen, manchmal absurd-komischen Abenteuern. Für viele Kinder der 70er- und 80er-Jahre war diese Serie der erste Kontakt mit der Justice League – und damit ein Einstieg in die Welt der DC-Superhelden. Die Animation ist charmant altmodisch, die Moral dahinter klar, die Atmosphäre voller Feel-Good-Vibes. Wer nostalgische Popkultur-Momente sucht oder einfach wissen will, wie die DC-Helden als Team erstmals animiert zusammenkamen, wird hier fündig. Ein nostalgisches und stellenweise erfrischend naives Vergnügen, das bis heute Herz und Humor transportiert.

Superman: Red Son (2020)

Ein mutiger Animationsfilm, der eine der faszinierendsten „Was wäre wenn?“-Geschichten im DC-Universum erzählt: Was, wenn Superman nicht in Kansas, sondern mitten in der Sowjetunion gelandet wäre? Statt zum Symbol amerikanischer Ideale wird er hier zur kommunistischen Ikone – mit all den politischen, moralischen und ideologischen Konflikten, die das mit sich bringt. Basierend auf dem gefeierten Comic von Mark Millar entwirft Superman: Red Son ein düsteres Paralleluniversum, das mit unseren Vorstellungen von Heldentum, Macht und Verantwortung spielt. Die Animation ist stilsicher, die Geschichte komplex und das Finale lässt einen nachdenklich zurück. Wer Superheldengeschichten mit Substanz und einem Hauch Realpolitik mag, sollte hier unbedingt reinschauen.

Justice League (2001–2004) / Justice League Unlimited (2004–2006)

Hier glänzt Superman nicht als Solokünstler, sondern mal wieder als echter Teamplayer. In Justice League kämpft er mit Batman, Wonder Woman, Flash, Green Lantern, Martian Manhunter und Hawkgirl gegen intergalaktische Bedrohungen und moralische Dilemmata. Nach zwei Staffeln wurde die Serie als Justice League Unlimited fortgesetzt – jetzt mit einem riesigen Netzwerk aus Superhelden und -heldinnen des gesamten DC-Universums. Die Geschichten reichen von epischen Team-Missionen bis zu intimen, charakterzentrierten Folgen. Beide Serien gehören untrennbar zusammen und gelten als Meilensteine der DC-Animationsgeschichte. Sie bieten starkes Writing, komplexe Figuren und einen epischen Scope, der weit über einfache „Gut gegen Böse“-Geschichten hinausgeht. Ein Muss für alle, die Superhelden intelligent, spannend und emotional erleben wollen.

All-Star Superman (2011)

All-Star Superman ist eine wunderschöne, melancholische Hommage an den Helden, der seit Jahrzehnten Generationen inspiriert. Basierend auf Grant Morrisons gefeierter Comicreihe erzählt der Film eine „letzte Superman-Story“: Clark Kent muss sich mit seiner Sterblichkeit auseinandersetzen, nachdem ihn eine tödliche Überdosis Sonnenenergie langsam auszehrt. Doch statt sich zurückzuziehen, nutzt er seine verbleibende Zeit, um die Welt ein letztes Mal besser zu machen. Der Animationsstil ist einzigartig und bleibt nah an der Vorlage, die Erzählung ist poetisch, philosophisch und emotional packend. All-Star Superman richtet sich an Fans, die den Helden von einer verletzlicheren Seite erleben möchten – aber auch an Neueinsteiger, die eine berührende, abgeschlossene Geschichte suchen.

Superman: Man of Tomorrow (2020)

Superman: Man of Tomorrow ist ein frischer, moderner Einstieg ins DC-Animationsuniversum – perfekt für alle, die Superman neu entdecken wollen. Der Film erzählt von Clarks frühen Tagen als Held, als er noch zwischen Reporterjob und Retterrolle jongliert und sich erstmals mit außerirdischen Bedrohungen wie Lobo und Parasite messen muss. Die Animation ist stylisch und etwas kantiger als frühere DC-Filme, der Humor sitzt, und die Figuren wirken menschlich und nahbar. Dabei bleibt der Film zugänglich für Neueinsteiger, ohne alte Fans zu vergraulen. Wer eine energiegeladene, zeitgemäße Origin-Story sucht, die Superman als wachsenden, lernenden Helden zeigt, ist hier genau richtig. Ein spannendes Kapitel, das Lust auf mehr macht.

Wo du noch mehr Superman-Abenteuer streamen kannst

Du willst noch tiefer in die Welt von Superman eintauchen? Im JustWatch-Streaming-Guide findest du alle Serien und Filme – von nostalgischen Klassikern bis zu den neuesten Animationshits. Egal, ob du auf altmodischen Saturday-Morning-Charme, moderne Neuinterpretationen oder epische Team-ups stehst: Mit unseren Filtern nach Anbieter, Genre oder Bewertung stellst du dir im Handumdrehen deine ganz persönliche Superman-Playlist zusammen. Viel Spaß beim Streamen, Entdecken und Durchbingen – und vergiss nicht: Mit großer Kraft kommt große Verantwortung … ach nein, Moment, das war ja der andere!

Mit einem Paukenschlag startet das Emmy-Rennen 2025: Severance führt mit beeindruckenden 27 Nominierungen das Feld an – darunter auch in der Königskategorie Beste Dramaserie.

Auf den Plätzen danach folgen The Penguin mit 24 Nennungen sowie The Studio und The White Lotus mit jeweils 23. Dahinter reihen sich The Last of Us (16), Andor und Hacks (je 14) sowie Adolescence, The Bear und The Pitt (je 13) ein.

Für HBO und Max zahlt sich das Investment in Qualität erneut aus: Die Plattformen sichern sich gemeinsam die meisten Nominierungen. Ein Überblick über die Nominierten – und wo man sie aktuell in Deutschland streamen kann.

Die fünf Serien mit den meisten Nominierungen im Überblick: 

Severance

Mit insgesamt 27 Nominierungen zählt Severance erneut zu den Favoriten der Saison. Die düstere Sci-Fi-Dramaserie von Dan Erickson besticht auch in der zweiten Staffel mit ihrer schockierenden Prämisse: Mitarbeiter eines undurchsichtigen Konzerns lassen ihr Bewusstsein am Arbeitsplatz von ihrem Privatleben abkoppeln – eine metaphorische Zuspitzung moderner Arbeitsentfremdung. Die neuen Folgen erweitern das rätselhafte Universum konsequent und unterstreichen: Severance ist eine der stilprägendsten Serien des Prestigefernsehens. Ästhetisch rigoros, thematisch beunruhigend aktuell.

The Penguin

Das düster-epische Spin-off zum Batman-Universum lässt Colin Farrell als entstellten Gangster Oswald Cobblepot in einer entfesselten Gotham-Version brillieren. The Penguin erhielt insgesamt 24 Nominierungen, darunter für Farrell als Hauptdarsteller und Cristin Milioti als seine undurchsichtige Gegenspielerin. Die Miniserie macht aus der Comicvorlage ein Gangsterdrama im Stil von The Sopranos - während die Kamera Gotham in eine kalte, nasse Alptraumwelt verwandelt. The Penguin ist weniger Superhelden-Action als nihilistisches Milieuporträt und wird genau dafür gefeiert.

The Studio

Mit 23 Nominierungen zählt The Studio zu den Überraschungshits der Comedy-Kategorie. Die bissige Satire entlarvt den täglichen Wahnsinn hinter den Kulissen eines Filmstudios und trifft damit den Nerv der Branche. Seth Rogen spielt den neuen Studioleiter, der zwischen Idealismus und Kostendruck changiert. Die Serie punktet mit Tempo, grandiosen Gaststars wie Martin Scorsese und Zoë Kravitz (beide sind für einen Emmy nominiert) und der bitteren Erkenntnis: Content rules all – auch auf Kosten der Kunst. The Studio ist eine clevere Meta-Komödie, die das Kino feiert und die Branche dahinter gnadenlos seziert.

The White Lotus

Mike Whites Luxussatire bleibt auch in der dritten Runde ein Kritikerliebling – diesmal mit 23 Nominierungen. Die neue Staffel führt vor der Kulisse eines thailändischen Luxusressorts unter anderem Sam Rockwell, Walton Goggins und Parker Posey ins Ensemble ein und lässt ihre Figuren durch subtile Intrigen, komplexe Beziehungsdynamiken und schwelende Konflikte taumeln. Die Serie glänzt weiterhin mit ihrer Mischung aus Tragik und bösem Humor. Visuell opulent und dramaturgisch geschickt verwebt, bleibt The White Lotus ein bissiges Porträt westlicher Dekadenz im Paradies. 

The Last of Us

Die gefeierte Adaption des gleichnamigen Videospiels beeindruckt mit ihrer Mischung aus emotionaler Tiefe und postapokalyptischem Thrill. The Last of Us erhielt 16 Nominierungen, darunter für Pedro Pascal und Bella Ramsey, die als ungleiches Duo durch eine zerstörte Welt reisen. Showrunner Craig Mazin inszeniert das Grauen nie reißerisch, sondern als existenzielle Erfahrung - auch in der zweiten Staffel, in der die fatalen Auswirkungen von Rachegelüsten durchexerziert werden. The Last of Us zeigt, dass Zombie-Serien nicht tot sind – wenn sie den Mut haben, über das Menschliche im Monster zu sprechen.

Alle Nominierungen im Überblick:

Beste Dramaserie

• Andor
• The Diplomat
• The Last of Us
• Paradise
• The Pitt
• Severance
• Slow Horses
• The White Lotus

Beste Comedyserie

• Abbott Elementary
• The Bear
• Hacks
• Nobody Wants This
• Only Murders in the Building
• Shrinking
• The Studio
• What We Do in the Shadows

Beste Miniserie oder Anthologieserie

• Adolescence
• Black Mirror
• Dying for Sex
• Monster: Die Geschichte Lyle and Erik Menendez 
• The Penguin

Bester Hauptdarsteller in einer Dramaserie

• Sterling K. Brown – Paradise
• Gary Oldman – Slow Horses
• Pedro Pascal – The Last of Us
• Adam Scott – Severance
• Noah Wyle – The Pitt

Beste Hauptdarstellerin in einer Dramaserie

• Kathy Bates – Matlock
• Sharon Horgan – Bad Sisters
• Britt Lower – Severance
• Bella Ramsey – The Last of Us
• Keri Russell – The Diplomat

Bester Hauptdarsteller in einer Comedyserie

• Adam Brody – Nobody Wants This
• Seth Rogen – The Studio
• Jason Segel – Shrinking
• Martin Short – Only Murders in the Building
• Jeremy Allen White – The Bear

Beste Hauptdarstellerin in einer Comedyserie

• Uzo Aduba – The Residence
• Kristen Bell – Nobody Wants This
• Quinta Brunson – Abbott Elementary
• Ayo Edebiri – The Bear
• Jean Smart – Hacks

Bester Hauptdarsteller in einer Miniserie oder Anthologieserie

• Colin Farrell – The Penguin
• Stephen Graham – Adolescence
• Jake Gyllenhaal – Aus Mangel an Beweisen
• Brian Tyree Henry – Dope Thief
• Cooper Koch – Monster: Die Geschichte von Lyle and Erik Menendez

Beste Hauptdarstellerin in einer Miniserie oder Anthologieserie

• Cate Blanchett – Disclaimer
• Meghann Fahy – Sirens
• Rashida Jones – Black Mirror
• Cristin Milioti – The Penguin
• Michelle Williams – Dying for Sex

Bester Nebendarsteller in einer Dramaserie

• Zach Cherry – Severance
• Walton Goggins – The White Lotus
• Jason Isaacs – The White Lotus
• James Marsden – Paradise
• Sam Rockwell – The White Lotus
• Tramell Tillman – Severance
• John Turturro – Severance

Beste Nebendarstellerin in einer Dramaserie

• Patricia Arquette – Severance
• Carrie Coon – The White Lotus
• Katherine LaNasa – The Pitt
• Julianne Nicholson – Paradise
• Parker Posey – The White Lotus
• Natasha Rothwell – The White Lotus
• Aimee Lou Wood – The White Lotus

Bester Nebendarsteller in einer Comedyserie

• Ike Barinholtz – The Studio
• Colman Domingo – The Four Seasons
• Harrison Ford – Shrinking
• Jeff Hiller – Somebody Somewhere
• Ebon Moss-Bachrach – The Bear
• Michael Urie – Shrinking
• Bowen Yang – Saturday Night Live

Beste Nebendarstellerin in einer Comedyserie

• Liza Colón-Zayas – The Bear
• Hannah Einbinder – Hacks
• Kathryn Hahn – The Studio
• Janelle James – Abbott Elementary
• Catherine O’Hara – The Studio
• Sheryl Lee Ralph – Abbott Elementary
• Jessica Williams – Shrinking

Bester Nebendarsteller in einer Miniserie oder Anthologieserie

• Javier Bardem – Monster: Die Geschichte von Lyle and Erik Menendez 
• Bill Camp – Aus Mangel an Beweisen
• Owen Cooper – Adolescence
• Rob Delaney – Dying for Sex
• Peter Sarsgaard – Aus Mangel an Beweisen
• Ashley Walters – Adolescence

Beste Nebendarstellerin in einer Miniserie oder Anthologieserie

• Erin Doherty – Adolescence
• Ruth Negga – Aus Mangel an Beweisen
• Deirdre O’Connell – The Penguin
• Chloë Sevigny – Monster: Die Geschichte von Lyle and Erik Menendez
• Jenny Slate – Dying for Sex
• Christine Tremarco – Adolescence

Bester Fernsehfilm

• Bridget Jones: Verrückt nach ihm
• The Gorge
• Mountainhead
• Nonnas
• Rebel Ridge

Streaming-Guide zu den Emmys 2025: Alle nominierten Serien

Die 77. Emmy Awards werden am 14. September in Los Angeles vergeben. Gastgeber ist dieses Mal Comedian Nate Bargatze. Wer bestens vorbereitet sein möchte: Die untenstehende Übersicht zeigt, wo alle nominierten Serien und Filme aktuell in Deutschland zum Streamen verfügbar sind.

Rachel Brosnahan hat sich von einer Nebenrolle in House of Cards zur gefeierten Hauptdarstellerin in The Marvelous Mrs. Maisel hochgespielt. Comedy, Thriller, Historiendrama – sie überzeugt in jedem Genre mit einer Präsenz, die im Gedächtnis bleibt. Und aktuell sorgt sie auf der Kinoleinwand für Aufsehen: Im neuen Superman-Film übernimmt Brosnahan die Rolle der legendären Lois Lane. Unser Artikel stellt zehn Highlights aus ihrer bisherigen Karriere vor, die aktuell im Stream verfügbar sind. Von preisgekrönten Serien über intensive Indie-Produktionen bis hin zu großen Kinofilmen: alle Titel sind sehenswert. Wer Brosnahans beste Rollen erleben möchte, bekommt hier einen klaren Überblick – kompakt, übersichtlich und sofort abrufbar. Für Fans und alle, die es noch werden wollen.

The Marvelous Mrs. Maisel (2017–2023)

Mit Midge Maisel hat Rachel Brosnahan als Darstellerin Fernsehgeschichte geschrieben: witzig, frech, verletzlich und mutig. The Marvelous Mrs. Maisel ist ein Farbenrausch voller Tempo, Humor und Herz – und Brosnahan ist das pulsierende Zentrum. Ihre Performance brachte ihr Emmys, Golden Globes und internationale Anerkennung ein und machte sie endgültig zum Star. Die Serie erzählt nicht nur vom Aufstieg einer weiblichen Stand-up-Komikerin im New York der späten 50er, sondern auch von Selbstbestimmung, Scheitern und Neuanfang. Wer eine Serie sucht, die mitreißt, immer smart bleibt und dabei beste Unterhaltung liefert, ist hier goldrichtig. Tipp: Unbedingt im Originalton schauen, um alle Pointen, Sprachwitze und Nuancen mitzunehmen!

House of Cards (2013–2015)

Als Rachel Posner übernimmt Rachel Brosnahan eine kleine, aber zentrale Rolle: eine junge Frau, deren Beziehung zu Doug Stamper einen der spannendsten und emotional aufgeladensten Handlungsstränge der Serie prägt. Ihr Spiel ist nuanciert, intensiv und zieht selbst neben Stars wie Kevin Spacey und Robin Wright alle Blicke auf sich. Hier zeigt Brosnahan eindrucksvoll, warum sie als eine der spannendsten Schauspielerinnen ihrer Generation gilt – leise, präzise, eindringlich. House of Cards ist nicht nur ein spannender Politthriller, sondern auch ein Meilenstein des modernen Serienfernsehens. Thriller-Fans kommen voll auf ihre Kosten, alle anderen entdecken eine Serie, die Machtspiele, Manipulation und Abgründe brillant in Szene setzt.

I’m Your Woman (2020)

In I’m Your Woman spielt Rachel Brosnahan eine junge Hausfrau, die nach einem gescheiterten Coup ihres Mannes mit einem Baby auf der Flucht ist. Der Neo-Noir-Thriller besticht durch seine ruhige Erzählweise, dichte Atmosphäre und eine Brosnahan, die hier eine ganz andere Seite zeigt: verletzlich, entschlossen, rau und weit entfernt von ihrer bekanntesten Rolle in The Marvelous Mrs. Maisel. Regisseurin Julia Hart setzt auf leise Spannung statt Action und taucht tief in das Innenleben einer Frau ein, die sich plötzlich selbst behaupten muss. Für Fans von Crime-Dramen mit 70er-Flair ist dieser Film ein Geheimtipp – ein intensives, stilvolles Genre-Stück, das Brosnahans Wandlungsfähigkeit eindrucksvoll unter Beweis stellt.

Manhattan (2014–2015)

Manhattan ist ein historisches Drama rund um das streng geheime Manhattan-Projekt, das die erste Atombombe entwickelte – und Rachel Brosnahan mittendrin als Abby Isaacs, die Ehefrau eines Wissenschaftlers. Die Serie verwebt Ehekonflikte, gesellschaftliche Zwänge, moralische Fragen und wissenschaftliche Durchbrüche zu einem komplexen, fesselnden Gesamtbild. Brosnahan überzeugt hier mit emotionaler Tiefe, Subtilität und einer Präsenz, die klar zeigt, dass sie in jedem Genre brillieren kann. Sie verkörpert eine Frau, die zwischen Loyalität, Angst und wachsendem Zweifel hin- und hergerissen ist. Für Fans von anspruchsvollem, historischen Drama bietet Manhattan nicht nur Spannung, sondern auch starke Figuren und packende persönliche Konflikte – eine unterschätzte Serie, die sich definitiv lohnt.

Der Spion (2020)

Der Spion ist ein packender Spionagethriller mit Benedict Cumberbatch in der Hauptrolle – und Rachel Brosnahan als Emily Donovan, eine CIA-Agentin, die einen britischen Geschäftsmann für eine riskante Mission im Kalten Krieg rekrutiert. Der Film erzählt die wahre Geschichte von Greville Wynne, der geheime Informationen aus der Sowjetunion schmuggelte, und verbindet dabei persönliches Drama mit politischem Nervenkitzel. Brosnahan bringt als Agentin sowohl Härte als auch Menschlichkeit ins Spiel und zeigt eine weitere Facette ihres Könnens. Für Fans von Agentenstories, historischen Stoffen und subtiler Spannung ist The Courier genau die richtige Wahl: ein elegant erzähltes, intelligent gespieltes Drama mit viel atmosphärischem Druck.

Boston (2016)

Boston erzählt die Ereignisse rund um den Boston-Marathon-Anschlag 2013 und ist ein intensives, emotional aufwühlendes Drama mit starker Besetzung. Rachel Brosnahan übernimmt eine Nebenrolle als Ehefrau eines Opfers – ein kleiner, aber prägnanter Auftritt, der inmitten des Chaos leise, menschliche Momente setzt. Der Film kombiniert Polizeiarbeit, Zeugenschicksale und die emotionale Verarbeitung der Katastrophe zu einem spannenden und bewegenden Gesamtbild. Brosnahans Rolle zeigt, wie viel sie selbst aus kurzen Szenen herausholen kann. Für Zuschauerinnen und Zuschauer, die sich auf schwere Themen einlassen können, bietet Patriots Day einen wichtigen, respektvollen Blick auf reale Ereignisse – nichts für schwache Nerven, aber ein sehenswertes Kapitel in Brosnahans Filmografie.

Louder Than Bombs (2015)

Mit Isabelle Huppert, Jesse Eisenberg und Gabriel Byrne stark besetzt, ist Louder Than Bombs ein stilles, komplexes Familiendrama. Der Film erzählt von Verlust, Erinnerung und den Spannungen, die zwischen Familienmitgliedern entstehen, wenn das Unausgesprochene plötzlich an die Oberfläche kommt. Rachel Brosnahan übernimmt hier eine Nebenrolle, doch sie nutzt jeden Moment auf der Leinwand, um einmal mehr zu zeigen, wie viel Tiefe selbst in kleinen Figuren stecken kann. Ihre subtile Präsenz fügt sich nahtlos in das fragile Beziehungsgeflecht der Hauptfiguren ein. Wer Filme mag, die sich Zeit nehmen, komplexe Emotionen auszuloten, findet hier ein stark gespieltes, nachdenkliches Werk – ein Geheimtipp für Fans anspruchsvoller Familiengeschichten.

Burn Country (2016)

Burn Country ist ein düsterer, atmosphärischer Indie-Thriller über einen Exil-Journalisten aus Afghanistan, der in einer kalifornischen Kleinstadt landet und dort in dunkle Geheimnisse verwickelt wird. Rachel Brosnahan spielt die Tochter des örtlichen Sheriffs und bringt mit ihrer Figur eine Mischung aus Unschuld, Sehnsucht und unterschwelliger Spannung ein. Der Film ist kein Mainstream-Stoff und richtet sich klar an Fans von Independent-Produktionen, die Wert auf Atmosphäre, Charakterstudien und leise Eskalation legen. Brosnahan zeigt hier einmal mehr, wie sie auch abseits großer Rollen subtile Akzente setzt. Für alle, die sich durch ihre weniger bekannten Arbeiten schauen wollen, ist Burn Country eine sehenswerte, ungeschliffene Indie-Perle.

Olive Kitteridge (2014)

Olive Kitteridge wurde vielfach ausgezeichnet und basiert auf dem gleichnamigen Pulitzer-Roman von Elizabeth Strout. In vier Episoden erzählt die Mini-Serie mit leisen, präzisen Tönen von Ehe, Familie, Altern, Depression und den kleinen Momenten des ganz normalen Lebens. Frances McDormand brilliert in der Hauptrolle, und Rachel Brosnahan übernimmt eine kleine, aber eindrückliche Nebenrolle. Hier zeigt sie endgültig, dass ihr keine Rolle zu groß oder zu klein ist – und dass sie stets mit voller Hingabe überzeugt. Die Serie lebt von ihrer ruhigen Intensität, starken Figuren und einem außergewöhnlich sensiblen Blick auf menschliche Schwächen und Sehnsüchte. Für alle, die anspruchsvolle, literarisch angehauchte Serien schätzen, ist Olive Kitteridge ein leises, aber großes TV-Erlebnis.

The Amateur (2025)

The Amateur ist ein spannender Thriller, in dem Rachel Brosnahan als CIA-Agentin brilliert. An der Seite von Rami Malek und Laurence Fishburne spielt sie eine der zentralen Figuren in der Geschichte um einen Entschlüsselungsexperten, der nach einem tragischen Verlust gegen die eigenen Reihen arbeitet. Der Film basiert auf dem gleichnamigen Roman von Robert Littell, der bereits 1981 verfilmt wurde, und bietet dichte Spannung, moralische Grauzonen und komplexe Figuren. Brosnahan bringt Entschlossenheit und emotionale Tiefe ein – Qualitäten, die sie auch in früheren Rollen stark gemacht haben. Für alle, die Brosnahan in einer aufwendigen Romanverfilmung sehen möchten, ist The Amateur eine klare Empfehlung.

Wo du noch mehr Werke mit Rachel Brosnahan streamen kannst

Von Indie-Perlen bis Comedy-Hits: Rachel Brosnahan hat sich als vielseitige Schauspielerin etabliert, die immer wieder überrascht und in unterschiedlichsten Genres überzeugt. Wer noch tiefer in ihre Filmografie eintauchen möchte, wird im JustWatch-Streaming-Guide fündig. 

Dort kannst du gezielt nach ihren Filmen und Serien suchen, nach Genres oder Streaminganbietern filtern und dir eine persönliche Rachel-Brosnahan-Watchlist zusammenstellen. Ob Hauptrolle oder Nebenpart, ob leise Dramen, temporeiche Thriller oder kluge Comedy – Brosnahan zeigt in jeder Rolle, warum sie zu den spannendsten Gesichtern ihrer Generation gehört. Ein Blick in den Streaming-Guide lohnt sich also für alle, die mehr als nur ihre bekanntesten Auftritte erleben möchten und Lust haben, neue Facetten von ihr zu entdecken.

„König Fußball regiert die Welt“ heißt es im noch heute legendären offiziellen Lied der deutschen Nationalelf zur Weltmeisterschaft 1974. Lange Zeit aber reichte diese Regentschaft nicht weit hinein ins Reich der Filme, denn Filme, die in der Welt des Fußballs spielten, waren rar gesät. In Deutschland zumindest änderte sich das erst, als die Fußballstars auch Crosspromotion machen mussten. Uwe Seeler zum Beispiel hatte neben Heinz Erhardt einen Kurzauftritt in Willi wird das Kind schon schaukeln (1972) oder Günter Netzer in Michael Pfleghars wildem Sommersprossen (1972). Außerdem war es produktionstechnisch schwierig, nicht nur den Fußball einigermaßen spektakulär aussehen, sondern auch das entsprechende Stadion gut besucht wirken zu lassen. Die Möglichkeiten, diese Probleme zu lösen, änderten sich natürlich mit den Jahren, gipfelnd in den fantastischen Fußballbildern in der Serie Ted Lasso (2020).

Entdecke in der nachfolgenden, chronologisch sortierten Liste, auf welche spannenden, lustigen und dramatischen Arten Fußball in faszinierenden Filmen erzählt wurden, und erfahre, wo du die Filme streamen kannst.

1. Libero (1973)

Thomas Müller, Toni Kroos, Joshua Kimmich: Fast jeder namhafte Fußballspieler bekommt heute seine eigene Dokumentation, die alle ein bisschen ähnlich aussehen: Interviewstrecken mit dem Star, O-Töne anderer Stars über ihn, und das alles garniert mit Bildern wichtiger Spiele. Wigbert Wickerts Libero (1973) hingegen wirkt von Beginn an ganz anders. Zwar ist er auch als „Produkt“ konzipiert, das die Fans von Franz Beckenbauer bedienen soll, sein hybrides Format erscheint dabei aber fast modern. „So sieht es aus, das Leben eines gefeierten Fußballstars“, heißt es in einer Ankündigung zum Film. Tatsächlich aber ist Libero wie ein Spielfilm konzipiert, in dem die bekannten Persönlichkeiten sich selbst und Szenen aus ihrem Leben nachspielen. Das Ergebnis ist eine herrliche Mischung aus echten dokumentarischen Fußballbildern und mit Schauspielern wie Harald Leipnitz oder Klaus Löwitsch nachgestellten Szenen. Aus historischer Sicht: ein Knallerfilm.

2. Flucht oder Sieg (1981)

1942 in Paris, ein Show-Match zwischen einer Mannschaft aus Nazi-Topspielern und einem wild zusammengewürfelten Team aus alliierten Kriegsgefangenen – ein idealer Moment für die Flucht oder der Hochgenuss eines Triumphs gegen die verhassten Deutschen? Der Film spielt seine starke Grundprämisse mit Mitteln aus Sportfilmgenre, Thriller und Kriegsdrama gekonnt aus. Neben Filmstars wie Sylvester Stallone und Michael Caine sorgen Fußballstars von Pélé bis Bobby Moore dafür, dass die Fußballszenen sehr real wirken. Regie-Altmeister John Huston gelingt mit Flucht oder Sieg (1981) ein spannender und bis heute legendärer Fußballkrimi.

3. Nordkurve (1993)

Im Ruhrgebiet schlägt das Herz des deutschen Fußballs. Hier reiht sich Verein an Verein, und jedes Wochenende ist dutzendweise Spieltag in allen denkbaren Ligen. Regisseur Adolf Winkelmann hat mit seinem preisgekrönten Film Nordkurve (1993) dem Ruhrgebietsfußball ein grundehrliches, spannendes und quirliges Denkmal gesetzt. Rund um den fiktiven Verein Union Dortmund agieren herrliche Typen in verrückten, kleinen Geschichten, die sich zu einem treffsicheren und lustigen Kaleidoskop des wöchentlichen Fußballwahnsinns verdichten. Nach Die Abfahrer (1978) und Jede Menge Kohle (1981) schließt der Film Winkelmanns heute legendäre Ruhrpott-Trilogie. Ganz bewusst dauert dieser Film – wie das Spiel – 90 Minuten.

4. Kick It Like Beckham (2002)

Wenig überraschend avancierte die britische Komödie europaweit zum Kinohit und bedeutete für den Teenager Keira Knightley den großen Durchbruch. Der Regisseurin Gurinder Chadha gelang es perfekt, eine ganze Reihe von jungen Themen in ein Stimmungsmix aus Komik, Drama und Romantik zu verpacken. Insbesondere der Frauenfußball, der damals noch weniger als heute akzeptiert war, bekommt hier eine starke Präsenz. Der Erfolg des Films machte es möglich, dass in der Folge zahlreiche weitere Filme entstanden, die Mädchenfußball thematisierten. Die Begeisterung über den Film fand buchstäblich keine Grenzen, denn Kick It Like Beckham (2002), so wird immer wieder gerne berichtet, war 2010 der erste westeuropäische Film, der im nordkoreanischen Staatsfernsehen gezeigt wurde. Was auch immer das über den Film aussagt…

5. Das Wunder von Bern (2003)

Für Regisseur Sönke Wortmann war es ein Traumprojekt: die Verfilmung des so legendären, weil vollkommen unerwarteten Gewinns der Weltmeisterschaft 1954 in Bern. Die Bedeutung dieses Triumphs für die noch junge Bundesrepublik, keine zehn Jahre nach dem Ende der fatalen Nazidiktatur, war ungeheuer. Um diesen historischen Hintergrund zu verdeutlichen, schuf das Team um Wortmann eine Rahmenhandlung um eine Familie mitten im Ruhrgebiet, einen Kriegsheimkehrer und dessen Wiedereingliederung. Eine besondere Herausforderung des Drehs aber bestand in der Nachstellung der so ikonischen Szenen aus dem Endspiel. Wortmann, selbst einst kurz davor, Fußballprofi zu werden, legte größten Wert darauf, den Sport so authentisch wie möglich darzustellen und engagierte für die Szenen auf dem Platz Schauspieler, die alle zumindest Drittliga-Erfahrung mitbrachten. Mögen die digitalen Tricks von vor über 20 Jahren auch heute etwas altmodisch wirken: Der Film ist packend wie eh und je.

6. Looking for Eric (2009)

Wo, wenn nicht in England, könnte die enge Verbindung von Fußball und dem Gleichgewicht sozialer Strukturen so ausdrucksstark, rührend und unterhaltsam erzählt werden? Der britische Filmemacher Ken Loach gilt als der Meister des Sozialdramas, zweimal konnte er die Goldene Palme in Cannes gewinnen sowie zahlreiche andere bedeutende Filmpreise. In Looking for Eric (2009) erzählt er die Geschichte eines Postboten, dessen Lebenskrise sich derart zuspitzt, dass er eines Tages glaubt, sein großer Held Eric Cantona, legendärer ehemaliger Stürmer von Manchester United, stünde vor ihm und helfe ihm, wieder auf die Beine zu kommen.

7. Die Mannschaft (2014)

Ein lupenreiner Dokumentarfilm darf in der Liste dann doch nicht fehlen: Es ist das filmische Zeugnis des letzten WM-Siegs der deutschen Nationalelf inklusive allen Geschichten und Bildern, die sich auf ewig eingeprägt haben. Dieser unglaubliche 7:1-Sieg gegen Brasilien, Christoph Kramers Knockout und Bastian Schweinsteigers Kampf im Endspiel – neben ausführlichen Ausschnitten aus allen Spielen dokumentiert der Film aber vor allem auch, wie das Projekt „Weltmeisterschaft“ minutiös geplant und strategisch vorbereitet wurde. Aus heutiger Sicht bietet der Film vor allem einen nostalgischen Trip zurück in einen aufregenden und beglückenden Fußballsommer 2014.

8. Trautmann (2018)

Der Deutsche Bert Trautmann ist als Torwart mit über 500 Pflichtspielen bis heute eine Legende bei Manchester City. Doch seine Anfangszeit war hart: Ausgerechnet als ehemaliger deutscher Soldat und Kriegsgefangener sollte er für englische Teams spielen. Tausende demonstrierten anfangs gegen ihn, doch dank seiner Persönlichkeit und seines Teamgeists wurde Trautmann nach und nach akzeptiert. Marcus H. Rosenmüllers Film, entstanden in deutsch-britischer Koproduktion, rollt Trautmanns Geschichte auf und scheut dabei nicht, auch die Ambivalenz der Figur zu zeigen. Neben Themen wie Integration und Versöhnung kommt aber auch der Fußball nicht zu kurz mit filmisch spannend gelösten Momenten inmitten ausverkaufter Fußballarenen.

9. Ted Lasso (2020)

Klar, eigentlich geht es hier um Fußballfilme und nicht um Fußballserien. Aber seit es Ted Lasso (2020) gibt, wird man vorerst nie mehr über die filmische Aufarbeitung von Fußball reden können, ohne diese in allen Belangen großartige Serie zu erwähnen. Sie wird für alle Zeiten den Standard setzen für filmische Fußballgeschichten. Gerade aus Sicht echter Fußballfans bietet sie alles, was das Herz begehrt: ein (komödiantischer) Blick hinter die Kulissen eines englischen Profivereins, ein Underdog-Märchen, ernst genommene Fußballiebe, jede Menge Insidergags, richtig gute Fußballszenen und eine Reihe wahnsinnig liebevoll geschriebene Figuren. Im Zentrum aber der so gutmütige und gegen alle gängige Praxis arbeitende Ted Lasso, hinter dessen äußerem Sonnenschein, der allen Widrigkeiten trotzt, eine so tiefe Traurigkeit liegt. Eine Wonne, diese Serie.

10. Marinette – Kämpferin. Fußballerin. Legende (2023)

Der Film erzählt die Geschichte von Marinette Pichon, zu Beginn der 2000er eine der besten Fußballerinnen der Welt und Frankreichs Star zu einer Zeit, als der Frauenfußball dort noch nicht stark entwickelt war. Marinettes Geschichte ist eine der Emanzipation – in erster Linie von ihrem gewalttätigen Vater, der ihr das Fußballspielen verbieten wollte. Erst nach einem Wechsel in die US-Liga konnte sie sich auch finanziell unabhängig machen. Marinette – Kämpferin. Fußballerin. Legende (2023) ist das spannende und berührende Biopic einer Pionierin des modernen Frauenfußballs.

Alle zehn Fußballfilme und wo du sie streamen kannst

In der nachfolgenden Liste findest du alle genannten zehn Filme und kannst direkt erkennen, auf welchen deutschen Plattformen du sie streamen kannst.

Wenn Kinderspiele zum Todesurteil werden: Squid Game schockiert mit brutaler Spielmechanik, perfider Gesellschaftskritik und einem extrem hohen Bodycount. Staffel 1 war nur der Anfang – in Staffel 2 und 3 wurde das Konzept weitergedacht, die Intensität gesteigert und das Ganze noch perfider inszeniert.

Die Serie nutzt Kinderspiele, um moralische, wirtschaftliche und soziale Ungleichheiten gnadenlos offenzulegen. Doch welche Szenen gingen besonders unter die Haut? Wir haben die zehn brutalsten Spiele und Tode aus allen drei Staffeln ausgewählt. Plus: Du erfährst, wo du jede der entsprechenden Folgen streamen kannst. Achtung: Die folgenden Abschnitte enthalten Spoiler für alle, die noch nicht alle drei Staffeln gesehen haben!

Episode 1 – Staffel 1: Rotes Licht, grünes Licht – Das erste Massaker

Gleich das erste Spiel ist ein krasser Schockmoment: Die Teilnehmer:innen treten beim Kinderspiel Rotes Licht, grünes Licht gegeneinander an – und wer sich bei “Rot” bewegt, wird erschossen. Die ersten Toten fallen völlig überraschend, es bricht Panik aus, Menschen rennen panisch umher, werden von Maschinengewehren niedergemäht. Die Wucht der Gewalt trifft alle unvorbereitet. Besonders brutal: der Wechsel zwischen kindlich-fröhlichem Soundtrack und eiskalter Exekution. Kein Entkommen, kein Verhandeln – nur das brutale Einhalten einer absurden Regel. Visuell und dramaturgisch ist die Szene ein perfekter Auftakt: grell, gnadenlos, präzise inszeniert. Ein Blutbad, das als psychologischer Stresstest dient – und das Publikum ebenso erschüttert wie die Spieler:innen.

Episode 3 – Staffel 1: Dalgona – Tod durch Zuckerbruch

Ein vermeintlich simples Spiel wird zum Höllentrip: Die Spielenden müssen mit einer Nadel eine geometrische Form aus fragiler Zuckermasse herauslösen – ohne sie zu zerbrechen. Wer scheitert, wird ohne Vorwarnung exekutiert. Der Druck steigt ins Unermessliche: Angstschweiß, zitternde Hände, panische Blicke. Als ein Spieler die Figur bricht, fällt der Schuss – direkt, kalt, kommentarlos. Besonders verstörend ist der Kontrast zwischen der bonbonbunten Kulisse und der tödlichen Konsequenz bei Fehlern. Die brutale Gewalt lauert hier unter der Oberfläche und droht jeden Moment auszubrechen. Dass Gi-hun am Ende die Form ableckt, um zu überleben, zeigt: In dieser Welt triumphiert nicht Stärke, sondern Cleverness – oft um den Preis der Würde.

Episode 6 – Staffel 1: Das Murmelspiel – Verrat unter Freunden

In einem der emotional schwersten Spiele treten die Teilnehmenden in Zweierteams gegeneinander an – eine Person gewinnt, die andere stirbt. Besonders tragisch: Ali vertraut seinem Partner Sang-woo und wird auf perfide Weise hintergangen. Der Zuschauer weiß, was Ali nicht ahnt: Seine Murmeln wurden heimlich durch wertlose Steine ersetzt. Als er den Betrug bemerkt, wird er ohne Zögern erschossen. Kein Spektakel, kein Blutrausch – nur ein stiller, kalt kalkulierter Verrat. Diese Szene ist ein Tiefpunkt der Menschlichkeit, die Squid Game so konsequent seziert. Hier stirbt nicht nur eine Figur – hier sterben Vertrauen, Naivität und der Glaube an Loyalität. Und genau das trifft uns härter als jede Kugel.

Episode 7 – Staffel 1: Die Glasbrücke – Tritt ins Nichts

Die Regeln sind simpel: Wer auf normales Glas tritt, stirbt – nur gehärtetes Spezialglas trägt das Gewicht. Die Spielenden müssen über 18 Felder hinweg den richtigen Weg finden, wobei jede Entscheidung tödlich enden kann. Besonders fies: Die Reihenfolge wird zufällig bestimmt, was bedeutet, dass die vorderen Personen fast zwangsläufig geopfert werden. Jeder Sprung gleicht einem Münzwurf zwischen Leben und Tod. Die Szene wird zur psychologischen Zerreißprobe, in der Verzweiflung, Taktik und nackte Angst aufeinandertreffen. Kaum scheinen die Teilnehmenden das System zu durchschauen, greift die Spielleitung ein – und schaltet das Licht ab. Ein gezielter, grausamer Kontrollverlust. Die Glasbrücke ist mehr als nur ein Spiel: Sie wird zum Symbol für eine Gesellschaft, die über Leben und Tod nach Effizienzprinzip entscheidet.

Episode 1 – Staffel 3: Hide & Seek – Verstecken im Albtraum

Dieses Spiel der dritten Staffel gilt unter Fans als besonders fiese Herausforderung: In einem verschachtelten Komplex aus engen Gängen und Räumen müssen sich die Teilnehmenden verstecken, während ausgewählte Jäger:innen sie aufspüren und eliminieren. Es gibt kein festes Zeitlimit, keine Hinweise – nur viel Angst, eine klaustrophobische Stimmung und die unbarmherzige Gewissheit, gejagt zu werden. Wer entdeckt wird, stirbt sofort. Die psychologische Belastung ist enorm, denn niemand weiß, wo die Gefahr lauert. Schreie hallen durch das Labyrinth, während das Spiel zu einem weiteren Kampf ums nackte Überleben wird. Hide and Seek ist kein taktisches Game mehr – es ist eine rohe, instinktgetriebene Überlebensübung. Und ein Albtraum gleich auf mehreren Ebenen.

Episode 5 – Staffel 3: Sky Squid Game – Absturz mit Todesfolge

Das traditionelle Tintenfischspiel aus Staffel 1 kehrt zurück – doch diesmal in tödlicher Höhe. Die Teilnehmenden bewegen sich zwischen Plattformen über einem tiefen Abgrund und müssen das “Spielfeld” nach festen Regeln überqueren. Wer daneben tritt oder gestoßen wird, stürzt in die Tiefe und stirbt. Hier ist jeder Fehler endgültig und ein kleiner Moment der Unachtsamkeit kann bereits das Ende bedeuten.. Der physische Einsatz ist enorm: Balance, Kraft und Timing entscheiden über Leben und Tod. Statt symbolischem Bodenkampf wird das Spiel zu einem realen Hochseilakt mit tödlichem Ausgang. Sky Squid Game überträgt die bekannte Spielmechanik in ein neues Setting – radikaler, gefährlicher, endgültiger. Es ist kein Duell mehr – es ist ein buchstäblicher Tanz am Abgrund.

Episode 3 – Staffel 3: Jump Rope – Rhythmus des Todes

In Episode 3 der dritten Staffel müssen die Teilnehmenden eine schmale, erhöhte Brücke überqueren, während ein gigantisches mechanisches Seil mit wachsendem Tempo über das Spielfeld schwingt. Jeder Sprung verlangt perfektes Timing – ein Moment des Zögerns oder ein Ausrutscher führt unweigerlich zum Absturz. Bereits zu Beginn wird eine Spielerin vom Seil getroffen und in die Tiefe geschleudert – ein schockierender Auftakt, der den tödlichen Ernst des Spiels sofort deutlich macht. Laut Produktions-Insidern war die Brücke im Studio rund 1,5 Meter hoch, was bei den Darstellenden für spürbare Anspannung sorgte. Jump Rope kombiniert kindliche Spielsymbolik mit erbarmungsloser Konsequenz – und wird so zu einem Höhepunkt der dritten Staffel.

Episode 4 – Staffel 2: Mingle – Deadly Gruppenzwang

Im mega-bösen Spiel Mingle müssen sich die Teilnehmenden innerhalb weniger Sekunden in Gruppen exakt vorgegebener Größe zusammenfinden – etwa zu dritt, zu fünft oder zu siebt. Wer sich zu langsam bewegt, übrig bleibt oder in einer falschen Gruppengröße landet, wird sofort eliminiert. Die Spielfläche rotiert, Türen öffnen sich plötzlich, und in jeder Runde ändern sich die Regeln. Das Spiel zwingt die Teilnehmenden zur panischen Kooperation mit Fremden – ohne Zeit für Vertrauen. Schubsen, Zerren und taktische Ausgrenzung bestimmen das Chaos. Besonders bitter: Einige sterben nicht durch Fehler, sondern weil niemand sie dabei haben möchte. Mingle ist ein Spiel über kranke Gruppendynamik – und über die tödlichen Folgen sozialer Isolation unter Zeitdruck.

Episode 5 – Staffel 1: Byeong-gi – Tod des Quacksalbers

Byeong-gi, bekannt als Spieler 111, ist ein in Ungnade gefallener Arzt, der heimlich mit den maskierten Wächtern kooperiert. Gemeinsam betreiben sie illegalen Organhandel, bei dem die Körper ausgeschiedener Spieler:innen ausgeschlachtet und die Organe verkauft werden. Als die Spielleitung von der Manipulation erfährt, versucht Byeong-gi gerade zu fliehen. Doch seine Flucht endet abrupt: Ein korrupter Wächter stellt ihn und versucht, Spieler 111 zu eliminieren. Der Front Man kommt ihm aber zuvor und macht unmissverständlich klar: Der wahre Verstoß war nicht der Organhandel, sondern der Bruch der Gleichheit unter den Spielenden. In diesem System wird nicht die Unmoral bestraft, sondern der Bruch der Regeln.

Episode 4 – Staffel 2: Pentathlon – Der tödliche Qualmarathon

In Episode 4 erwartet die Teilnehmenden ein gnadenloser Mehrkampf: Jedes Teammitglied durchläuft nacheinander fünf traditionelle koreanische Kinderspiele – darunter Ddakji, Gonggi, Flying Stone, Spinning Top und Jegi. Was zunächst harmlos wirkt, entpuppt sich schnell als tödlicher Staffellauf. Ein einziger Fehler? Spiel beendet – und die jeweilige Person wird sofort eliminiert. Die Spiele sind kurz, hektisch und mental fordernd – die Squid Game-Initiatoren kennem keine Gnade. Der Körperkontakt ist minimal, doch der psychologische Druck steigt mit jeder Runde. Besonders perfide: Teamarbeit ist gefragt, aber individuelle Schwächen werden tödlich bestraft. Dieses Spiel verbindet kindliche Nostalgie mit erbarmungsloser Konsequenz – und macht klar: Wer nicht multitaskingfähig ist, hat im tödlichen Spiel keine Chance.

Wo du alle Folgen von "Squid Game" streamen kannst

Squid Game hat die Grenzen des Erträglichen mehrfach verschoben – mit einer Mischung aus Kinderspielästhetik, systematischer Gewalt und bitterböser Gesellschaftskritik. Die brutalsten Szenen brennen sich ins Gedächtnis, weil sie nicht bloß Schockeffekte liefern, sondern die Abgründe menschlicher Entscheidungen ausloten. Ob psychologischer Verrat, physischer Überlebenskampf oder stille Exekution: Diese Serie zwingt zum Hinschauen – und manchmal auch zum Wegschauen. Wer sich dieser gnadenlosen Welt stellen will, findet alle drei Staffeln von Squid Game aktuell bei Netflix. Du möchtest direkt zu bestimmten Episoden springen? Dann nutze den JustWatch-Streaming-Guide – dort kannst du gezielt nach Staffeln, Episoden oder konkreten Szenen suchen und wirst direkt zur jeweiligen Folge bei Netflix weitergeleitet.

Ob mit Krone, Schwert oder Fischflosse - Disneys Prinzessinnen haben längst den Sprung aus dem Animationsfilm geschafft. In den letzten Jahren wurden viele der großen Klassiker als Realverfilmungen neu erzählt. Und dabei ging es nicht nur um Optik: Plötzlich stehen Themen wie Selbstbestimmung, kulturelle Vielfalt oder neue Heldinnenbilder im Mittelpunkt.

Manche Filme bleiben eng an der Vorlage, andere denken die Geschichte mutig weiter. In diesem Ranking finden sich die relevantesten Realverfilmungen - von märchenhaft bis modernisiert und von nostalgisch bis kontrovers. Bei diesen Prinzessinnen geht es um die Charakterentwicklung, die erzählerische Qualität und darum, was wirklich hängenbleibt. Erfahre hier, wo du die Filme streamen kannst. 

6. Schneewittchen (2025)

Mit Schneewittchen hat sich Disney den ältesten Stoff im Repertoire vorgenommen und modernisiert ihn deutlich. Rachel Zegler verkörpert die Hauptrolle als junge Frau, die diesmal mehr ist als das schönste Mädchen im Wald. Die Geschichte setzt in der neuesten Version viel weniger auf Romantik und dafür mehr auf Eigenverantwortung.

Optisch bleibt hier vieles im Märchenhaften, aber die Figuren sind klarer gezeichnet. Gal Gadot als Königin bringt Glanz und Bedrohung zugleich. Manche Fans vermissen das klassische Märchenfeeling, andere begrüßen die frische Erzählweise. Fest steht: Dieses Schneewittchen ist nicht mehr naiv. Und genau das macht sie interessant. Trotz der wichtigen Modernisierungen erreicht sie aber noch nicht ganz die erzählerische Tiefe anderer Beiträge.

5. Mulan (2020)

Von allen Disney-Verfilmungen bricht Mulan wohl am stärksten mit der Tradition. Hier gibt es keinen Gesang, keine Sidekicks und keine überbordende Romantik. Stattdessen erzählt der Film die Geschichte als episches Kriegsdrama, inspiriert vom chinesischen Wuxia-Kino. Liu Yifei spielt Mulan als stille, entschlossene Figur, deren innere Stärke im Vordergrund steht.

Nicht alle waren begeistert: Fans des Zeichentrickfilms vermissten Leichtigkeit und Charme, kulturell gab es Kritik an der Umsetzung. Trotzdem bleibt Mulan ein ehrgeiziger Versuch, den Stoff erwachsen zu erzählen. Das Pathos wirkt manchmal aufgesetzt, doch die Bilder sind kraftvoll, und die Botschaft bleibt: Manchmal braucht es Mut, leise zu kämpfen. Als ernsthaftes Kriegsdrama hebt sich Mulan zwar ab, bleibt aber in Ton und Umsetzung teilweise unausgewogen.

4. Aladdin (2019)

Farbgewaltig, energiegeladen und mit viel musikalischem Elan: Aladdin gehört zu den Live-Action-Filmen, die ihr eigenes Tempo finden. Naomi Scott als Jasmin bringt eine neue Dimension in die Rolle, die politischer, entschlossener und mit einer klaren Vision für ihr Königreich auffällt. Der Song „Speechless“ wird zum emotionalen Kernstück und Statement zugleich. Will Smith als Dschinni geht das Wagnis ein, nicht mit Robin Williams zu konkurrieren, sondern den Part ganz neu zu denken, mit Humor, Wärme und Timing. Zwar ist nicht jede Szene gleich stark, doch als Gesamtbild überzeugt der Film mit Tempo, Witz und einer Jasmin, die wirklich etwas zu sagen hat.

Trotz starker Einzelmomente und einer überzeugenden Jasmin bleibt der Film stilistisch teilweise uneinheitlich und schafft es deshalb nicht in die Top 3.

3. Arielle, die Meerjungfrau (2023)

Kaum ein Disney-Film wurde im Vorfeld so diskutiert wie dieser und kaum einer hat sich so konsequent selbst neu erfunden. Halle Bailey spielt Arielle mit kraftvoller Stimme und einem authentischen Gefühl für jugendliche Sehnsucht. Ihre Darstellung bringt neue Tiefe, ohne die Verspieltheit der Vorlage zu verlieren.

Die Musik wurde modernisiert, einige Songs neu geschrieben, und auch die Dynamik zwischen den Figuren bekam mehr Erdung. Zwar sorgten manche CGI-Szenen für Kritik, doch Arielles emotionale Reise funktioniert. Vor allem bleibt sie nicht nur das Mädchen, das an Land will, sondern wird zur Figur, die sich aktiv entscheidet. Ein Film, der mutig neue Wege geht - nicht perfekt, dafür aber umso wichtiger. Die Neuinterpretation überzeugt durch starke Botschaften und eine präsente Hauptfigur, kämpft aber hin und wieder mit visuellen Schwächen und einem unausgewogenen Ton.

2. Cinderella (2015)

Lily James als Cinderella bringt in Kenneth Branaghs Realverfilmung mehr als nur Schönheit mit, denn ihre Figur zeigt Haltung, Anstand und eine ruhige Stärke, die dem Märchen eine ganz neue Glaubwürdigkeit verleiht. Die Geschichte bleibt zwar in erster Linie klassisch, die Tonlage ist aber diesmal wesentlich ernsthafter und aufrichtiger, und das ganz ohne dass der Disney-Zauber verloren geht. Cate Blanchett als Stiefmutter sorgte mit ihrer authentischen Ambivalenz für Begeisterung, während die atemberaubenden Kostüme immer wieder von Kritikern gelobt wurden. Der Satz „Have courage and be kind“ zieht sich wie ein roter Faden durch den Film und wirkt dabei nicht nur wie ein plumper Kalenderspruch, sondern entwickelt Tiefe. Cinderella ist eine gelungene Neuauflage, die zwar nichts revolutioniert, aber dabei trotzdem ganz viel richtig macht.

1. Die Schöne und das Biest (2017)

Mit Emma Watson als Belle hat Disney seiner Märchenwelt ein kluges, entschlossenes Gesicht gegeben. Die Realverfilmung von Die Schöne und das Biest bleibt dem Zeichentrickklassiker musikalisch treu, ergänzt aber neue Songs und kleine erzählerische Details, die das Biest komplexer und menschlicher wirken lassen. Visuell ist das Ganze ein opulenter Rausch aus Gold, Samt und Kerzenlicht und ein absolutes Fest für Fans von Kulissenkino. Was den Film auf Platz eins hebt, ist die Balance: Er trifft gleichzeitig das Gefühl des Originals und erzählt mit noch mehr Tiefe. Belle ist hier nicht einfach nur eine verträumte Dorfschönheit, sondern wird als Frau mit Haltung dargestellt. Kritiker lobten Watsons Spiel und die gelungene neue Darstellung der Welt von Die Schöne und das Biest. Diese Verfilmung ist nostalgisch und modern und dabei auch noch erstaunlich berührend. Damit gelingt Disney die stimmigkeit und berührendste Realverfilmung im Disney-Kanon.

Vaiana (2026)

Vaiana war als Animationsfilm schon ein Befreiungsschlag: keine klassische Romanze, sondern eine Coming-of-Age-Geschichte mit kultureller Verwurzelung und einer Heldin, die sich selbst genug ist. Die geplante Realverfilmung wird von Dwayne Johnson mitproduziert, inklusive einer Rückkehr als Maui.

Die Erwartungen sind hoch: Wird in Vaiana die Authentizität der polynesischen Kultur beibehalten? Bleibt der Humor? Funktioniert die musikalische Wucht auch im Realformat? Der Filmstart ist im Sommer 2026 geplant, aber klar ist schon jetzt: Diese Vaiana ist alles andere als eine Nebenrolle und dürfte sich bald einen eigenen Platz im Ranking sichern. 

Alle Live-Action Disney-Prinzessinnen des Rankings und wo du die Filme streamen kannst

In der untenstehenden Liste findest du alle Filme aus dem Ranking und siehst, auf welchen Plattformen du dir die Filme anschauen kannst.

Good Witch ist eine der beliebtesten Feel-Good-Reihen im US-amerikanischen Fernsehen. Alles begann 2008 mit einem Fernsehfilm rund um die geheimnisvolle Cassie Nightingale, die ein besonderes Talent dafür hat, mit Intuition, Herzenswärme und einem Hauch Magie das Leben ihrer Mitmenschen zu verändern.

Aus dem ersten Film entwickelte sich eine ganze Reihe – mit mehreren Fortsetzungen und einer erfolgreichen TV-Serie, die sich bis heute großer Beliebtheit erfreut. Seit vielen Jahren begleitet uns die Geschichte um Cassie in verschiedenen Formaten. Grund genug, einen genaueren Blick darauf zu werfen: In welcher Reihenfolge sollte man die Filme und die Serie schauen – und wie hängen sie zusammen?

Good Witch (2008)

Ab 2008 begann alles mit Good Witch, dem ersten Film der Reihe. Hier wird die Hauptfigur Cassandra „Cassie“ Nightingale eingeführt, die in die westamerikanische Kleinstadt Middleton zieht und dort das geheimnisvolle Grey House bezieht. Mit ihrer geheimnisvollen Art sorgt sie schnell für Aufsehen und Verunsicherung. Ist sie eine Hexe? Einige Nachbarn glauben das. Doch Polizeichef Jake Russell erkennt bald Cassies wahres Wesen: warmherzig, weise und erstaunlich zugänglich. Der Film entwickelt sich zu einer wahren Wellness-Charakterstudie. Die Magie bleibt dezent, das Zwischenmenschliche steht im Vordergrund. Good Witch ist der ideale Einstieg in das magische Universum.

Cassie – Das Geheimnis des Gartens (The Good Witch’s Garden, 2009)

Im zweiten Film der Serie, Cassie – Das Geheimnis des Gartens, wird die Geschichte von Cassie Nightingale fortgesetzt. Mittlerweile hat sie sich in Middleton bestens eingelebt. Doch ihre Gegenwart wird von einem Ereignis der Vergangenheit überschattet: Ein rätselhafter Fremder taucht auf und behauptet, der eigentliche Besitzer des Grey House zu sein . Die Idylle beginnt zu bröckeln, immer mehr Stadtbewohner misstrauen Cassie – obwohl sie sich gerade erst an sie gewöhnt hatten. Doch Jake Russell steht fest an ihrer Seite. Der Film bleibt seiner Linie treu: sanfte Magie, zwischenmenschliche Wärme und ein Hauch romantisches Drama.

Cassie – Eine verhexte Hochzeit (The Good Witch’s Gift, 2010)

In Cassie – Eine verhexte Hochzeit weihnachtet es – mitten in den Feiertagsvorbereitungen. Cassie möchte eigentlich nur eine ruhige und harmonische Hochzeit mit Jake Russell feiern. Daraus wird allerdings – natürlich – nichts, und die Vorweihnachtszeit wird mächtig von Tumulten überschattet: Ein ehemaliger Häftling taucht plötzlich in der Stadt auf, und dann verschwinden auch noch nach und nach die Geschenke. Was hat es damit auf sich? Während Middleton nervös wird, bleibt Cassie ganz gelassen – so wie wir sie eben kennen. Sie sorgt dafür, dass das Chaos verschwindet und wieder Idylle einkehrt. Wellnesskino mit Weihnachtsschleife – hier kommen Fans voll auf ihre Kosten.

Cassie – Eine verhexte Familie (The Good Witch’s Family, 2011)

Cassie Nightingale hat mittlerweile ihr Familienglück gefunden. Sie ist glücklich mit Jake verheiratet – und obendrein Bürgermeisterin von Middleton. Klingt nach perfekter Idylle. Doch dann steht plötzlich ihre Nichte Abigail vor der Tür – charmant, aber unberechenbar. Und schon gerät Cassies Alltag gehörig aus dem Takt. Abigail sorgt für Wirbel, die Stadt verliert ihr Gleichgewicht, und Cassie wird klar: Harmonie braucht Einsatz. Mit Herz, Geduld und ihrer ganz besonderen Intuition bringt sie die Dinge wieder ins Lot. Eine neue Figur bereichert das Good-Witch-Universum – und das bewährte Rezept aus Magie, Menschlichkeit und Middleton funktioniert auch diesmal tadellos. Eine echte Win-Win-Situation.

Cassie – Ein verhextes Video (The Good Witch’s Charm, 2012)

In Cassie – Ein verhextes Video erleben wir Cassie als frischgebackene Mutter – und weiterhin als Bürgermeisterin von Middleton. Doch zur Ruhe kommt sie nicht: Ein Kamerateam reist an, um eine Reportage über die Stadt zu drehen. Erst scheint alles nach positiver PR auszusehen, doch dann kippt die Stimmung. Gegenstände verschwinden, Gerüchte machen die Runde – und plötzlich steht Cassie selbst im Verdacht. Während Middleton nervös wird, bleibt sie wie immer ruhig, empathisch und lösungsorientiert. Der Film streift sogar ein wenig Medienkritik, bleibt aber warmherzig und charmant. Viel Magie, viel Menschlichkeit – ein klassisches Good-Witch-Wohlfühlpaket mit einem Hauch Aktualität.

Cassie – Ein verhexter Geburtstag (The Good Witch’s Destiny, 2013)

Cassies Geburtstag steht bevor – doch wie könnte es bei The Good Witch anders sein: Statt Kuchen und Kerzen warten dunkle Vorzeichen. Etwas stimmt nicht, ein Schatten liegt über dem Tag. Cassie spürt, dass da mehr ist, und begibt sich auf Spurensuche in ihrer eigenen Familiengeschichte. Was sie findet, sind alte Geheimnisse, vergessene Verbindungen – und ein Hauch von Vergangenheitsgrusel. Doch trotz allem bleibt das typische Middleton-Gefühl erhalten: warmherzig, leicht, charmant. Cassie – Ein verhexter Geburtstag ist eine Episode über Herkunft, Intuition und die Kraft, eigene Wege zu gehen. Mit sanfter Magie, viel Gefühl – und dem vertrauten Wohlfühl-Ton der Reihe.

Cassie – Ein verhexter Sommer (The Good Witch’s Wonder, 2014)

Cassie steht diesmal vor der Aufgabe, eine Hochzeit für andere zu organisieren – doch wie immer in Middleton läuft dabei längst nicht alles nach Plan. Ein mysteriöses Schmuckstück verschwindet, eine neue Angestellte sorgt für Unruhe, und die Kleinstadt ist plötzlich wieder voller Rätsel und Gerüchte. Cassie – Ein verhexter Sommer destilliert noch einmal all das, was die Reihe ausmacht: kleine Dramen, leise Magie, warmherzige Geschichten und charmante Charaktere. Als Abschluss der Pre-Serienfilme funktioniert der Film wunderbar – unaufgeregt, gefühlvoll, wohlig. Wer sich noch einmal an das klassische Good Witch-Gefühl kuscheln möchte, wird hier mit offenen Armen empfangen.

Good Witch – Die Serie (Staffeln 1–7, 2015–2021)

Seit 2015 begeistert die Geschichte von Cassie Nightingale auch als Serie: Good Witch. Die Dinge haben sich weiterentwickelt – Cassie lebt nun mit ihrer jugendlichen Tochter Grace in Middleton, und natürlich besitzt auch sie übersinnliche Fähigkeiten. Über sieben Staffeln hinweg begleiten wir das Mutter-Tochter-Gespann durch Alltagswirren, zwischenmenschliche Konflikte, erste Lieben und – klar – jede Menge magische Momente. Neue Figuren, neue Beziehungen und kleine wie große Herausforderungen halten das Geschehen lebendig. Die Serie bleibt dabei ihren Wurzeln treu: viel Herz, sanfte Magie, ruhiger Erzählstil. Wer die Filme mochte, findet hier eine würdige, charmante Fortsetzung des Good-Witch-Universums.

Wo du die Filme und die Serie streamen kannst

Alle Good Witch-Filme und die Serie rund um Cassie Nightingale sind auf verschiedenen Streaming-Plattformen verfügbar. Über die verlinkten Titel kannst du jederzeit prüfen, wo du die einzelnen Filme oder Staffeln aktuell anschauen kannst – ob im Abo, zum Leihen oder Kaufen. So findest du mit wenigen Klicks den passenden Streaming-Dienst für dein nächstes Wohlfühl-Wochenende mit Cassie, Grey House und jeder Menge sanfter Magie.

Eine der faszinierenden Eigenschaften von Film besteht darin, dass er dich jederzeit in Perspektiven versetzen kann, in die du sonst nie geschlüpft wärest. Und diese Eigenschaft hat sogar ein spannendes Subgenre hervorgebracht: den Körpertauschfilm.

Hier geht es nämlich ganz wortwörtlich darum, Perspektiven zu wechseln und die Welt mit anderen Augen zu sehen. Meist werden diese Geschichten komödiantisch erzählt, wie es etwa die vorbildhafte Freaky Friday-Reihe so erfolgreich vormacht. Geschichten rund um das Motiv des Körpertauschs kommen aber auch im Gewand spannender Thriller und emotionaler Dramen daher.

Nachfolgend stellen wir dir in chronologischer Reihenfolge zehn der verrücktesten „Body-Swap-Movies“ vor, die mal ungemein komisch, mal schwer romantisch, spannend oder nachdenklich ausfallen. Wo es sie zu streamen gibt, verrät dir dabei unser Guide.

1. Ein ganz verrückter Freitag (1976)

Die Erfolgsgeschichte des „Freaky Friday“-Motivs, das 2025 zum vierten Mal verfilmt wurde, nahm ihren Anfang 1972 mit Mary Rodgers. Die US-amerikanische Musical-Komponistin hatte bereits einige Jahre zuvor damit begonnen, Kinder- und Jugendbücher zu schreiben. Doch erst ihr Roman „Freaky Friday“ schlug international so nachhaltig ein, dass Walt Disney die Filmrechte erwarb. Diese erste Verfilmung Ein ganz verrückter Freitag aus dem Jahr 1976 erzählt die Grundzüge des Motivs auf die so typische Disney-Manier: mit viel Spaß und einer immer durchscheinenden Prise Didaktik. Denn der plötzliche Körpertausch von Mutter und Tochter formuliert – neben all den herrlichen Screwballszenen – natürlich eine klare familiengerechte Botschaft: Habt Verständnis füreinander.

2. Big (1988)

Für Tom Hanks bedeutete der Film den endgültigen Durchbruch: Penny Marshalls herrliche Komödie mit Romantic-Comedy-Touch kam nicht nur weltweit beim Publikum an, sondern auch bei der Filmkritik und bei der Academy, die Tom Hanks zu dessen erster Oscarnominierung verhalf. Big erzählt die Geschichte eines Jungen, der in den Körper seines Vaters wechselt und als Erwachsener nicht nur eine große Karriere in der Spielzeugindustrie macht, sondern sich auch zaghaft zum ersten Mal verliebt. Tom Hanks glänzt mit seinem enormen Komödientalent. Er sorgt für unvergessene Szenen (das Fußbodenklavier mit Robert Loggia) und appelliert sehr erfolgreich an das Kind in uns allen.

3. Switch – Die Frau im Manne (1991)

Der Tausch von Geschlechterperspektiven stellt ein sehr gängiges Motiv dieses Subgenres dar und findet ohne Zweifel seine Wurzeln in frühen Verwechslungskomödien wie „Viktor und Viktoria” oder der Travestie „Charleys Tante“, die beide in Deutschland und den USA mehrfach neu verfilmt wurden. Switch – Die Frau im Manne zählt zum Spätwerk des Komödienspezialisten Blake Edwards und erzählt die Geschichte eines unausstehlichen Machos, der nach einem gewaltsamen Tod von Gott als Frau zurückgeschickt wird mit der Aufgabe, endlich wirklich von einer Frau geliebt zu werden. Die erst recht aus heutiger Sicht nicht immer treffsicheren Gags sind aber vor allem dank Hauptdarstellerin Ellen Barkin verzeihlich, die hier großartig auftrumpfen darf.

4. Im Körper des Feindes (1997)

In John Woos zweitem Kinofilm in Hollywood tauschen seine beiden Stars John Travolta und Nicolas Cage gar nicht den gesamten Körper, sondern mittels einer speziellen Operation lediglich das Gesicht. Zweck des Eingriffs: Travoltas FBI-Agent muss dem Bruder eines gefährlichen Terroristen (Cage) den Ort einer Bombe entlocken. Damit dieser ihm traut, nimmt der FBI-Agent das Äußere seines Widersachers an – der jedoch seinerseits in die Rolle des anderen schlüpft. Das Ergebnis ist eine gnadenlose Jagd, die von John Woo im besten Stil des Hongkong-Actionthrillers der frühen 1990er Jahre umgesetzt wurde: voller ästhetisierter Schießereien und veredelt inszenierter Materialschlachten.

5. Being John Malkovich (1999)

Der ohne Zweifel im besten Sinne verrückteste Film dieser Liste ist Spike Jonzes Being John Malkovich (1999). Das Drehbuch des genialen Charlie Kaufman erzählt von einem armen Tropf, der in seinem trostlosen Büro einen geheimen Zugang entdeckt, der direkt ins Gehirn von John Malkovich führt. 15 Minuten lang lässt sich dort die Welt aus den Augen des Filmstars erleben, ehe man wieder herauskatapultiert wird. Aus dieser grandiosen Grundidee heraus entwickelt sich ein irre lustiger, liebevoll umgesetzter, einfallsreicher und dabei auch noch kluger Filmspaß rund um existenzielle Fragen von Identität und Realität.

6. 30 über Nacht (2004)

Im Grunde ist 30 über Nacht ein Zeitreisefilm, findet aber seinen eigentlich Clou im Moment des Körpertauschs. Im Mittelpunkt steht die 13-jährige Jenna, die sich in einem Augenblick großer Verzweiflung wünscht, endlich dreißig zu sein. Als sie am nächsten Morgen aufwacht, sind 17 Jahre vergangen, und mit ihrem Teenie-Bewusstsein im erwachsenen Körper erhält sie Einblick in ihr Leben als Dreißigjährige. Gut getimte Gags, gelungene Pointen in einer nostalgisch anmutenden Geschichte sowie mit Jennifer Garner und Mark Ruffalo ein Hauptdarstellerpaar, das wunderbar harmoniert: 30 über Nacht variiert das Körpertausch-Motiv in perfekter Weise zu einer herzerwärmenden Feelgood-Komödie.

7. 17 Again – Back to High School (2009)

Mike ist 37 und hat es geschafft, sich sowohl mit seiner Frau als auch mit seinen zwei Kindern zu verkrachen. So gerne würde er nochmal dort neu starten, wo sein Leben anfing, den Bach runter zu gehen: in der Highschool. Und da wir uns ja in einem Film befinden, wird sein Wunsch erhört: Mike ist plötzlich wieder 17 – allerdings in der Gegenwart. Und das hat zur Folge, dass er jetzt zusammen mit seinen Kindern die Schulbank drücken muss – eine Grundidee, die in dieser Variation mit viel Witz und Charme ausgespielt wird. Zac Efron und Matthew Perry sind die ideale Besetzung für Mike und helfen enorm dabei, das Tempo des unterhaltsamen Films stets hoch zu halten.

8. Seitenwechsel (2016)

Ein Ehepaar aus Psychologin und Fußballtrainer wacht plötzlich im jeweils anderen Körper auf: Auch im deutschen Film hat das Body-Swap-Motiv – dieses Mal auf dem Feld des Geschlechtertauschs – eine überaus gelungene Komödienvariante hervorgebracht. Von der Regisseurin Vivian Naefe wird erzählt, sie sei bereits Anfang der 1990er daran interessiert gewesen, den Körpertauschfilm Eine Frau namens Harry (1990) zu inszenieren, sei aber wegen der Besetzung von Thomas Gottschalk abgesprungen. Ob es stimmt oder nicht: Mit Seitenwechsel gelingt ihr jedenfalls 2016 ein schöner Beitrag zum Subgenre, der insbesondere dank der beiden Hauptdarsteller:innen Mina Tander und Wotan Wilke Möhring herrliche Momente hervorbringt.  

9. Everything Everywhere All At Once (2022)

Eine ganz besondere Form des Körpertauschs bildet das Zentrum des grandios verrückten und mehrfach oscarprämierten Spektakels Everything Everywhere All At Once. Darin geht es um die von Michelle Yeoh verkörperte Evelyn, chinesische Einwanderin und Betreiberin eines Waschsalons, die plötzlich und unverhofft zur Hauptprotagonistin eines Komplotts wird, das sich zwischen den Paralleluniversen abspielt, aus denen die Welt des Films gebaut ist. Während dieser wilden, wuchtigen und wahnsinnigen Jagd durch das Multiversum schlüpft Evelyn immer wieder in die unterschiedlichsten Versionen ihrer Selbst. Auch der temporeiche, spannende und teils extrem lustige Film wechselt immer wieder sein Äußeres, ist mal Science Fiction, mal Actionfilm, mal bizarre Gesellschaftssatire und vermag dennoch meisterhaft ein scheinbares Chaos unterhaltsam zu orchestrieren.

10. Aus meiner Haut (2023)

Körpertausch als spiritueller Ritus, um die eigene Identität zu hinterfragen: Alex Schaads Liebesfilm-Mystery Aus meiner Haut schickt ein kriselndes Paar auf eine geheimnisumwobene Insel, um dort an einem schamanischen Kult teilzunehmen. Sie tauschen für die Dauer des Aufenthalts die Körper mit einem zugelosten anderen Paar. Doch diese elementare neue Erfahrung bekommt nicht allen Beteiligten gleich gut und setzt unvorhersehbare Dynamiken frei. Magisch, verspielt und gleichsam spannend und unheimlich – Schaads Langfilmdebüt nutzt das Körpertausch-Motiv für einen aufregenden und vielschichtigen Trip in die Psychologie seiner Figuren.

Alle genannten Filme sind in Deutschland bei unterschiedlichen Streamingdiensten abrufbar. Alle weiteren Details verrät dir die nachstehende Liste.

Drama, Leidenschaft und jede Menge Chaos: Die After-Reihe hat sich in kurzer Zeit zu einem echten Phänomen entwickelt. Was als Fan-Fiction über eine explosive Liebesgeschichte begann, wurde zu einer der meistdiskutierten Jugendromanverfilmungen der letzten Jahre.

Im Mittelpunkt stehen Tessa und Hardin, zwei junge Menschen, die sich mit aller Macht lieben und ebenso heftig immer wieder aneinander scheitern. Die Filme setzen voll auf Emotionen: große Versöhnungen, tiefe Verletzungen und ein Gefühlskarussell, das kaum zur Ruhe kommt. Wer ihre Geschichte von Anfang bis Ende verfolgen will, ist hier genau richtig. Diese Liste zeigt dir alle Filme in der richtigen Reihenfolge und wo du sie aktuell streamen kannst.

1. After Passion (2019)

Tessa ist diszipliniert, ehrgeizig und neu am College. Hardin ist das genaue Gegenteil: geheimnisvoll, aufbrausend und offenbar niemand, mit dem man sich anlegen sollte. Doch genau das passiert in After Passion. Die beiden geraten aneinander, und was wie ein typisches Bad-Boy-Märchen beginnt, entwickelt schnell eine ganz eigene Dynamik. Der erste Teil der Reihe erzählt von der ersten großen Liebe, die nicht nur schön ist, sondern auch wehtut. Die Chemie stimmt, die Konflikte sind laut, und spätestens, wenn die ersten Masken fallen, wird klar: Das hier ist nicht einfach ein harmloser Flirt, sondern ein Anfang und ein Versprechen auf Drama.

2. After Truth (2020)

Nach dem Ende des ersten Films sind Tessa und Hardin getrennt. Vertrauen wurde gebrochen, alte Wunden reißen auf. Doch ganz loslassen können sie einander nicht. After Truth zeigt eine Beziehung, die auf wackligen Beinen steht mit Momenten voller Rückfälle, Reue und intensiver Augenblicke. Neue Figuren bringen zusätzliche Spannung ins Spiel, während sich die Frage stellt: Reicht Liebe allein, wenn Misstrauen im Raum steht? Der Ton ist ernster, die Konflikte emotionaler, und Tessa beginnt, sich selbst stärker zu hinterfragen. Wer den ersten Teil als romantisch empfand, merkt hier, wie kompliziert echte Gefühle sein können.

3. After Love (2021)

Tessa steht an einem Wendepunkt. Während ihre eigene Zukunft ruft, scheint Hardin sich selbst im Weg zu stehen. Die Beziehung wird erwachsener, aber auch brüchiger. In After Love geht es um Entscheidungen in beruflicher, familiärer und emotionaler Hinsicht. Alte Geheimnisse kommen ans Licht, und plötzlich steht nicht mehr nur die Liebe auf dem Spiel, sondern auch das Vertrauen in sich selbst. Der Film nimmt sich Zeit für stillere Momente, bleibt aber seiner Grundstimmung treu: intensiv, aufgeladen, manchmal sogar ein wenig toxisch, aber immer leidenschaftlich. Wer bis hierhin mitgefiebert hat, wird merken: Die Geschichte beginnt, weh zu tun.

4. After Forever (2022)

Hardin hat sich verändert, oder er versucht es zumindest. Doch kann man sich wirklich neu erfinden, wenn die Vergangenheit einen nicht loslässt? Tessa stellt sich Fragen, auf die es keine einfachen Antworten gibt. After Forever ist der Teil, in dem alles ein wenig leiser wird, und der sich weniger impulsiv, aber dafür reflektierter präsentiert. Die beiden Liebenden müssen lernen, was es heißt, entweder loszulassen oder wirklich zusammenzuhalten. Es gibt sowohl Momente des Aufatmens, aber auch der Enttäuschung, die zeigen, dass Reife nicht automatisch Klarheit bringt, und dass manche Gefühle nie ganz verschwinden, egal wie sehr man sich bemüht.

5. After Everything (2023)

Die Geschichte scheint auserzählt, doch es gibt noch jede Menge offener Wunden. Hardin reist nach Portugal, auf der Suche nach Versöhnung, mit sich selbst und mit Menschen aus seiner Vergangenheit. Auch Tessa hat ihren eigenen Weg eingeschlagen, aber trotzdem bleibt immer noch eine Verbindung bestehen. After Everything ist der Epilog, den nicht alle erwartet haben, aber viele gebraucht haben. Der Film wirkt reifer, stiller, und doch schließt er einen Kreis. Es geht um Vergebung, um Entwicklung und um die Frage, ob zwei Menschen, die sich so sehr geliebt und verletzt haben, irgendwann Frieden finden können. Hier gibt es keine großen Paukenschläge, aber einen Schlussakkord, der nachhallt.

6. Before (Prequel, geplant 2025)

Dieser Film beleuchtet Hardins Vergangenheit, bevor er Tessa kennenlernte. Er zeigt einen jungen Mann, der von familiären Problemen geprägt ist, sich abgrenzt und eine Seite offenlegt, die man bisher nur erahnt hat. Before verspricht, tiefe Einblicke in sein verletztes Innenleben zu geben, indem er seine Wut, Verletzlichkeit und seine rebellische Haltung zeigt. Die Geschichte soll zeigen, wie aus diesem Hardin der Mann wurde, dem Tessa begegnet ist.Wahrscheinlich wird ein jüngerer Schauspieler Hardin verkörpern, was dem Prequel eine neue, eigene Dynamik verleiht und gleichzeitig ein Puzzlestück für Fans darstellt, die Hardins Seele wirklich verstehen wollen.

7. After: Next Generation (Sequel, geplant 2025)

Der eigentliche Abschluss der Tessa‑Hardin‑Saga gehört noch lange nicht zum Ende. Dieses Projekt stellt ihre Kinder Emery und Auden ins Zentrum und weckt die Frage, was passiert, wenn man als Erbe zweier leidenschaftlicher, oft zerbrechlicher Eltern aufwächst. After: Next Generation folgt den neuen Charakteren, die lernen müssen, mit dem Erbe ihrer Eltern umzugehen. Tessa und Hardin sollen zwar kurz zu sehen sein, aber die Geschichte gehört ganz den Jugendlichen. Damit bleibt die Reihe relevant, adaptiert die Handlung aber auf eine zeitgemäße und jüngere Perspektive. Der neue Cast wird zeigen, ob die emotionalen Konflikte von Eltern an die nächste Generation weitergegeben werden, als Fortsetzung, die sich sowohl vertraut als auch neu anfühlt.

Die legendäre „After“-Reihe: Erfahre hier, wo du alle Filme streamen kannst

In der untenstehenden Liste findest du alle Filme der Kult-Reihe „After“ in der richtigen Reihenfolge und erfährst, wo du sie aktuell streamen kannst.

Musik, Magie, Dämonenjagd, und das alles im knallbunten Stil einer K-Pop-Welt? Kein Wunder, dass KPop Demon Hunters schon vor dem Start für Aufsehen sorgte. Der Film bringt Girlpower, Action und Bühnenfeeling zusammen und trifft damit einen Nerv bei allen, die sich nach etwas Lautem, Schrägem und Emotionalem sehnen.

Wem das gefällt, für den gibt es eine Reihe von Animationsfilmen, die ähnliche Vibes versprühen. Manche setzen auf starke Frauenfiguren, andere auf übernatürliche Kämpfe und viele davon haben diesen gewissen Drive, der dich nicht mehr loslässt. Hier sind 10 Filme, die dich stilistisch, musikalisch oder thematisch an KPop Demon Hunters erinnern.

1. Belle (2021)

In Belle trifft klassische Märchenästhetik auf virtuelle Welt. Die schüchterne Schülerin Suzu wird in der Online-Welt „U“ zur gefeierten Sängerin Belle, doch mit dem Ruhm kommen auch Schatten. Als sie einem mysteriösen Biest begegnet, das in dieser Welt gefürchtet wird, beginnt eine berührende Geschichte über Akzeptanz, Selbstfindung und tiefe emotionale Wunden. Der Film brilliert nicht nur mit farbenprächtigen Animationen, sondern auch mit einem emotionalen Kern, der an die Dualität von Ruhm und Verletzlichkeit erinnert, ähnlich wie bei KPop Demon Hunters. Auch hier geht es um junge Frauen, die zwischen zwei Welten navigieren müssen: Bühne und Realität. Ein audiovisuelles Erlebnis mit Herz und Schmerz.

2. Promare (2019)

Laut, schrill, überdreht und gleichzeitig eine visuelle Explosion: Promare liefert exakt die Art von Action, die Fans von K-Pop Demon Hunters begeistern dürfte. Der Film spielt in einer futuristischen Welt, in der feurige Mutanten, die sogenannten Burnish, Chaos verursachen. Die Spezialeinheit Burning Rescue geht gegen sie vor, bis plötzlich klar wird, dass es um mehr geht als nur Feuer. Promare ist anarchisch, stilisiert, voller Farben und entfesselter Energie. Die Story mag stellenweise wild sein, aber genau das macht den Reiz aus. Wer das Tempo und den visuellen Wagemut von Demon Hunters mochte, wird sich hier sofort wiederfinden.

3. Pretty Guardian Sailor Moon Eternal – Der Film (2021)

Der ikonische Klassiker kehrt mit einem modernen Touch zurück. In Sailor Moon Eternal vereinen sich Magie, Freundschaft und das ewige Spiel zwischen Licht und Dunkelheit. Usagiund ihre Sailor-Kriegerinnen stehen einer neuen Bedrohung gegenüber, die nicht nur die Welt, sondern auch ihre eigenen Herzen ins Wanken bringt. Der Film bringt alles mit, was Fans von KPop Demon Hunters lieben: stylische Kostüme, dramatische Transformationen und starke Frauenfiguren, die füreinander einstehen. Dazu kommt die emotionale Tiefe, wenn persönliche Ängste und innere Konflikte übermächtiger erscheinen als jeder Gegner. Eine gelungene Rückkehr in ein Universum, das nie an Relevanz verliert.

4. Nimona (2023)

Nimona ist frech, rebellisch und absolut einzigartig. Die gleichnamige Gestaltwandlerin verbündet sich mit einem verstoßenen Ritter, um die Wahrheit über ein scheinbar perfektes Königreich ans Licht zu bringen. Was als klassische Antihelden-Geschichte beginnt, entwickelt sich zu einem tiefgründigen Film über Identität, Akzeptanz und gesellschaftliche Außenseiter. Trotz des fantasievollen Settings sind die Themen hochaktuell: Wer bin ich, wenn mir alle sagen, dass ich falsch bin? Nimona ist emotional, temporeich und mit genau der Portion Humor gewürzt, die die Dramatik erträglich macht. Für alle, die in KPop Demon Hunters die queere Energie und rebellische Haltung schätzen, ist das hier ein Volltreffer.

5. Jujutsu Kaisen 0 (2021)

Dämonen, Flüche und übernatürliche Kämpfe: Jujutsu Kaisen 0 liefert pure Dark Fantasy mit emotionalem Tiefgang. Im Mittelpunkt steht Yuta, ein schüchterner Schüler, der von einem tödlichen Fluch begleitet wird: dem Geist seiner verstorbenen Freundin. An der Magieschule lernt er zwar, seine Kräfte zu kontrollieren, doch der innere Konflikt bleibt. Der Film verbindet brutale Action mit feinfühliger Charakterzeichnung und zeigt, wie schmerzhaft ein Verlust sein kann, selbst wenn die Macht dadurch wächst. Wer bei KPop Demon Hunters das Zusammenspiel von Schmerz und Stärke liebt, bekommt hier eine düstere, aber sehr bewegende Variante geliefert.

6. Paprika (2006)

Ein Film wie ein Fiebertraum: Paprika entführt in eine Welt der Träume, in der zwar alles möglich ist, dafür aber nichts sicher. Die Geschichte dreht sich um eine Psychologin, die mit Hilfe einer Maschine in das Unterbewusstsein ihrer Patienten eintaucht. Doch als die Technologie in falsche Hände gerät, verschwimmen Realität und Traum auf beängstigende Weise. Paprika ist visuell überwältigend und intellektuell fordernd, aber gleichzeitig zutiefst emotional. Wer bei KPop Demon Hunters die surrealen Sequenzen und die kreative Bildsprache mag, wird diesen Klassiker lieben. Der Film stellt die Frage, was bleibt, wenn unsere innersten Gedanken zum Schauplatz des Chaos werden.

7. The Witcher: Nightmare of the Wolf (2021)

Blut, Monster und tragische Vergangenheit - Nightmare of the Wolf erzählt die Vorgeschichte des Hexers Vesemir und zeigt eine Welt, in der Gewalt zum Alltag gehört. Doch hinter dem rauen Ton verbirgt sich eine bewegende Geschichte über Verlust, Ehre und die Frage, wie viel Menschlichkeit man opfern muss, um ein Held zu sein. Der Animationsstil ist düster, die Action kompromisslos, aber immer wieder blitzen auch verletzliche Momente durch. Fans von KPop Demon Hunters, die sich auch für moralische Grauzonen und düstere Welten interessieren, finden hier einen Film, der nicht nur unterhält, sondern auch zum Nachdenken anregt.

8. A Silent Voice (2016)

Still, intensiv und zutiefst menschlich: A Silent Voice erzählt von einem Jungen, der in der Schule ein gehörloses Mädchen gemobbt hat und Jahre später den Versuch startet, Wiedergutmachung zu leisten. Der Film ist eine einfühlsame Auseinandersetzung mit Schuld, Ausgrenzung und dem Wunsch nach Vergebung. Hier gibt es keine übernatürlichen Kräfteund keine Kämpfe, trotzdem oder genau deshalb ist das emotionale Gewicht allerdings kaum zu ertragen. Die ruhige Erzählweise und die fein gezeichneten Figuren machen aus dieser Geschichte eine Reise durch Schmerz und Heilung. Wer bei KPop Demon Hunters vor allem die verletzlichen Seiten der Figuren geliebt hat, wird hier emotional tief eintauchen.

9. Star Wars: Visionen – Vol. 1 (2021)

Was passiert, wenn man ikonische Sci-Fi-Elemente durch die Linse verschiedener Anime-Studios betrachtet? Star Wars: Visionen bietet in seiner ersten Staffel neun Kurzfilme, die völlig unterschiedliche Perspektiven auf das Universum werfen. Besonders spannend sind die Beiträge, die sich um junge Heldinnen, innere Zerrissenheit und den Balanceakt zwischen Macht und Moral drehen. Nicht jeder Beitrag ist gleich stark, aber viele liefern emotionale Wucht und visuelle Raffinesse. Für Fans von KPop Demon Hunters, die kreative Freiheit und stilistische Vielfalt schätzen, ist das hier ein inspirierender Ausflug in neue Galaxien.

10. Tekkonkinkreet (2006)

Zwei Straßenkinder, Black und White, streifen durch eine surreal anmutende Stadt, in der Hoffnung zu überleben. Tekkonkinkreet ist düster, poetisch und visuell außergewöhnlich. Die beiden Brüder verkörpern Gegensätze: Zorn und Reinheit, Wut und Hoffnung. Gemeinsam kämpfen sie gegen Korruption, Gewalt und ihre eigenen inneren Dämonen. Der Film stellt große Fragen nach Zugehörigkeit, Traumata und Zusammenhalt und tut das mit einer Bildsprache, die ihresgleichen sucht. Wer bei KPop Demon Hunters die emotionale Tiefe und das Spiel mit Licht und Schatten geliebt hat, findet hier eine Geschichte, die lange nachwirkt.

Hier siehst du, wo du ähnliche Animationsfilme wie "K-Pop Demon Hunters" streamen kannst

In der Liste unten findest du alle aufgeführten Filme, die dich begeistern dürften, wenn du KPop Demon Hunters liebst. Erfahre mit JustWatch, auf welchen Plattformen du sie streamen kannst.

Du willst endlich in die Welt von Anime eintauchen – weißt aber nicht, wo du anfangen sollst? Verständlich: Bei der schieren Masse an Serien, Genres und Staffeln verliert man schnell den Überblick. Doch keine Sorge – wir haben für dich zehn Anime-Serien ausgewählt, die sich ideal für den Einstieg eignen.

Egal, ob du auf Action, Romantik, Mystery oder einfach gute Geschichten stehst: Diese Titel sind zugänglich, emotional packend und auf gängigen Streaming-Plattformen verfügbar. Sie zeigen dir die Vielseitigkeit und emotionale Tiefe von Anime – ohne dich mit komplexen Handlungssträngen oder Vorwissen zu überfordern. Der perfekte Start, um dich in die Magie japanischer Animation zu verlieben – und vielleicht zu einem echten Fan zu werden.

Attack on Titan (2013)

Wenn dich epische Schlachten, dramatische Wendungen und eine dichte Atmosphäre interessieren, ist Attack on Titan der perfekte Einstieg. Die Menschheit lebt hinter gigantischen Mauern – außerhalb lauern menschenfressende Titanen. Was zunächst wie ein klassisches Monster-Szenario wirkt, entwickelt sich schnell zu einer komplexen Polit-Parabel mit ideologischem Tiefgang. Die Serie behandelt Themen wie Freiheit, Macht und Moral auf beeindruckende Weise – ohne jemals den Erzählfluss zu verlieren. Visuell gehört Attack on Titan zum Besten, was Anime zu bieten hat: Die Animationen sind spektakulär, der Soundtrack emotional treibend. Und jede Folge endet so spannend, dass man gar nicht anders kann, als weiterzuschauen. Ideal für Einsteiger:innen mit einem Faible für düstere, intelligente Fantasy. 

One Punch Man (2015)

Was, wenn der Superheld immer gewinnt – und zwar mit nur einem Schlag? One Punch Man macht genau daraus sein Konzept und nimmt das Superhelden-Genre genüsslich aufs Korn. Protagonist Saitama ist so mächtig, dass ihm jeder Kampf zur lästigen Routine verkommt. Statt epischer Duelle beschäftigt er sich mit Sonderangeboten und gepflegter Langeweile. Die Serie verbindet zugänglichen Humor mit spektakulär animierter Action – und funktioniert sowohl als Parodie als auch als Abenteuererzählung. Zahlreiche Anspielungen auf Popkultur und Superhelden-Klischees machen sie besonders unterhaltsam für Neulinge mit Comic-Affinität. Wer Superhelden liebt, aber auch über sie lachen kann, ist hier goldrichtig. Und keine Sorge: Staffel 2 und 3 sind bereits verfügbar.

Toradora! (2008)

Wer mit Anime anfangen möchte und eine emotionale, aber nicht kitschige Liebesgeschichte sucht, ist bei Toradora! genau richtig. Die Serie erzählt die Geschichte zweier Außenseiter, die sich widerwillig zusammenschließen, um sich gegenseitig bei ihren Schwärmereien zu helfen – und dabei langsam Gefühle füreinander entwickeln. Klingt simpel, ist aber überraschend feinfühlig erzählt, mit tollen Dialogen, glaubwürdigen Figuren und einer gelungenen Mischung aus Humor und Drama. Toradora! zeigt, dass Anime auch ohne Fantasy-Welten oder Superkräfte fesseln kann – durch echtes Gefühl, pointierte Charakterzeichnung und ein Setting, das zwischen Lachen und Tränen pendelt. Ideal für alle, die mit einer warmherzigen, menschlichen Story in die Anime-Welt einsteigen möchten.

Death Note (2006)

Ein Schüler findet ein Notizbuch, mit dem er Menschen töten kann – indem er einfach ihren Namen hineinschreibt. Death Note nutzt diese schockierende Prämisse für einen komplexen Thriller, der Moral, Macht und Gerechtigkeit auf faszinierende Weise verhandelt. Im Zentrum steht das Duell zweier Genies: Light, der selbsternannte Richter über Leben und Tod, und L, der brillante Ermittler mit exzentrischen Methoden. Die Serie ist kompakt, spannend und frei von unnötigem Ballast – perfekt für Einsteiger:innen, die düstere Stoffe mit psychologischem Tiefgang mögen. Trotz übernatürlicher Elemente bleibt Death Note stets logisch nachvollziehbar und intellektuell reizvoll. Ein Einstieg, der fesselt – und schnell süchtig machen kann.

Demon Slayer (2019)

Selten sah eine Serie so beeindruckend aus wie Demon Slayer. Studio Ufotable liefert Animationen auf Blockbuster-Niveau – mit detailverliebten Hintergründen, spektakulären Licht- und Farbeffekten sowie Kampfszenen, die choreografisch wie visuell ihresgleichen suchen. Doch hinter dem Glanz steckt mehr: Die Geschichte rund um Tanjiro, der seine zur Dämonin verwandelte Schwester retten will, ist emotional berührend und erzählerisch klar strukturiert. Trotz Fantasy-Setting bleibt die Serie jederzeit nachvollziehbar und zugänglich – ideal für Anime-Einsteiger:innen. Die sympathischen Figuren, das hohe Erzähltempo und die starke Mischung aus Drama und Action machen den Einstieg leicht. Wer sehen will, wie modern und mitreißend Anime sein kann, wird hier bestens bedient.

My Hero Academia (2016)

In einer Welt, in der fast alle Menschen Superkräfte – sogenannte „Quirks“ – besitzen, will ausgerechnet der machtlose Izuku ein Superheld werden. My Hero Academia erzählt seine Geschichte mit viel Herz, Tempo und emotionaler Tiefe. Die Serie kombiniert klassische Coming-of-Age-Elemente mit dem Superhelden-Genre und überzeugt durch eine starke Figurenentwicklung, packende Kämpfe und überraschend komplexe Themen. Moral, Mut und Verantwortung stehen im Zentrum, ohne je belehrend zu wirken. Besonders westliche Zuschauer:innen finden durch die vertraute Superhelden-Ästhetik leicht Zugang. Ideal für alle, die die Faszination von Shōnen-Anime entdecken möchten – also Serien, die Abenteuerlust, Freundschaft und Wachstum in den Mittelpunkt stellen. Ein motivierender, mitreißender Einstieg.

Spy x Family (2022)

Du willst was Leichtes, Witziges, aber mit Substanz? Dann ist Spy x Family genau das Richtige für dich. Die herausragende Serie erzählt von einem Spion, der für eine Undercover-Mission eine Familie gründen muss – und unwissentlich eine Auftragskillerin heiratet und ein telepathisches Kind adoptiert. Klingt schräg? Ist es auch – aber auf die bestmögliche Art und Weise. Die Serie überzeugt mit cleverem Humor, liebenswürdigen Charakteren und überraschend viel Herz. Zwischen Action, Familienleben und absurden Situationen entsteht ein Anime, der mächtig Spaß macht und trotzdem nie zu oberflächlich wird. Ideal für Einsteiger:innen, die eine packende Geschichte und emotionale Tiefe suchen, gewürzt mit einer Portion Humor und Abenteuer.

Fullmetal Alchemist: Brotherhood (2009)

Diese Serie gilt als einer der besten Animes aller Zeiten – und das vollkommen zu Recht. Fullmetal Alchemist: Brotherhood erzählt die Geschichte zweier Brüder, die durch ein misslungenes Alchemie-Ritual alles verloren haben und nun versuchen, ihre alten Körper zurückzuerlangen. Was nach düsterer Fantasy klingt, ist in Wahrheit ein erzählerisches Meisterwerk, das große Themen wie Krieg, Schuld, Wissenschaft und Moral verhandelt – und dabei jederzeit authentisch und nachvollziehbar bleibt. Die Serie punktet mit spannender Handlung, emotionaler Tiefe und einem klaren, abgeschlossenen Erzählbogen. Ideal für Einsteiger:innen, die direkt ein echtes Highlight erleben wollen. Kein Vorwissen nötig – nur Offenheit für eine Geschichte, die lange nachhallt. 

One Piece (1999)

Mit über 1100 Folgen wirkt One Piece auf den ersten Blick überwältigend – doch der Einstieg lohnt sich mehr, als viele denken. Die Geschichte rund um Monkey D. Luffy, der davon träumt, König der Piraten zu werden, ist ein ebenso witziges wie bewegendes Abenteuer über Freundschaft, Freiheit und das Verfolgen großer Träume. Gerade die frühen Staffeln sind episodisch aufgebaut, leicht verständlich und voll liebenswerter Figuren. Die Welt von One Piece ist kreativ, überraschend tiefgründig und trotz ihrer Länge nie monoton. Ideal für alle, die ein langfristiges Serienprojekt suchen. Und falls dich die Laufzeit abschreckt: Das Netflix-Remake von 2023 bietet einen charmanten Einstiegspunkt in dieses einzigartige Universum.

Fruits Basket (2019)

Wer denkt, Anime seien nur schrill, überdreht und voller Action, sollte unbedingt einen Blick auf Fruits Basket werfen. Die Serie erzählt von Tohru, einem einfühlsamen Mädchen, das in eine Familie aufgenommen wird, deren Mitglieder sich bei körperlichem Kontakt in Tiere des chinesischen Tierkreises verwandeln. Was zunächst wie eine absurde Prämisse klingt, entwickelt sich schnell zu einer zutiefst berührenden Geschichte über Verlust, Selbstwert, familiäre Probleme und die Kraft menschlicher Nähe. Die Neuauflage von 2019 überzeugt mit gefühlvoller Inszenierung, liebevoller Figurenzeichnung und einem emotionalen Erzählstil, der unter die Haut geht. Ideal für Einsteiger:innen, die Anime von seiner sanften, empathischen Seite kennenlernen möchten.

Wo du diese Anime-Serien streamen kannst

Alle in dieser Liste genannten Anime-Serien sind auf gängigen Streaming-Plattformen wie Netflix, Crunchyroll, Prime Video oder Disney+ verfügbar. Mit dem JustWatch-Streaming-Guide findest du blitzschnell heraus, wo du welche Serie aktuell in Deutschland streamen kannst – ganz gleich, ob im Abo, zum Kaufen oder Leihen.

Gib einfach den gewünschten Titel ein, filtere nach Anbieter, Genre oder Preis – und schon kannst du mit deiner Anime-Kennenlernphase loslegen. Egal, ob du nur mal reinschnuppern oder tief in eine epische Serie abtauchen willst: JustWatch macht dir den Einstieg leicht. So wird dein erstes Anime-Erlebnis nicht nur unkompliziert, sondern auch richtig gut kuratiert.

Die 3. Staffel von Squid Game führt den blutigen Überlebenskampf zu einem spektakulären Ende– zumindest in Südkorea. Im Zentrum stehen erneut Figuren, die mehr sind als bloße Teilnehmer: Verzweifelte Eltern, verlorene Brüder, gescheiterte Influencer – jeder mit seiner eigenen Motivation, Hoffnung und Schuld.

Hier erfährst du, wer wen spielt, wie es mit den Figuren endet und wo man den Cast sonst noch sehen kann. Das heißt auch: Achtung, große Spoiler voraus!

Lee Jung-jae als Seong Gi-hun (Spieler 456)

Gi-hun, der einstige Underdog aus Staffel 1, kehrt in Staffel 3 zurück, um die Spiele endgültig zu beenden – und bezahlt dafür mit seinem Leben. Nachdem seine Revolte in Staffel 2 scheitert, geht er ein letztes Mal ins Spiel, opfert sich im Finale, um Jun-hees neugeborenes Baby zu retten.

Lee Jung-jae ist ein vielfach ausgezeichneter Schauspieler und der erste Asiate, der einen Emmy als bester Hauptdarsteller in einer Dramaserie gewann. Nach Squid Game war er unter anderem in der „Star Wars“-Serie The Acolyte zu sehen und spielte in dem koreanischen Thriller Revolver.

Lee Byung-hun als Der Frontmann (Hwang In-ho / Spieler 001)

Der Frontmann, einst als Spieler getarnt, manipuliert in Staffel 2 und 3 aus dem Hintergrund das Spielgeschehen. Im Serienfinale zerstört er das komplette Spielgelände, um Beweise zu vernichten – und unterstreicht damit seine Rolle als letzter großer Gegenspieler Gi-huns.

Lee Byung-hun ist einer der bekanntesten Schauspieler Südkoreas und zugleich international erfolgreich. Er spielte in Hollywood-Filmen wie G.I. Joe – Geheimauftrag Cobra, Terminator: Genisys, Red 2 und Die glorreichen Sieben. Zuletzt war er im koreanischen Katastrophenfilm Concrete Utopia zu sehen und wirkte als Sprecher an Netflix‘ K-Pop Demon Hunters mit.

Wi Ha-joon als Hwang Jun-ho

Der überlebende Polizist aus Staffel 1 bleibt in Staffel 2 und 3 besessen von seiner Mission: Er will seinen Bruder – den Frontmann – zur Strecke bringen. Schließlich findet er die Insel, alarmiert die Küstenwache und bringt das tödliche Spielsystem zu Fall.

Wi Ha-joon ist in Korea vor allem durch seine TV-Rollen bekannt. Er war bislang vor allem in südkoreanischen TV-Serien zu sehen, wie Little Women, The Worst Evil, Gyeongseong Creature und The Midnight Romance in Hagwon.

Yang Dong-geun als Park Yong-sik (Spieler 007)

Yong-sik tritt dem Spiel bei, um seine hohen Spielschulden zu begleichen – nicht ahnend, dass auch seine Mutter unter den Teilnehmenden ist. Lange versucht er, sie zu beschützen -  sie sticht ihm allerdings während des Versteckspiels in den Rücken, um Jun-hee zu retten. Daraufhin wird er von den Wachen erschossen.

Yang Dong-geun, auch bekannt als YDG, ist Musiker, Schauspieler und Musicaldarsteller. Er spielte früh in Serien wie Ruler of Your Own World mit und war Teil von Disneys Moving sowie Connect.

Kang Ae-sim als Jang Geum-ja (Spielerin 149)

Geum-ja tritt dem Spiel aus Liebe zu ihrem Sohn Yong-sik bei, um seine Schulden zu begleichen. Als sie erkennt, dass eine andere Spielerin – Jun-hee – Schutz braucht, verrät sie ihren Sohn. Von Schuldgefühlen überwältigt, nimmt sie sich kurz darauf das Leben.

Kang Ae-sim hat eine lange Karriere im Theater hinter sich und wechselte erst in den letzten Jahren verstärkt zum Fernsehen. Zu ihren Rollen gehören Serien wie A Virtuous Business, Queen of Divorce und Filme wie Concrete Utopia und Wonderland.

Jo Yu-ri als Jun-hee (Spielerin 222)

Jun-hee ist hochschwanger, als sie ins Spiel eintritt. Ihr Ziel: Geld für sich und ihr ungeborenes Kind, nachdem ihr Ex-Partner sie mit einem Krypto-Scam ruiniert hat. In Staffel 3 bringt sie ihr Kind zur Welt, stirbt jedoch in einem späteren Spiel. Ihr Baby überlebt – dank Gi-huns Opfer.

Jo Yu-ri wurde als Mitglied der K-Pop-Gruppe IZ*ONE bekannt. Als Solokünstlerin veröffentlichte sie zwei Alben und gab ihr Schauspieldebüt 2022 in der Serie Mimicus. Squid Game ist ihre bislang größte Rolle.

Park Sung-hoon als Hyun-ju (Spieler 120)

Hyun-ju ist eine trans Frau mit militärischem Hintergrund, die das Preisgeld für ihre geschlechtsangleichende OP braucht. Trotz ihrer Fähigkeiten, begegnen ihr die anderen Spieler mit Misstrauen. Sie überlebt die Revolte, wird aber von Myungi-gi während des Versteckspiels getötet.

Park Sung-hoon ist einer der angesehensten Theaterdarsteller Südkoreas. In Film und TV spielte er u. a. im Film Gonjiam: Haunted Asylum, der Serie The Glory und Queen of Tears.

Kang Ha-neul als Dae-ho (Spieler 388)

Dae-ho gibt sich anfangs als harter Ex-Marine – doch seine Angst in brenzligen Situationen offenbart bald sein wahres Ich. In Staffel 3 verrät er sein Team, als er nicht wie versprochen mit Munition zurückkehrt, und wird später von Gi-hun getötet.

Kang Ha-neul zählt zu den gefragtesten Filmstars Koreas. Zu seinen bekanntesten Werke zählen die Komödie Twenty, die Rom-Com Love Reset sowie die Serie Tastefully Yours.

Park Gyu-young als No-eul (Wache)

No-eul ist eine ehemalige nordkoreanische Soldatin, die in Südkorea als Wache im Spielsystem arbeitet. Als erste Figur aus dem „Wach“-Personal bekommt sie eine eigene Geschichte – und beschließt, das System zu verlassen, um ihre Tochter zu finden.

Park Gyu-young ist seit 2016 in vielen TV-Dramen zu sehen, darunter It’s Okay Not to Be Okay, Sweet Home, Dali and the Cocky Prince, und A Good Day to Be a Dog.

Yim Si-wan als Myung-gi (Spieler 333)

Myung-gi ist ein ehemaliger YouTube-Star, der durch dubiose Krypto-Tipps zahlreiche Menschen ruiniert hat – darunter seine schwangere Ex-Freundin Jun-hee. Im Spiel ist er einer der unbeliebtesten Teilnehmer – und stirbt letztlich im "Sky Squid Game".

Yim Si-wan ist nicht nur Schauspieler, sondern auch Teil der Gruppe ZE:A. Zu seinen Projekten zählen die Serien Dragon Mask, Tracer und Summer Strike.

Cate Blanchett als „Frau im Anzug“

In der allerletzten Szene der Serie taucht sie auf: Eine Frau in Anzug spielt Ddakji mit einem Mann in einer Seitengasse in Los Angeles. Ein klarer Hinweis: Die Spiele gehen global weiter.

Cate Blanchett ist eine der renommiertesten Schauspielerinnen der Welt. Sie gewann Oscars für The Aviator und Blue Jasmine, war in Tár, Carol und vielen weiteren Rollen zu sehen.

„Squid Game“ im Streaming-Guide: Die Schauspieler der 3. Staffel – und ihre bisherigen Rollen

Eine Auswahl der Filme und Serien, in denen die Schauspielerinnen und Schauspieler aus der dritten Staffel von Squid Game außerdem zu sehen sind, findet sich in der untenstehenden Liste – zusammen mit aktuellen Streaming-Informationen.

Animes für Erwachsene sind viel mehr als nur bunte Bilder, überbordende Gewalt und überdrehte Action. Diese Kunstwerke erzählen Geschichten, die provozieren, schockieren und bewegen – oft mit Themen, die weit über das hinausgehen, was übliche Mainstream-Serien bieten.

Wer glaubt, japanische Animation sei nur etwas für Kinder und Anspruchslose, wird mit diesen zehn Empfehlungen eines Besseren belehrt. Von kompromissloser Action über explizite Erotik bis zu bissigem Humor und gesellschaftlicher Kritik: Hier findest du zehn der besten Werke, die aktuell in Streaming-Form erhältlich sind. Lass dich überraschen, inspirieren und vielleicht auch ein wenig schockieren – diese Anime zeigen, wie erwachsen das Medium wirklich sein kann.

Highschool D×D (2012)

High School DxD ist der Inbegriff von Ecchi-Action-Anime und begeistert mit einer einzigartigen Mischung aus übernatürlicher Spannung, Comedy und jeder Menge Fanservice. Die Geschichte dreht sich um Issei Hyoudou, einen scheinbar durchschnittlichen Schüler, dessen Leben eine dramatische Wendung nimmt, als er von einer attraktiven Dämonin wiederbelebt wird. Plötzlich befindet er sich mitten im Krieg zwischen Engeln und Dämonen, muss sich gegen gefährliche Gegner behaupten und zugleich mit den Avancen seiner neuen Mitbewohnerinnen klarkommen. Was diese Serie besonders macht, ist nicht nur die explosive Action, sondern auch der gelungene Humor, die sympathischen Charaktere und die Fähigkeit, ernste Themen wie Loyalität und Selbstfindung in eine unterhaltsame Story zu verpacken. Für Fans von übernatürlicher Erotik und schrägen Wendungen ist High School DxD ein absolutes Muss – hier wird keine Grenze ausgelassen und keine Gelegenheit für einen frechen Gag verpasst.

The Testament of Sister New Devil (2015)

Mit The Testament of Sister New Devil bekommst du eine wilde Mischung aus Action, Fantasy und Erotik, die sich nicht davor scheut, sämtliche Tabus zu brechen. Im Mittelpunkt der Serie steht Basara, der plötzlich zwei neue Stiefschwestern bekommt – die sich als mächtige Dämoninnen entpuppen. Was folgt, ist ein ständiges Hin und Her zwischen gefährlichen Kämpfen, magischen Ritualen und äußerst freizügigen Szenen, die definitiv nichts für schwache Nerven sind. Die Serie punktet mit spannenden Plot-Twists, einer Prise Humor und jeder Menge Ecchi-Elementen, die das Genre auf die Spitze treiben. Besonders Fans von Dämonen-Action und provokanter Erotik kommen hier voll auf ihre Kosten. The Testament of Sister New Devil ist perfekt für alle, die sich trauen, Anime jenseits der Komfortzone zu erleben und dabei auf knallharte Action und “anzügliche” Momente nicht verzichten möchten.

Goblin Slayer (2018)

Goblin Slayer ist einer der kontroversesten und kompromisslosesten Dark-Fantasy-Anime der letzten Jahre. Die Serie folgt einem wortkargen Krieger, dessen einziges Ziel es ist, Goblins zu vernichten – koste es, was es wolle. Schon in der ersten Folge wird klar: Hier geht es um rohe Gewalt, düstere Themen und eine Atmosphäre, die unter die Haut geht. Goblin Slayer schockiert nicht nur mit expliziten Szenen, sondern überzeugt auch durch seine intensive Story, die Fragen nach Moral, Rache und Menschlichkeit aufwirft. Die Inszenierung ist packend, die Kämpfe brutal und die Charaktere vielschichtig. Für alle, die Dark Fantasy lieben und keine Angst vor harten Szenen haben, ist Goblin Slayer ein absolutes Highlight – eine Anime-Serie, die lange im Gedächtnis bleibt und das Genre nachhaltig geprägt hat.

Interspecies Reviewers (2020)

Interspecies Reviewers ist eine ziemlich gewagte Anime-Comedy, die alle Grenzen sprengt und sich mit voller Wucht in die Welt der Tabus stürzt. Die Serie dreht sich um eine Gruppe Abenteurer, die Bordelle mit Monstermädchen besuchen und ihre Erfahrungen in skurrilen Bewertungen festhalten. Was zunächst wie eine reine Provokation wirkt, entpuppt sich als überraschend kreative und selbstironische Satire auf gesellschaftliche Normen und das Genre Ecchi selbst. Die Serie ist freizügig, respektlos und voller schräger Einfälle – aber gerade das macht sie so einzigartig. Wer sich traut, findet hier eine der unterhaltsamsten und unkonventionellsten Anime-Serien der letzten Jahre. Interspecies Reviewers ist nichts für schwache Nerven, aber ein Geheimtipp für alle, die Lust auf etwas völlig Anderes haben.

Prison School (2015)

Prison School ist eine der derbsten und zugleich witzigsten Anime-Comedys, die je produziert wurden. Fünf Jungs werden für einen harmlosen Streich in das Schulgefängnis einer ehemaligen Mädchenschule gesteckt – und was folgt, ist ein aberwitziger Trip voller absurder Strafen, nackter Haut und tabuloser Situationen. Die Serie nimmt gängige Klischees aufs Korn, spielt mit Erwartungen und liefert dabei eine unglaubliche Dichte an Gags und schrägen Charakteren. Was Prison School so besonders macht, ist die Mischung aus schonungsloser Satire, cleverem Humor und einer ordentlichen Prise Gesellschaftskritik. Wer schwarzen Humor, Ecchi und absurde Szenarien mag, wird hier bestens unterhalten – und lacht garantiert mehr als einmal laut auf.

Ajin: Demi-Human (2016)

Die mitreißende Serie Ajin: Demi-Human interpretiert das Thema Unsterblichkeit auf radikale Weise neu: Wer als sogenannter Ajin stirbt, kehrt (in einer Art und Weise, die wir nicht spoilern) zurück – und wird von der Regierung wie ein Versuchskaninchen behandelt. Statt Heldenreise erwartet dich hier ein düsteres Spiel aus Menschenhass, Rebellion und moralischer Ambivalenz. Die Serie kombiniert kompromisslose Action mit psychologischem Tiefgang und wirft unbequeme Fragen auf: Was ist ein Leben wert, wenn es nicht endet? Und was bleibt vom Menschsein, wenn Mitgefühl zur Schwäche wird? Ajin: Demi-Human ist ein intelligenter Thriller mit nihilistischer Tonalität, faszinierender Welt und scharf gezeichneter Gesellschaftskritik. Wer düstere Anime liebt, wird hier voll auf seine Kosten kommen.

Highschool of the Dead (2010)

Diese Serie verbindet klassische Zombie-Apokalypse mit jeder Menge Ecchi-Elementen und liefert damit einen der unterhaltsamsten Horror-Anime überhaupt. Eine Gruppe Schüler kämpft ums nackte Überleben, während die Welt im Chaos versinkt – und das alles mit viel Blut, Gewalt und einem wahren Füllhorn überdrehter Szenen. Was diesen Anime so besonders macht, ist die gelungene Mischung aus rasanter Action, schrägem Humor und explizitem Fanservice. Highschool of the Dead nimmt sich selbst nicht zu ernst und bietet spannende Unterhaltung für alle, die auf Horror, Action und ein bisschen Erotik stehen. Ein moderner Klassiker, der in keiner Watchlist fehlen darf. Sogar Anime-Fans, die keine Vorliebe für Untote haben, zählen diese Serie zu ihren Favoriten.

Keijo!!!!!!!! (2016)

Wer glaubt, dass Sport-Anime immer ernst sein müssen, wird von Keijo!!!!!!!! eines Besseren belehrt. Die umstrittene Serie liefert eine hemmungslos absurde, herrlich überzeichnete Parodie auf klassische Sport- und Ecchi-Formate – inklusive waghalsiger Duelle, bei denen ausschließlich Po und Brüste als „Waffen“ erlaubt sind. Klingt albern? Ist es auch. Aber genau darin liegt der Reiz. Die Protagonistinnen strotzen vor Ehrgeiz, die „Techniken“ sind kreativ bis grotesk, und die Inszenierung nimmt sich nie zu ernst. Keijo!!!!!!!! ist trashig, lustig, überdreht – und überraschend gut animiert. Wer Lust auf knallbunte Absurdität mit reichlich Sleaze und satirischem Unterton hat, bekommt hier ein echtes Genre-Unikat serviert. Sicher nicht für jeden geeignet – aber absolut unverwechselbar!

So, I Can’t Play H! (2012)

Diese schlüpfrige Serie erzählt die Geschichte von Ryosuke, einem notgeilen Schüler, der einen folgenschweren Pakt mit einer Todesgöttin eingeht – und daraufhin buchstäblich seine Libido verliert. Was zunächst nach typischem Ecchi-Klamauk klingt, entpuppt sich als charmante Mischung aus Fantasy, Erotik und Comedy mit einer überraschenden Portion Selbstironie. Die Serie glänzt mit origineller Prämisse, sympathischen Figuren und Dialogen, die gekonnt zwischen “extrem albern” und “unerwartet clever” pendeln. Statt plumper Klischees gibt’s hier eine verspielte Inszenierung, die sich deutlich vom Genre-Einerlei abhebt. So, I Can’t Play H! ist kein Tiefgang-Anime, aber ein unterhaltsamer Geheimtipp für alle, die übernatürliche Lustmolch-Action mit einem Augenzwinkern genießen möchten.

Die Monster Mädchen (2015)

Die perfekte Anime-Reihe für alle, die absurde Alltagskomik, fantasievoll gestaltete Kreaturen und jede Menge sexueller Anspielungen mögen. Als der nichtsahnende Kimihito plötzlich verschiedene Monstermädchen bei sich wohnen lässt – darunter eine Lamia, eine Harpyie und viele weitere bunte Figuren – beginnt ein wildes Zusammenleben voller Chaos, Reizüberflutung und romantischer Missverständnisse. Die Serie geizt nicht mit Anzüglichkeiten, spielt bewusst mit Klischees, punktet aber mit liebevoll gestalteten Charakteren, viel Situationskomik und einem überraschend charmanten Kern. Kurzum: Monster Musume bringt frischen Wind ins Ecchi-Genre und liefert eine wilde Mischung aus Comedy, Erotik und Fantasy, die garantiert im Gedächtnis bleibt. Für Fans ungewöhnlicher RomComs ist dieser Anime ein echter Volltreffer.

Wo du noch mehr Animes für Erwachsene streamen kannst

Ganz gleich, ob du düstere Fantasy, provokante Comedy oder kompromisslose Action suchst – diese R-rated Animes zeigen eindrucksvoll, wie vielseitig und erwachsen das Medium heute ist. Sie durchbrechen gängige Konventionen, schrecken nicht vor Tabubrüchen zurück und greifen mutig kontroverse Themen auf. Mit fesselnden Handlungssträngen, beeindruckender visueller Gestaltung und einer enormen erzählerischen Bandbreite beweisen diese Werke, dass Anime für Erwachsene längst kein Randphänomen mehr ist, sondern als eigenständige Kunstform wahrgenommen wird.

Hier erwarten dich komplexe Figuren, moralische Konflikte und häufig eine kritische Auseinandersetzung mit gesellschaftlichen Fragen. Also: Mach es dir bequem, öffne den JustWatch-Streaming-Guide und tauche ein in Welten, die dich nicht nur mitreißen, sondern auch weit über den Abspann hinaus zum Nachdenken anregen!

Kaum eine Serie hat das Fernsehen so nachhaltig verändert wie Twin Peaks. David Lynch und Mark Frosts geheimnisvolle Mischung aus Kleinstadt-Soap, Surrealismus und Kriminaldrama gilt nicht nur als Wegbereiter des „Quality TV“, sondern fasziniert auch heute noch mit ihrer verstörenden Atmosphäre, skurrilen Figuren und rätselhaften Symbolik.

Wer neu in die Welt von Laura Palmer, Dale Cooper und Co. einsteigen möchte, steht schnell vor der Frage: In welcher Reihenfolge sollte man all das eigentlich sehen?

Hier kommt die gute Nachricht: So komplex das „Twin Peaks“-Universum inhaltlich sein mag – die empfohlene Reihenfolge ist erfreulich klar. Es gibt zwei sinnvolle Wege, sich durch die Serie, den Film und das spätere Revival zu bewegen: Nach Erscheinungsdatum oder nach innerer Chronologie.

1. Die beste Reihenfolge für Einsteiger: Die Reihenfolge der Veröffentlichung

Wer Twin Peaks zum ersten Mal schaut, sollte unbedingt mit der Erstausstrahlungsreihenfolge einsteigen. Auch wenn der Film Fire Walk With Me ein Prequel ist, setzt er wichtige Kenntnisse der Serie voraus und spoilert zentrale Twists, wenn man ihn zuerst sieht.

Empfohlene Reihenfolge für Einsteiger:

1. Twin Peaks – Staffel 1 (1990): 8 Episoden. FBI-Agent Dale Cooper kommt nach Twin Peaks, um den Mord an Laura Palmer zu untersuchen – und stößt auf etwas viel Größeres.
2. Twin Peaks – Staffel 2 (1991): 22 Episoden. Die Handlung vertieft sich, wird chaotischer, aber auch mystischer. Die finale Episode ist legendär – und endet mit einem Cliffhanger.
3. Twin Peaks: Fire Walk With Me (1992) / Twin Peaks: Der Film: Der Film spielt vor der Serie und zeigt die letzten Tage von Laura Palmer. Düsterer, kompromissloser, verstörender als die Serie.
4. Optional: Twin Peaks: Die fehlenden Teile (2014): Ein Zusammenschnitt aus geschnittenen Szenen von Fire Walk With Me, als fast zweistündiger Begleitfilm. Für Fans, aber nicht notwendig um das Folgende zu verstehen.
5. Twin Peaks: The Return (2017): 18 Episoden. Oft als Staffel 3 bezeichnet, aber keine klassische Fortsetzung, sondern ein experimenteller Brocken, der die Erzählung aufbricht, erweitert und sich dem Lynch’schen Traumlogik-Kosmos vollkommen hingibt.

2. Die chronologische Reihenfolge der Handlung

Wer die Serie erneut sehen will oder sich für die innere Logik der Twin Peaks-Welt interessiert, kann sich auch an der inhaltlichen Chronologie orientieren. Diese folgt den Ereignissen in der fiktiven Welt – mit einer Einschränkung: David Lynchs Erzählweise lässt sich nicht immer eindeutig auf lineare Zeitachsen reduzieren. Dennoch ergibt sich ungefähr folgende Reihenfolge:

1. Twin Peaks: Fire Walk With Me (1992) / Twin Peaks: Der Film: Beginnt kurz vor Lauras Tod und etabliert zentrale Motive.
2. Optional: Twin Peaks: Die fehlenden Teile (2014): Ergänzt den Prequel-Film, fügt Kontext hinzu, bleibt aber fragmentarisch.
3. Twin Peaks – Staffel 1 (1990): Die Ermittlungen nach dem Mord an Laura beginnen.
4. Twin Peaks – Staffel 2 (1991): Vertiefung und Eskalation der Geschehnisse in Twin Peaks.
5. Twin Peaks: The Return (2017): Spielt ca. 25 Jahre später. Verbindet alte und neue Figuren, bleibt dabei aber eigenwillig und teils traumartig entrückt von der eigentlichen Handlung.

Fazit: Wie sollte man anfangen?

Wer zum ersten Mal Twin Peaks sieht, sollte mit der Erstausstrahlungsreihenfolge beginnen – alles andere würde Spannung und Wirkung untergraben. Fire Walk With Me entfaltet seine volle Wucht nur, wenn man Laura Palmer zuerst als „abwesende Präsenz“ aus der Serie kennt. Und The Return funktioniert vor allem als radikale Re-Lektüre eines ohnehin rätselhaften Kosmos.

Wer nach dem ersten Durchlauf neugierig bleibt, kann beim zweiten Mal nach der inneren  Chronologie vorgehen – oder Die Fehlenden Teile einbauen. Denn: So bizarr, hypnotisch und manchmal frustrierend Twin Peaks auch sein mag – es bleibt ein einzigartiger Trip ins Herz des amerikanischen Alptraums.

„Twin Peaks“ im Streaming-Guide: Alle Staffeln und Filme in richtiger Reihenfolge

Die untenstehende Übersicht zeigt, bei welchen Streaming-Anbietern alle Filme und Staffeln des „Twin Peaks“-Kosmos aktuell im Abo, als Kauf- oder Leihoption verfügbar sind.

Kaum eine Autorin wurde so oft verfilmt wie Jane Austen. Ihre zeitlosen Romane sind gespickt mit feiner Ironie, starken weiblichen Charakteren und einer präzisen Gesellschaftsbeobachtung. Es ist also kein Wunder, dass sich Regisseure immer wieder an Neuinterpretationen wagen, sei es als Kinoerlebnis, BBC-Miniserie oder moderne Adaption.

Manche Werke bleiben dabei eng an Austens Vorlagen, andere hingegen setzen eher auf eine modernere Einordnung und Humor. Dieses Ranking listet die relevantesten Jane-Austen-Verfilmungen auf, egal ob klassisch oder modern und richtet sich dabei nach Erfolg, Kritik, Produktionsqualität und dem Umgang mit Austens Werken. Mit dabei sind zeitlose Meisterwerke, queere Perspektiven, popkulturelle Phänomene und smarte Meta-Komödien. Hier erfährst du, wo du all diese Filme und Serien streamen kannst. 

1. Stolz und Vorurteil (2005)

Diese Verfilmung von Joe Wright bringt alles zusammen, was eine moderne Austen-Adaption auszeichnet. Hier finden sich große Emotionen, eine atemberaubende Optik und eine Hauptdarstellerin, die der berühmten Figur neues Leben einhaucht. Keira Knightley als Lizzy Bennet überzeugt in Stolz und Vorurteil mit Witz, Würde und Selbstbewusstsein, Matthew Macfadyen gibt einen introvertierten und sehr verletzlichen Mr. Darcy.

Besonders gelungen ist die Atmosphäre: Während die Kamera förmlich durch naturalistische Sets tänzelt, unterstreicht der Soundtrack die inneren Konflikte der Darsteller. Trotz aller Kürzungen des Originals bleibt in dieser Verfilmung der Geist von Austens Roman spürbar.Das gesellschaftliche Gefälle, die Missverständnisse durch falschen Stolz und die zarten Annäherungen werden außerdem auf recht hohem filmischem Niveau erzählt. Der Film wurde deshalb sowohl kritisch als auch kommerziell gefeiert und gilt heute als absolut stilbildende Austen-Adaption der modernen Zeit.

2. Sinn und Sinnlichkeit (1995)

Unter der Regie von Ang Lee entstand ein feinfühliges, preisgekröntes Drama mit Emma Thompson, die zugleich das Drehbuch schrieb. Sie spielt die zurückhaltende Elinor, während Kate Winslet als impulsive Marianne glänzt. Die Chemie zwischen den Schwestern steht im Mittelpunkt und gibt dem Film emotionale Tiefe.

Sinn und Sinnlichkeit punktet mit vielschichtigen Dialogen, eleganter Inszenierung und einem Ensemble, das die inneren Konflikte seiner Figuren spürbar macht. Statt betont historisch zu wirken, bleibt der Film nah an den Gefühlen und somit auch an Austens Humor und Gesellschaftskritik. Kritiker loben bis heute die Balance aus literarischer Treue und filmischer Leichtigkeit.

3. Stolz und Vorurteil (1995)

In dieser sechsteiligen Serie setzen Colin Firth und Jennifer Ehle neue Maßstäbe. Die BBC-Adaption von Stolz und Vorurteil erlaubt sich in dieser Version mehr Zeit für Blickwechsel, Entwicklungen und weitere Nebenhandlungen. Firths Mr. Darcy gilt bis heute als eine der prägendsten Darstellungen der Figur. Jennifer Ehle verleiht Lizzy Bennet unterdessen ein ganz spezielles Gleichgewicht aus Schärfe und Wärme, das die Zuschauer überzeugte.

Die Sprache bleibt erhalten, die Schauplätze sind historisch stimmig, und auch der Ton ist durchgehend authentisch. Die Serie eignet sich deshalb perfekt für alle, die nicht nur der Handlung, sondern auch dem Ton und Rhythmus von Austens Erzählweise näherkommen möchten. Ihre Genauigkeit und die Nähe zur Vorlage des Austen-Klassikers macht diese Verfilmung zu einer der Adaptionen schlechthin.

4. Emma (2020)

Anya Taylor-Joy spielt eine Emma, die ebenso verspielt wie kontrolliert ist. Die Inszenierung ist mutig und wartet mit Pastellfarben, satirischem Unterton und überraschender Frische auf. Der Film traut sich mehr als frühere Adaptionen und verleiht dem Stoff eine fast poppige Leichtigkeit. Trotz Modernisierung bleibt die Geschichte als Austen-Werk erkennbar, vor allem durch die spitzen Dialoge und gesellschaftlichen Zwischentöne. Die Kamera ist bewusst stilisiert, die Ausstattung außergewöhnlich. Emma gilt als eine gelungene Neuinterpretation mit Tempo und Haltung. Die stilistische Eigenwilligkeit kam zwar nicht bei allen an, die künstlerische Handschrift ist jedoch unverkennbar und macht die Version besonders.

5. Überredung (1995)

Zurückhaltend, leise und trotzdem intensiv: Diese Verfilmung mit Amanda Root und Ciarán Hinds verzichtet auf große Gesten und findet genau darin ihre Stärke. Die Handlung folgt der Romanvorlage eng und zeigt eine späte zweite Chance auf Liebe, ohne Pathos, aber mit viel Introspektion. Die Kameraarbeit bleibt in dieser BBC-Verfilmung schlicht, aber stimmungsvoll. Die Schauspieler überzeugen mit leisen Zwischentönen, und vor allem Amanda Root bringt die Reife von Anne Elliot feinfühlig auf den Punkt. Überredung ist eine Verfilmung, die weniger auf äußeren Glanz und dafür umso mehr auf emotionale Glaubwürdigkeit setzt. Im Vergleich zu aufwändigeren Produktionen ist diese Verfilmung etwas zurückgenommen, erzählt dafür aber inhaltlich sehr dicht.

6. Clueless (1995)

Eine Highschool-Komödie der 90er, die heute längst Kultstatus hat, und doch basiert sie überraschend treu auf Jane Austens „Emma“. Cher (Alicia Silverstone) lebt im sonnenverwöhnten Beverly Hills, hat einen makellosen Kleiderschrank und eine Menge Meinung, wenn es um das Liebesleben anderer geht. Ihr gut gemeinter Drang zur Verkupplung führt natürlich ins Chaos, sowohl emotional als auch stilistisch.

Was Clueless auszeichnet, ist nicht nur die clevere Modernisierung des Stoffes, sondern auch das ironische Augenzwinkern, mit dem der Film soziale Codes kommentiert. Im direkten Vergleich fehlt zwar die Tiefe, aber Clueless bringt Austens Themen ins Jetzt – grell, selbstironisch, und dabei überraschend treffsicher.

7. Mansfield Park (1999)

Frances O’Connor spielt Fanny Price als stille Beobachterin mit starkem moralischem Kompass. Die Verfilmung nimmt sich gewisse Freiheiten, greift aber auch mutig gesellschaftliche Themen auf, insbesondere im Hinblick auf Klassenunterschiede und Kolonialismus. Mansfield Park ist optisch hochwertig, mit starker Besetzung und interessanten Akzenten. Der Ton ist hier etwas härter und weniger verspielt als bei anderen Austen-Adaptionen, und die emotionale Zurückhaltung der Hauptfigur macht es nicht leicht, sich direkt zu identifizieren, doch die Umsetzung regt trotzdem zum Nachdenken an. 

8. Bridget Jones - Schokolade zum Frühstück (2001)

Bridget Jones ist chaotisch, unsicher, sucht nach Liebe und landet zwischen zwei gegensätzlichen Männern. Das Drehbuch ist von Austens „Stolz und Vorurteil“ inspiriert, die Figur des Mark Darcy wurde sogar direkt für Colin Firth geschrieben.

Die Verbindung zur Vorlage ist zwar eher locker, aber trotzdem spürbar: gesellschaftlicher Druck, persönliche Entwicklung und ein emotional verschlossener Mr. Darcy schaffen deutliche Parallelen zum Original. Der Film wurde ein durchschlagender Erfolg, das Drehbuch gilt als smart und pointiert, und Renée Zellweger brilliert in der Hauptrolle - ebenso wie in den weiteren Bridget Jones-Fortsetzungen. Bridget Jones ist zwar weniger Austen-getreu als andere Adaptionen, ist aber immer noch ein riesiger Erfolg und im Rom-Com-Bereich einflussreich.

9. Die Abtei von Northanger (2007)

Felicity Jones gibt hier eine lebhafte, romantisch veranlagte Catherine Morland und trifft damit genau den Ton der satirischen Romanvorlage. Die Verfilmung nimmt die Gothic-Parodien ernst, ohne sie lächerlich zu machen, und bleibt dennoch leicht und unterhaltsam.

Der Film ist kompakt und konzentriert sich auf die Hauptthemen: das Spiel mit Fantasie und Realität, die romantische Verklärung und das Erwachsenwerden. Eine charmante, kleinere Austen-Verfilmung, die vor allem durch ihre jugendliche Frische überzeugt. Im Vergleich zu den großen Produktionen bleibt Die Abtei von Northanger aber etwas zurückhaltender in der Wirkung.

10. Fire Island (2022)

„Stolz und Vorurteil“ auf einer queeren Insel? Klingt gewagt, funktioniert aber erstaunlich gut. In dieser modernen Rom-Com ist Noah der eigensinnige Lizzy-Charakter, Will der stoische Darcy, und das Setting ist Fire Island, ein Rückzugsort der LGBTQ+-Community. Zwischen knallbunten Partys, Dating-Enttäuschungen und Gruppenritualen wird verhandelt, was Liebe heute noch bedeutet und wie viel Stolz oder Vorurteil man sich leisten kann, bevor es einsam wird. Der Film wurde für seinen Witz, seine Haltung und seine queere Repräsentation gefeiert, und das völlig zu Recht. Inhaltlich bleibt er freier, die Figuren sind überspitzter, der Ton schneller und leichter als bei den großen Literaturadaptionen. Fire Island trifft viele zentrale Austen-Themen, aber eher aus dem Handgelenk als mit tiefem Atem. Wichtig und aktuell, aber eben auch eher charmante Umarmung als große Oper. Die Adaption ist also frei, aber trotzdem überraschend respektvoll gegenüber dem Austen-Ausgangsstoff.

11. Love & Friendship (2016)

Diese Verfilmung basiert auf Austens Frühwerk „Lady Susan“ und unterscheidet sich deutlich im Ton von anderen Adaptionen. Kate Beckinsale spielt in Love & Friendship eine manipulative, elegante Anti-Heldin, deren Dialoge scharf, raffiniert und voller Subtext sind.

Der Film ist schnell, sprachgewandt und deutlich bissiger als andere Adaptionen und weniger romantisch - dafür aber sehr unterhaltsam. Besonders Austen-Kenner:innen, die auch die spöttischeren Seiten der Autorin schätzen, wissen das zu schätzen. Vor allem Kate Beckinsales Schauspielleistung wurde in dieser Adaption gelobt.

12. Austenland (2013)

Was, wenn man nicht nur Jane Austen liest, sondern gleich ganz in ihre Welt reisen möchte? Austenland erzählt von einer Frau, die einen Romantikurlaub in einem Austen-Rollenspielhotel bucht, samt Korsett, Tee und inszenierten Flirts. Die Geschichte ist verspielt und voller Selbstironie und keine direkte Adaption, dafür aber eine Meta-Komödie für Austen-Fans. Die Themen sind der Wunsch nach Romantik, Idealbilder und gesellschaftliche Rollen und bleiben damit Austen-typisch erhalten. Die Kritiken waren zwar gemischt, das Konzept hat aber trotzdem viele Fans gewonnen. Inhaltlich ist die Geschichte leicht und komödiantisch und ist daher mehr als Hommage zu sehen als als eigenständiges Werk.

Die besten Jane Austen-Verfilmungen: Hier streamst du die Filme und Serien aus dem Ranking

Die untenstehende Liste zeigt dir, wo alle Filme und Serien aus dem Jane Austen-Ranking zum Streamen verfügbar sind.

Was passiert, wenn ein Zoo nicht mehr reicht? Vier New Yorker Tiere brechen aus, und die Welt steht plötzlich Kopf. Madagascar ist ein Animationsphänomen mit Herz, Humor und einem Hauch Wahnsinn. Zwischen tropischer Wildnis, afrikanischer Weite und Zirkuszelten quer durch Europa wächst die Tiertruppe weit über sich hinaus.

Und weil Nebenfiguren manchmal zu heimlichen Helden werden, gibt’s obendrauf noch einen eigenen Film für die Pinguine, die eigentlich nie stillhalten. Diese Reihe ist bunt, laut, chaotisch und überraschend berührend. Bei uns findest du die richtige Reihenfolge aller Filme und Specials und erfährst außerdem, warum du dich auf den nächsten Teil freuen kannst. 

1. Die Madagascar-Pinguine in vorweihnachtlicher Mission (Special, 2005)

Noch vor dem Kinostart des ersten Madagascar-Films hatten Skipper, Kowalski, Rico und Private ihren ganz eigenen Mini-Auftritt – und was für einen. In diesem knapp 11-minütigen Kurzfilm planen die Madagascar-Pinguine in vorweihnachtlicher Mission folgendes: Sie wollen dem traurig wirkenden Eisbären im Zoo ein Geschenk bringen. Natürlich läuft nichts wie geplant. Es gibt Explosionen, Verfolgungsjagden, ein bisschen Chaos und jede Menge Slapstick – typisch Pinguine eben. Der Kurzfilm wurde ursprünglich vor „Wallace & Gromit – Auf der Jagd nach dem Riesenkaninchen“ im Kino gezeigt und war später auch auf der DVD von „Madagascar“ enthalten. Auch wenn’s nur ein kurzer Einsatz ist, hat dieser Weihnachts-Stunt der Pinguine Kultstatus – und zeigt einmal mehr: Die Truppe ist das Agentenkommando, von dem Santa Claus nur träumen kann.

2. Madagascar (2005)

Was als harmloser Geburtstagswunsch nach „mehr Freiheit“ beginnt, endet in einer tierischen Notlandung auf einer Insel voller Lemuren, Foosas - und Lebensfragen. Marty, das Zebra mit Freiheitsdrang, schleift den selbstverliebten Löwen Alex, die smarte Gloria und den hypochondrischen Melman mit auf einen unfreiwilligen Roadtrip in die Wildnis. Was folgt, ist Popkultur-Pingpong vom Feinsten, mit Party-Lemur King Julien als Szene-Dieb und einem Soundtrack, der sich ins Ohr brennt. Doch unter der Oberfläche kratzt Madagascar an echten Themen: Bin ich, wer ich glaube zu sein? Oder wer andere wollen, dass ich bin? Der Film schafft den Spagat zwischen Kinderlachen und Identitätskrise – und legt damit den Grundstein für eine unvergessliche Reihe.

3. Madagascar 2 - Flucht nach Afrika (2008)

Zurück zu den Wurzeln, buchstäblich. In Teil zwei stranden die vier Freunde in der afrikanischen Savanne, ein Ort, der für Alex nicht nur Heimat, sondern auch Prüfstein wird. Als Showlöwe aus New York muss er plötzlich echte Löwenkünste beweisen, was ehersuboptimal läuft. Auch Marty, Gloria und Melman durchleben kleine Tragödien und große Gefühle: Liebe, Selbstzweifel und die Frage, was Familie eigentlich bedeutet. Madagascar 2 - Flucht nach Afrika schlägt leisere Töne an, bleibt aber in Bewegung, und das humorvoll, warmherzig und mit genau der richtigen Portion Slapstick. Ein Coming-of-Wildlife, das zeigt: Freiheit ist nicht nur ein Ort, sondern oft ein innerer Zustand. Und Melman in Liebesnöten? Kino-Giraffen-Gold.

4. Fröhliches Madagascar (Special, 2009)

Schlitten statt Flugzeug, Geschenke statt Löwenbrüllen: In em ca. 30-minütigen Special Fröhliches Madagascar landen Alex, Marty, Melman und Gloria mitten im Weihnachtsstress. Als der Weihnachtsmann über der Insel abstürzt und sein Gedächtnis verliert, springen kurzerhand die Zoo-Tiere für ihn ein. Was folgt, ist ein festlicher Roadtrip per Rentierschlitten mit vielen slapstickreichen Stationen und dem Versuch, Weihnachten für alle Kinder der Welt zu retten. „Fröhliches Madagascar“ ist ein witziger und charmant animierter Weihnachtsspaß mit den bekannten Stimmen und viel Herz. Besonders schön: Auch König Julien hat einen großartigen Auftritt, natürlich mit seinem ganz eigenen Verständnis von Besinnlichkeit. Ein liebevolles Spin-off, das auch Jahre später immer noch ideal für einen gemütlichen Dezemberabend ist.

5. Madagascar 3 – Flucht durch Europa (2012)

Mehr Farbe geht nicht: Teil drei ist ein neonleuchtendes Zirkusabenteuer, das so rasant ist wie eine Kanonenkugelnummer. Die vier Zoo-Freunde verschlägt es in Madagascar 3 - Flucht durch Europa über den großen Teich. Sie sind auf der Flucht vor der herrlich überdrehten Tierfängerin Chantel DuBois. Die Rettung? Ein heruntergekommener Zirkus, den sie auf Vordermann bringen, und das mit Herz, Humor und einer Show, die selbst PopstarsKonkurrenz macht. Flucht durch Europa ist mehr als nur visuelle Überdosis: Es ist eine Geschichte über Neuanfang, Zugehörigkeit und das Loslassen alter Sicherheiten. Wer glaubt, Zirkus sei aus der Zeit gefallen, wird hier eines Besseren belehrt. Ein rasanter, emotionaler Abschluss der Trilogie mit einem „Firework“-Finale, das knallt und rührt.

6. Verrücktes Madagascar (Special, 2013)

Valentinstag auf Madagascar: Ein Feiertag, den King Julien am liebsten für sich allein beanspruchen will. In diesem 22-minütigen TV-Special dreht sich alles um Liebe, Eitelkeit und ein Duftspray mit aphrodisierender Wirkung. Während Alex verzweifelt versucht, die perfekte Valentinsüberraschung zu planen, wird Marty durch das Liebes-Parfum zum Frauenschwarm, und King Julien liefert natürlich ein fragwürdiges Fest der Herzen. Verrücktes Madagascar ist kein vollwertiger Film, sondern eher ein Sidekick mit hohem Slapstick-Faktor. Doch gerade Fans der Figuren kommen hier auf ihre Kosten: Es gibt schnelle Gags, absurde Romantik und die Erkenntnis, dass auch Zootiere ihre schwachen Momente haben. Kurz, schrill, charmant und ein Bonbon für zwischendurch.

7. Die Pinguine aus Madagascar (2014)

Sie waren schon im ersten Madagascar das heimliche Highlight, jetzt übernehmen Skipper, Kowalski, Rico und Private selbst das Kommando. Und wie! In ihrem eigenen Spin-off treffen die Pinguine aus Madagascar auf ein bizarres Oktopus-Genie namens Dave, der sich an allen süßen Zoo-Tieren rächen will. Was folgt, ist eine Agentenparodie, wie sie absurder nicht sein könnte: Highspeed-Gags, Undercover-Missionen, Lasershows und eine Menge Tiefkühlfisch. Die Pinguine aus Madagascar ist wilder, lauter und noch cartooniger als die Hauptreihe, das alles aber mit dem gleichen Herz. Und ganz ehrlich: Selten war Weltrettung so charmant planlos. Wer auf Chaos mit System steht, wird die vier Spione mit Flossen lieben.

8. Madagascar 4 (angekündigt)

Seit Jahren warten Fans auf eine Fortsetzung der Madagascar-Reihe. Nach einem eher überschaubaren Erfolg der Pinguine aus Madagascar blieb es erstmal ruhig. Inzwischen hoffen Fans auf den nächsten Ableger, der im Jahr 2026 erscheinen soll. Details sind noch geheim, gehofft wird jedoch auf eine Rückkehr zu den Wurzeln mit viel Abenteuer, coolen Dialogen und vor allem jeder Menge Spaß mit Alex und seiner wilden Crew. Nach all den Jahren hat die Reihe immer noch ihre Frische behalten, und viele freuen sich auf neue Schauplätze und vielleicht sogar neue tierische Freunde. So viel ist sicher: Die Mischung aus Humor, Herz und wildem Chaos wird auch beim nächsten Abenteuer nicht fehlen. Bleibt nur zu hoffen, dass der Film das hohe Level der Vorgänger hält und uns wieder einmal richtig zum Lachen bringt.

So streamst du alle Filme und Specials in der richtigen Reihenfolge

Die untenstehende JustWatch-Liste zeigt dir, wo alle Filme und Specials von Madagascar aktuell zum Streamen verfügbar sind.

Die Jurassic Park- und Jurassic World-Reihe liefern nicht nur spektakuläre Dino-Action, sondern auch einige der kreativsten und einprägsamsten Filmtode der Kinogeschichte. Seit dem ersten Film von Steven Spielberg aus dem Jahr 1993 sorgen die Abenteuer auf Isla Nublar und Isla Sorna für Gänsehaut – nicht zuletzt, weil die Urzeitgiganten immer wieder auf besonders grausame Weise zuschlagen.

In jeder neuen Fortsetzung werden die Grenzen des Machbaren weiter verschoben und die Zuschauer erleben, wie unterschiedlich und schockierend das Schicksal der menschlichen Figuren enden kann. Gerade die Mischung aus Nervenkitzel, Schockmomenten und schwarzem Humor macht die Reihe für viele Fans so besonders und sorgt dafür, dass einige Tode noch Jahre später diskutiert werden.

1. Zara Young (Jurassic World, 2015)

Zara Young erlebt in Jurassic World eine der grausamsten und am längsten ausgespielten Todesszenen der gesamten Reihe. Während des Chaos im Park wird sie vor den Augen der Besucher von einem Pteranodon gepackt, in die Luft geschleudert und mit panischem Schreien über das Gelände getragen. Doch damit ist ihr Martyrium noch lange nicht vorbei: Mehrere Pteranodons kämpfen in der Luft um ihre Beute, wobei Zara immer wieder ins Wasser des riesigen Mosasaurus-Beckens fällt, nur um erneut attackiert und fast ertränkt zu werden. Die Kamera bleibt dabei ungewöhnlich nah an ihr dran, sodass das Publikum jede Sekunde ihrer Angst und Hilflosigkeit miterlebt. Schließlich taucht der gigantische Mosasaurus auf und verschlingt Zara samt eines Pteranodons in einem einzigen, brutalen Happen – ein Moment, der sich wie eine Ewigkeit anfühlt und für viele Fans als heftigster Schockmoment gilt.

2. Eddie Carr (Vergessene Welt: Jurassic Park, 1997)

Eddie Carr ist einer der wenigen echten Heldenfiguren in Vergessene Welt: Jurassic Park – und sein Tod zählt zu den tragischsten und brutalsten Momenten der gesamten Reihe. Als Ian Malcolm und Sarah Harding in einem Wohnwagen über einer Klippe hängen, setzt Eddie alles daran, sie mit seinem Auto und einer Seilwinde zu retten. Während er unter größtem Stress und Lebensgefahr arbeitet, tauchen plötzlich zwei ausgewachsene T-Rex auf und reißen das Fahrzeug auseinander. Eddie versucht noch, sich zu verteidigen, doch die Dinos packen ihn, zerren ihn aus dem Auto und reißen ihn regelrecht in Stücke. Die Kamera bleibt dabei gnadenlos auf dem Geschehen, sodass das Publikum den schmerzhaften Todeskampf in voller Länge miterlebt.

3. Dieter Stark (Vergessene Welt: Jurassic Park, 1997)

Dieter Stark, ein rücksichtsloser Jäger und Söldner, unterschätzt in Vergessene Welt: Jurassic Park die Gefährlichkeit der kleinen Compsognathus, auch Compys genannt, auf fatale Weise. Nachdem er sich von seiner Gruppe entfernt hat, wird er von einem einzelnen Compy zunächst nur neugierig beobachtet, doch schnell wird daraus eine bedrohliche Situation. Immer mehr der kleinen, scheinbar harmlosen Dinos umzingeln ihn, bis Dieter schließlich panisch versucht, sie abzuschütteln. Doch die Compys sind unerbittlich: Sie springen ihn an, beißen und kratzen, während Dieter immer tiefer ins dichte Unterholz stolpert. Die Kamera zeigt, wie seine Panik wächst, als er merkt, dass er den Angriffen hilflos ausgeliefert ist. Besonders verstörend ist, dass sein Tod nicht schnell und spektakulär, sondern langsam und qualvoll geschieht – die Compys zerlegen ihn (abseits der Kamera) Stück für Stück bei lebendigem Leib. 

4. Donald Gennaro (Jurassic Park, 1993)

Der legendäre Toiletten-Tod von Donald Gennaro in Jurassic Park ist bis heute einer der bekanntesten und meistzitierten Momente der gesamten Reihe. Als der T-Rex aus seinem Gehege und das Chaos ausbricht, sucht der Anwalt panisch Schutz in einer scheinbar sicheren Toilettenkabine. Doch statt Rettung erwartet ihn das ultimative Unheil: Der T-Rex zerstört mit einem einzigen Biss das kleine Häuschen, reißt Gennaro von der Toilette und verschlingt ihn vor den schockierten Augen der Kinder. Die Szene verbindet auf geniale Weise schwarzen Humor mit echtem Grauen – und bleibt als Paradebeispiel dafür im Gedächtnis, wie die Reihe Schockeffekte und Ironie miteinander vereint. Gennaros Tod ist nicht nur ikonisch, sondern auch ein Sinnbild für die Hilflosigkeit des Menschen angesichts der unbändigen Urzeitmacht der Dinosaurier. Für viele Fans steht diese Szene exemplarisch für die Mischung aus Spannung, Witz und Horror, die Jurassic Park so besonders macht – und sie wird bis heute in Memes, Parodien und Popkultur zitiert.

5. Dennis Nedry (Jurassic Park, 1993)

Dennis Nedry, der schmierige Computertechniker und eigentliche Auslöser des Jurassic-Park-Chaos, bekommt in Jurassic Park ein besonders denkwürdiges und grausames Ende, das bis heute zu den spannendsten und atmosphärisch dichtesten Szenen des Films zählt. Nachdem Nedry versucht hat, mit gestohlenen Embryonen zu fliehen, bleibt er mit seinem Jeep im strömenden Regen stecken und begegnet dem scheinbar harmlosen, aber tödlichen Dilophosaurus. Zunächst nimmt Nedry die Bedrohung nicht ernst, doch als der Dino sein charakteristisches Nackenschild aufstellt und ihn mit giftigem Speichel bespuckt, kippt die Situation schlagartig. Geblendet und panisch versucht Nedry, ins Auto zu flüchten, doch der Dilophosaurus ist schneller: Im Inneren des Fahrzeugs wird Nedry brutal attackiert und verschwindet schreiend hinter der beschlagenen Scheibe. Die Szene spielt gekonnt mit schwarzem Humor, denn Nedrys Überheblichkeit, Gier und sein fehlendes Verantwortungsbewusstsein führen ihn direkt in sein grausames Schicksal. 

6. Cooper (Jurassic Park III, 2001)

Cooper, ein selbstbewusster und schwer bewaffneter Söldner, glaubt in Jurassic Park III zunächst, auf der Insel alles unter Kontrolle zu haben. Doch schon kurz nach der Landung wird er von der brutalen Realität eingeholt: Nach einem chaotischen Zwischenfall im Dschungel taucht Cooper verletzt und panisch am Rand der Landebahn auf, während seine Kollegen bereits im Flugzeug sitzen und nur noch weg wollen. Seine verzweifelte Flucht zurück zum Flugzeug ist von purer Angst und Überlebenswillen geprägt – doch das Schicksal ist gnadenlos. Im letzten Moment reißt ein Spinosaurus ihn mit einem einzigen, kraftvollen Biss von der Landebahn und verschlingt ihn vor aller Augen. Die Szene ist zwar kurz, aber extrem intensiv inszeniert und verdeutlicht eindrucksvoll, wie unberechenbar und tödlich die neuen Dinosaurier sind. Coopers Tod ist ein Schockmoment, der nicht nur die Zuschauer, sondern auch die Passagiere im Flugzeug  in Angst und Schrecken versetzt. 

7. Simon Masrani (Jurassic World, 2015)

Simon Masrani, der charismatische Leiter von Jurassic World, steht für die Vision einer sicheren, modernen Dino-Freizeitpark-Erfahrung – und wird am Ende selbst zum Opfer seiner eigenen Ambitionen. Als im Park das Chaos ausbricht und die Dinos die Kontrolle übernehmen, entscheidet sich Masrani, persönlich einzugreifen und das Problem aus der Luft zu lösen. Er steigt in einen Helikopter, um die Saurier zu stoppen, doch die Situation eskaliert schnell: Pteranodons greifen den Helikopter an, die Rotoren werden beschädigt und Masrani verliert die Kontrolle über das Fluggerät. In einer spektakulären Sequenz stürzt der Helikopter ab und explodiert, was nicht nur Masrani, sondern auch seine Crew das Leben kostet. Dieser Tod ist zwar weniger blutig als viele andere im Franchise, aber gerade durch die Inszenierung als spektakuläres Scheitern eines Verantwortlichen bleibt er besonders einprägsam. Masranis Ende steht sinnbildlich für die Hybris der Parkbetreiber, die glauben, alles kontrollieren zu können – und zeigt, dass in der Welt von Jurassic World selbst die Mächtigsten nicht vor den Konsequenzen ihrer Entscheidungen sicher sind..

8. Peter Ludlow (Vergessene Welt: Jurassic Park, 1997)

Peter Ludlow, der skrupellose Geschäftsmann aus Vergessene Welt: Jurassic Park, steht beispielhaft für die Gier und Rücksichtslosigkeit, die im Jurassic-Universum selten ungestraft bleiben. Nachdem er alles für den Profit riskiert und die Tiere wie reine Ware behandelt hat, ereilt ihn ein besonders grausames Schicksal: Zunächst wird er vom erwachsenen T-Rex schwer verletzt, bevor er im dunklen Frachthaus von San Diego auf den Nachwuchs trifft. Dort wird Ludlow, hilflos und voller Panik, von dem jungen T-Rex zu Boden geworfen und regelrecht zum Fraß vorgeworfen. Die Szene ist als „poetische Gerechtigkeit“ inszeniert, denn Ludlow hatte zuvor selbst die Jagd auf die Tiere angeführt und wird nun von gleich zwei Generationen der Raubsaurier gejagt und gefressen. Besonders eindrücklich ist, wie die Kamera seinen verzweifelten Kampf ums Überleben einfängt.

9. Billy Brennan (Jurassic Park III, 2001)

Billy Brennan ist in Jurassic Park III einer der wenigen Charaktere, die für einen kurzen Moment echte Opferbereitschaft zeigen – und das in einer der intensivsten und emotionalsten Szenen der gesamten Reihe. Als Eric Kirby im düsteren, nebelverhangenen Aviarium von einer Gruppe Pteranodons bedroht wird, zögert Billy nicht lange: Mit einem improvisierten Paraglider stürzt er sich in die Gefahr, um den Jungen zu retten. Dabei riskiert er bewusst sein Leben und wird im Wasser von mehreren Pteranodons brutal attackiert und unter Wasser gedrückt. Die Szene ist nicht besonders blutig, aber gerade durch das Chaos, die Hilflosigkeit und Billys verzweifelten Mut besonders eindringlich. Während die anderen fliehen, bleibt Billy zurück und wird von den Raubvögeln weggeschleppt – ein Moment, der für das Publikum wie ein endgültiger Abschied wirkt. Erst am Ende des Films wird klar, dass Billy lebend gerettet wurde, was für viele Zuschauer eine echte Überraschung ist. Es handelt sich also nur um einen scheinbaren Tod, der dennoch als einer der emotionalsten und menschlichsten Momente der Jurassic Park-Reihe in Erinnerung bleibt.

10. Eli Mills (Jurassic World: Das gefallene Königreich, 2018)

Eli Mills, der skrupellose Strippenzieher in Jurassic World: Fallen Kingdom, bekommt am Ende des Films eine der spektakulärsten und grausamsten Abrechnungen der gesamten Reihe. Nachdem seine fiesen Pläne endgültig gescheitert sind und das Chaos im Lockwood-Anwesen ausgebrochen ist, versucht Mills in letzter Sekunde mit dem wertvollen Indominus-Rex-Knochen zu entkommen. Doch auf dem Parkplatz vor dem Anwesen wird er von gleich zwei der ikonischsten Dinosaurier der Filmreihe erwartet: Der T-Rex taucht plötzlich auf, schnappt sich Mills und schleudert ihn wie eine wertlose Beute durch die Luft. Noch während Mills um sein Leben kämpft, nähert sich der gefürchtete Carnotaurus, der sich ebenfalls ein Stück von der Beute sichern will. Gemeinsam zerreißen die beiden Raubsaurier Mills in einem kurzen, aber extrem brutalen Fressrausch – ein Moment, der eindrucksvoll zeigt, dass im Jurassic-Universum am Ende immer die Natur die Oberhand behält. 

Wo du "Jurassic Park" & "Jurassic World" streamen kannst

Du willst die spektakulärsten Dino-Tode und die größten Momente der Reihe noch einmal erleben? Im JustWatch-Streaming-Guide findest du alle Filme des Franchise – von Jurassic Park (1993) bis Jurassic World: Dominion (2022). Mit der praktischen Filterfunktion kannst du gezielt nach Anbieter, Genre, Preis oder Bewertung suchen und so schnell herausfinden, wo du deine Lieblings-Dinos und ihre menschlichen Opfer aktuell legal streamen kannst. Egal ob du die Klassiker erneut sehen oder die neuesten Abenteuer entdecken willst: Bei JustWatch findest du immer die passende Streaming-Option für dein nächstes Dino-Marathon-Erlebnis. Im JustWatch-Guide kannst du übrigens nicht nur alle Jurassic-Filme, sondern auch zahlreiche weitere Dino-Filme und Serien entdecken!

Ari Aster gilt als einer der stilprägenden Regisseure des zeitgenössischen Arthouse-Kinos. Seine Filme verknüpfen psychologischen Terror mit familiären Traumata, visueller Exzellenz und einer beinahe quälenden emotionalen Direktheit.

Asters Handschrift ist klar: Er baut Bilder von verstörender Schönheit, erzählt von Schmerz ohne Sentimentalität und zwingt sein Publikum, hinzusehen, wo andere längst abblenden.

Seit seinem Spielfilmdebüt Hereditary (2018) wird Aster als einer der wichtigsten neuen Stimmen im Horrorgenre gefeiert – obwohl er das Etikett „Horror“ selbst nie ganz gelten lassen wollte.

Neben seiner Tätigkeit als Regisseur und Drehbuchautor wirkt Aster auch als Produzent, etwa bei dem animierten Kurzfilm The Bones (2021) oder Death of a Unicorn (2025), einem absurden Netflix-Projekt mit Paul Rudd. Im Fokus dieses Artikels steht jedoch sein Werk als Filmemacher, das bislang aus vier Langfilmen und mehreren bemerkenswerten Kurzfilmen besteht.

Hereditary (2018)

Asters Debütfilm beginnt als Familiendrama und endet in einem Höllentrip. Nach dem Tod ihrer Mutter versucht die Künstlerin Annie (brillant: Toni Collette), ihre zerrüttete Familie zusammenzuhalten. Doch mit jedem Tag häufen sich unerklärliche Ereignisse, alte Traumata brechen auf, und die Grenze zwischen psychischer Instabilität und übernatürlichem Horror verschwimmt. Aster inszeniert den Verfall dieser Familie mit einer Präzision, die schmerzhaft ist: Kein Blick ist zufällig, kein Schock umschifft. Hereditary ist allerdings kein Film des Jumpscare-Horrors, sondern einer der existenziellen Verzweiflung, der Unausweichlichkeit des Erbes. Die Katharsis bleibt aus – Asters Blick ist unbarmherzig. Ein Film, der in der Tradition von Polanski und Bergman steht, und dennoch unverkennbar Aster ist.

Midsommer (2019)

Was, wenn das Grauen grell ausgeleuchtet und in Blumengirlanden gehüllt ist? Midsommer verlegt den Schrecken in die skandinavische Sommersonne – eine Entscheidung, die dem Film seine eigentümliche Wirkung verleiht. Florence Pugh spielt die traumatisierte Dani, die mit ihrem emotional abgestumpften Partner und dessen komischen Freunden in eine abgelegene Kommune in Schweden reist. Was zunächst wie ein außergewöhnlicher Sommerausflug wirkt, entwickelt sich zum psychedelischen Albtraum. Aster vermischt Volksmythologie, Beziehungsdrama und rituellen Horror mit makaberer Ironie. Anders als in Hereditary entfaltet sich das Grauen hier langsam, schleichend – doch nicht minder brutal, und es trifft mit voller Wucht. Midsommer ist ein Horrorfilm ohne Dunkelheit – und genau darin liegt seine Unheimlichkeit.

Beau Is Afraid (2023)

Mit Beau Is Afraid schlägt Aster einen radikal anderen Ton an – oder besser: er überdreht seine bisherigen Motive ins Groteske. Joaquin Phoenix spielt Beau, einen neurotischen Mann, der auf eine absurde Odyssee geht, um zu seiner Mutter zu gelangen. Was folgt, ist ein dreistündiger Albtraumtrip durch Schuldgefühle, Kontrollverlust und infantile Anwandlungen. Der Film ist chaotisch, komisch, beklemmend und unfassbar persönlich – man spürt Asters Handschrift, aber sie ist diesmal in die Formen von Kafka, Charlie Kaufman und Freud gegossen. Beau Is Afraid spaltet das Publikum: Wer sich auf den Irrsinn einlässt, erlebt ein schonungsloses Porträt existenzieller Angst. Wer klassische Narrative sucht, wird verzweifeln. Asters dritter Film ist ein Kraftakt – kein Horrorfilm mehr, sondern eine surrealistische Psycho-Fabel. Ein Meisterwerk für manche, eine Überforderung für alle.

Eddington (2025)

Ari Asters vierter Spielfilm ist eine brillant-bösartige Abrechnung mit der Hysterie der Pandemiejahre – und der Film, der in der gesellschaftlichen Debatte um Corona eigentlich gefehlt hat. Eddington verpackt kollektive Angstzustände, Misstrauen und Kontrollverlust in eine grelle, stilisierte Groteske. Was als düsterer Western mit metaphysischem Einschlag angekündigt wurde, entpuppt sich als vielschichtige Satire auf eine Zeit der Überreaktionen. Aster teilt in alle Richtungen aus: gegen Verschwörungsgläubige ebenso wie gegen jene, die sich selbst als moralische Endinstanz inszenierten und mit überzogener Regelstrenge agierten. Joaquin Phoenix überzeugt als überforderter Sheriff, Emma Stone spielt seine zunehmend paranoide Ehefrau, Pedro Pascal gibt den aalglatten Bürgermeister eines Ortes, in dem soziale Medien jeden Konflikt weiter eskalieren lassen. Eddington ist Asters bislang politischster und gleichzeitig bissigster Film – eine düster-komische Reise durch ein kollektives Trauma, das niemand ganz unbeschadet überstanden hat.

Die frühen Kurzfilme: Kleine Studien der Grausamkeit

Bevor Ari Aster Spielfilme drehte, schockierte er mit provokanten Kurzfilmen – insbesondere mit The Strange Thing About the Johnsons (2011), einer Inzest-Geschichte, die das Tabu nicht umkreist, sondern frontal angeht. Schon hier zeigt sich Asters Gespür für familiäre Dynamiken, für das Unaussprechliche und die perfide Macht dessen, was verschwiegen wird. Weitere Kurzfilme wie Munchausen (2013), The Turtle’s Head (2014) und C’est la vie (2016) changieren zwischen schwarzer Komödie und tiefer Tragik. Die visuelle Handschrift – klare Bildkompositionen, langgehaltene Einstellungen, kontrollierte Farbgebung – ist bereits erkennbar. Asters Kurzfilme sind weniger Fingerübungen, als Studien über Abhängigkeit, Kontrolle und das Grauen hinter dem Alltäglichen. Wer verstehen will, wie Hereditary entstand, sollte hier anfangen.

Die Filme von Ari Aster im Streaming-Überblick: Zwischen Trauma, Terror und dem Tragisch-Komischen

Die untenstehende Liste zeigt, bei welchen Anbietern die Filme von Ari Aster derzeit im Abo, als Kauf- oder Leihoption verfügbar sind.

Nicolas Cage „nur“ als Hollywoodlegende zu bezeichnen, würde dem Kern der Sache nicht gerecht werden. Vielmehr ist Cage ein Phänomen: ein grandioser Exzentriker, der im Laufe seiner Karriere zwischen Blockbustern und Cineasmus, Trash und Selbstpersiflage, Kunst und Kommerz hin- und herchangierte wie wenige andere.

Er machte mit seltsamen Dingen Schlagzeilen, wurde zur Kunst- und Kultfigur, spielt sich mittlerweile oft selbst. Unterschätzen sollte man Cage trotz seiner oft exzentrischen Rollenauswahl als Schauspieler keinesfalls – das zeigt auch sein aktueller Film The Surfer, der im Mai 2025 in die deutschen Kinos kam. Wir werfen einen Blick auf Cages beste Rollen – und bewundern seine Wandlungsfähigkeit.

Leaving Las Vegas (1995)

Leaving Las Vegas ist DER Nicolas-Cage-Kultfilm – und die allererste Wahl, wenn man in seine außergewöhnliche Filmografie eintauchen will. In diesem gleichermaßen schonungslosen wie auch todtraurigen Drama spielt Cage einen gescheiterten Drehbuchautor, der nach Las Vegas kommt, um sich dort zu Tode zu trinken – mit voller Absicht. Unter der Regie von Mike Figgis ist Leaving Las Vegas eine trunkene Elegie, ein Abgesang auf das Leben. Ebenfalls großartig: Elisabeth Shue als einfühlsame Prostituierte, mit der sich eine ungewöhnliche, aber zutiefst berührende Liebesgeschichte entwickelt. Pathos? Nein, wahrer Schmerz. Leaving Las Vegas ist eine Mischung aus tragischer Liebesgeschichte, Existenzialdrama und Großstadtmelancholie. Cages Leistung ist überwältigend – intensiv, glaubwürdig, entwaffnend. Er wurde dafür mit dem Oscar als Bester Hauptdarsteller ausgezeichnet – zu Recht. An diesem Film kommt man nicht vorbei.

Mandy (2018)

Nicolas Cage kann auch Horror – und zwar psychedelisch, blutig und kompromisslos. Das beweist er eindrucksvoll in Mandy, einem imposanten Rachetrip voller Wahnsinn und Gewalt. Regie führte Panos Cosmatos, an Cages Seite spielt Andrea Riseborough als titelgebende Mandy. Die Handlung: Red, ein Einzelgänger, lebt abgeschieden im Wald. Als seine Partnerin Mandy von einer wahnsinnigen Sekte grausam ermordet wird, bricht für ihn jede Realität zusammen. Was folgt, ist ein sinnesverzerrter, gewalttätiger Albtraum – ein Rachefeldzug inmitten von Blut, Drogenrausch und surrealem Horror. Cages Schauspiel ist immens intensiv, wuchtig und schonungslos. Für viele gilt Mandy als einer der radikalsten und besten Filme seiner Karriere.

Con Air (1997)

Cage ist auch perfekt für Blockbuster mit ordentlich Krawumm – das bewies er 1997 in Con Air. Als ehemaliger Elitesoldat Cameron Poe fliegt er in einem Hochsicherheitsflugzeug voller Schwerverbrecher – und natürlich geht alles schief. Der Rest ist pures Spektakel. Der Film ist alles andere als subtil. Es gilt: Klotzen, nicht kleckern – in jeder Hinsicht. Explosionen, Pathos, schräger Humor und ein Nicolas Cage mit wehenden Haaren, Tanktop und Knarre in der Hand. Con Air versucht gar nicht erst, sich vor Kitsch oder Klischees zu verstecken – und genau das macht ihn so unterhaltsam. Zwischen Gefängnisrevolten, Überlebenskampf und einer gehörigen Dosis Patriotismus glänzt Cage als harter, aber herzensguter Familienvater. Kein großer Cineasmus, aber ein gigantisches Stück Unterhaltung – mit Adrenalinschub-Garantie.

Adaption - Der Orchideendieb (2002)

In Adaption übernimmt Nicolas Cage eine Doppelrolle. Er spielt den Drehbuchautor Charlie Kaufman und dessen Zwillingsbruder Donald. Cage inszeniert Größenwahn, Unsicherheit und kreative Verzweiflung mit beeindruckender Präzision – mal neurotisch, mal aufgedreht, immer glaubwürdig. Regisseur Spike Jonze und Autor Charlie Kaufman leisten hier grandiose Arbeit – und gaben Cage die perfekte Plattform, sein dramatisches und komödiantisches Talent im Chaos zu entfalten. Dafür wurde er erneut für einen Oscar nominiert. Ein echtes Cage-Meisterwerk – für alle, die ihn in einem intellektuell verspielten, aber gleichzeitig emotionalen Kontext erleben wollen.

Im Körper des Feindes (1997)

Im Körper des Feindes (englischer Originaltitel: Face off) ist für viele der Cage-Klassiker schlechthin. In John Woos kultigem Actionthriller tauscht Nicolas Cage das Gesicht mit John Travolta – buchstäblich. Als Terrorist Castor Troy liefert Cage hier eine seiner überdrehtesten, aber auch unterhaltsamsten Performances. Er ist explosiv, wild, unberechenbar – und genau das macht den Reiz aus. Doch der Film bietet mehr als nur Action: Die Doppelung der Identitäten, das psychologische Spiel zwischen Gut und Böse – das alles hebt Face/Off weit über den üblichen 90er-Jahre-Actionstandard hinaus. Die Choreografien sind spektakulär, die Spannung konstant hoch. Sowohl Kritiker als auch Fans feierten Face/Off als überdrehtes, aber stilvolles Actionkino, das mit seinem irrwitzigen Plot, spektakulärer Inszenierung und den entfesselten Performances von Cage und Travolta schnell Kultstatus erreichte.

Bad Lieutenant: Cop ohne Gewissen (2009)

2009 arbeitet Nicolas Cage mit der deutschen Regie-Legende Werner Herzog zusammen – eine Kombination, die genauso exzentrisch ist wie der Film selbst. In Bad Lieutenant: Cop ohne Gewissen spielt Cage einen drogenabhängigen und korrupten Polizisten, der in einem völlig verwahrlosten, von Gewalt und Chaos geprägten New Orleans ermittelt.

Cage liefert einmal mehr eine unvergessliche Performance ab. Er zeigt einen Mann, der sich am absoluten Limit befindet – körperlich, moralisch, existenziell. Seine Figur taumelt durch den Film zwischen Größenwahn und Verzweiflung, zwischen Kontrollverlust und Allmachtsfantasien. Cage jongliert Wahnsinn, Abgründigkeit und tiefen Schmerz, ohne je die Kontrolle über seine Figur zu verlieren. Wer sehen will, wie radikal Nicolas Cage als Schauspieler sein kann, kommt an diesem Film nicht vorbei. Bad Lieutenant ist verstörend, bizarr – und Cage in Reinform.

The Rock – Fels der Entscheidung (1996)

Noch so ein Action-Blockbuster. Halt – nicht NOCH so einer, sondern: einer der größten überhaupt. An der Seite von Sean Connery spielt Cage in The Rock, einem der 90er-Klassiker schlechthin. Terroristen bedrohen San Francisco, und die Antwort darauf ist ganz klar: klassische 90er-Jahre-Action – groß, laut, kompromisslos.

Der Film bietet alles, was in dem Genre dazugehört: coole Sprüche, moralische Zwiespälte, jede Menge Explosionen – und mittendrin Nicolas Cage, der als FBI-Chemiewaffenexperte zwischen Nerd und Actionheld wechselt. Connery gibt den alten, weisen Haudegen und Alcatraz-Experten. Gemeinsam kämpfen sie sich durch das Sperrgebiet. Die Zeit spielt gegen sie. Regie führte hier Michael Bay – und der setzt auf volles Tempo und schuf einen Klassiker des Action-Blockbusters.

Pig (2021)

Es ist eben nicht nur Exzentrik bei Nicolas Cage. Auch wenn er in vielen Filmen ausrastet, explodiert oder völlig überdreht agiert – Pig schlägt einen ganz anderen Ton an: ruhig, meditativ, kontemplativ. Wer glaubt, Cage sei ausschließlich für schräge Rollen und absurde Drehbücher zuständig, wird hier eines Besseren belehrt. In Pig spielt er einen zurückgezogen lebenden Trüffeljäger, dessen geliebtes Schwein entführt wird. Was wie ein skurriler Plot klingt, wird zu einer stillen, aber eindringlichen Reise – nicht durch Wälder oder Städte, sondern durch Erinnerung, Verlust und tief sitzenden Schmerz. Cage zeigt, dass es auch minimalistisch geht – und wirkt dabei kein bisschen weniger intensiv. Er bleibt stoisch, verletzlich, vollkommen glaubwürdig. Pig ist ein Film über Trauer, Einsamkeit und die Suche nach dem eigenen Platz in der Welt – getragen von einem Nicolas Cage, der hier mit leiser Größe und emotionaler Tiefe glänzt.

Die Farbe aus dem All (2019)

Ein Lovecraft-Trip mit Nicolas Cage. Basierend auf einer Geschichte des Kultautors H. P. Lovecraft geht es hier mysteriös zu. Farmhaus, Familie – alles scheinbar normal. Aber dann kommt Besuch vom Himmel. Etwas stürzt ab. Eine Farbe, die niemand kennt. Etwas, das nicht von dieser Welt ist. Langsam breitet sich der Wahnsinn aus. Das Wasser schmeckt seltsam. Die Tiere verhalten sich komisch. Die Pflanzen leuchten in falschen Farben. Und die Menschen verändern sich. Auch Cage. Sein Spiel ist wild, roh, intensiv. Mal laut, mal starr vor Entsetzen. Ein Mann, der zerbricht und es trotzdem nicht wahrhaben will. Die Inszenierung ist hypnotisch, verstörend, immer ein bisschen neben der Realität. Es flimmert, es zischt, es wächst etwas, das man nicht benennen kann. Wer Filme wie The Thing oder Annihilation mag, kommt hier auf seine Kosten. Auch, wer Cage sehen will, wie er völlig abdreht – ohne dabei zur Karikatur zu werden. Die Farbe aus dem All ist seltsam, fremd und wunderschön kaputt.

The Unbearable Weight of Massive Talent (2022)

2022 ist Nicolas Cage längst zur Kultfigur geworden. Dem trägt er in The Unbearable Weight of Massive Talent Rechnung – indem er sich einfach selbst spielt. Oder besser gesagt: eine fiktionalisierte Version von Nicolas Cage. Mit jeder Menge Selbstironie nimmt er sich hier genüsslich auf die Schaufel. Cage steckt in der Krise. Die Karriere liegt auf Eis. Die guten Rollen bleiben aus. Die Finanzen sind im Keller. Da kommt ein seltsames Angebot: Eine Million Dollar dafür, dass er auf der Geburtstagsparty eines reichen Superfans auftaucht. Klingt nach leicht verdientem Geld – wäre der Gastgeber nicht möglicherweise ein gefährlicher Waffenhändler. Was folgt, ist ein Film auf mehreren Metaebenen. Eine Komödie. Ein Actionfilm. Eine Hommage. Eine Satire auf Hollywood. Und natürlich auf Cage selbst. Der spielt hier alles: sich selbst, frühere Versionen seiner selbst, seine größten Rollen, sein Ego, seinen Zweifel. Und es funktioniert. The Unbearable Weight of Massive Talent  ist eine Liebeserklärung an das Kino, an absurde Action, an Nicolas Cage. Pedro Pascal ist großartig als enthusiastischer Fan mit düsterem Geheimnis. Und Cage zementiert mit diesem Film endgültig seinen Status als Ausnahmefigur im Popkulturuniversum. Man kann Nicolas Cage mögen oder nicht – diesen Film wird man lieben.

Wo du diese Filme streamen kannst

Alle Nicolas-Cage-Filme, die wir in dieser Liste vorgestellt haben, sind auf verschiedenen Streaming-Plattformen verfügbar. Über die verlinkten Titel kannst du jederzeit prüfen, wo du die Filme aktuell sehen kannst – egal ob im Abo, zum Leihen oder Kaufen. So findest du mit wenigen Klicks genau den passenden Dienst für deinen nächsten Filmabend mit Nicolas Cage – voller Wahnsinn, Wucht und großer Schauspielkunst.

Seit mehr als drei Jahrzehnten spiegeln Die Simpsons unseren Zeitgeist – und kaum eine Serie schafft es, dabei gleichzeitig so altbewährt und so gegenwärtig zu sein.

Während die Welt um sie herum altert, bleibt die Familie aus Springfield in einer Art ewiger Gegenwart stecken: Bart ist immer zehn, Lisa immer acht – auch wenn sie schon Smartphones, Streamingportale und soziale Medien benutzen.

Doch was, wenn man Die Simpsons nicht nur als lose Aneinanderreihung von Episoden, sondern möglichst in chronologisch richtiger Reihenfolge erleben will? Die Antwort: Es ist kompliziert. Denn im Kern hat die Serie eine „floating timeline“, in der die Gegenwart immer heute ist. Dennoch gibt es zahlreiche Episoden, die ausdrücklich in Vergangenheit oder Zukunft spielen – teils als Rückblenden, teils als alternative Zukunftsvisionen. Wer diese kennt, kann seinem Binge-Plan einen Hauch von Chronologie verleihen.

1. Episoden mit Blick in die Vergangenheit 

Diese Folgen brechen mit der typischen Serienlogik und zeigen uns, wie das Leben der Simpsons (und ihrer Vorfahren) früher aussah – teils historisch, teils fiktiv überhöht:

• Staffel 32, Folge 2: Die Simpsons werden als römische Patrizier dargestellt – eine Parabel auf Macht, Dekadenz und Familienverrat.
• Staffel 17, Folge 9: Die Weihnachtsgeschichte wird nacherzählt, mit der Simpsons-Familie in biblischen Rollen.
• Staffel 29, Folge 1: In einer Fantasy-Welt im Mittelalter wird Homer zum Anführer eines Aufstands – Game-of-Thrones in gelb.
• Staffel 21, Folge 13: Lisa deckt ein Familiengeheimnis auf, das bis in den amerikanischen Bürgerkrieg der 1860er zurückreicht.
• Staffel 7, Folge 22: Grandpa erzählt von einem Abenteuer im Zweiten Weltkrieg – inklusive Nazis und einem Schatz.
• Staffel 15, Folge 20: Homer ist zehn Jahre alt und erlebt eine frühe, bittersüße Sommerromanze.
• Staffel 24, Folge 8: In dieser Folge wird erzählt, wie Homer als Kind seinen ersten Hund bekam – und ihn verlor.
• Staffel 13, Folge 5: Homer ist zwölf und wird in einem Höhlenabenteuer mit einem traumatischen Erlebnis konfrontiert.
• Staffel 33, Folge 9: Der 16-jährige Homer macht sich auf die Suche nach seiner Mutter Mona.
• Staffel 2, Folge 12: Rückblick auf das erste Kennenlernen von Marge und Homer in der Highschool der 1980er.
• Staffel 19, Folge 11: Eine alternative Version der 1990er: Homer gründet eine Grunge-Band, Marge studiert Feminismus.
• Staffel 20, Folge 5: Eine Reise in die Zeit, als Homer und Marge frisch verliebt auf einen chaotischen Roadtrip gingen.
• Staffel 3, Folge 12: Rückblick auf die Zeit zwischen Beziehung und erster Schwangerschaft – inklusive Heirat und Jobnot.
• Staffel 29, Folge 13: Bart wird geboren – und Marge und Homer müssen sich in der Elternrolle zurechtfinden.
• Staffel 5, Folge 1: Homers Barbershop-Quartett wird zum Pop-Phänomen der 1980er – mit klaren Beatles-Anspielungen.
• Staffel 4, Folge 10: Lisa spricht ihr erstes Wort („Bart!“), während die Familie in ihr heutiges Zuhause zieht.
• Staffel 26, Folge 19: Bart ist vier, Lisa zwei – und beide sorgen für familiäres Chaos.
• Staffel 9, Folge 3: Lisa entdeckt ihr musikalisches Talent, Bart ist noch im Kindergarten.
• Staffel 27, Folge 19: Die Familie reist in den Grand Canyon – Maggie ist noch nicht geboren.
• Staffel 6, Folge 13: Maggie kommt auf die Welt – und Homer wirft seine Karriere zugunsten der Familie über Bord. 

Diese Episoden bilden eine grobe Timeline von der Antike bis zur Geburt von Maggie. Wer sich für die „Biografie“ der Familie interessiert, kann sie als ersten Block schauen, bevor es in die Gegenwart geht. 

2. Episoden mit Blick in die Zukunft

Neben den Rückblicken gibt es auch mehrere Folgen, die weit in die Zukunft springen – meist mit alternativen Versionen der Familie, erwachsenen Kindern und futuristischen Gags.

• Staffel 6, Folge 19: Lisa ist Mitte 20, studiert in England und bringt einen britischen Verlobten mit nach Hause.
• Staffel 16, Folge 15: Bart und Lisa sind Teenager kurz vor dem College, Maggie spricht weiterhin nicht.
• Staffel 32, Folge 12: Lisa steht kurz vor dem Highschool-Abschluss und hadert mit ihren Idealen.
• Staffel 11, Folge 17: In dieser klassischen Zukunftsepisode ist Lisa Präsidentin der USA, Bart lebt ziellos in den Tag.
• Staffel 23, Folge 9: 30 Jahre später – Lisa und Bart haben Kinder, Homer ist fast digitalisiert.
• Staffel 25, Folge 18: Fortsetzung des Zukunfts-Arcs: Familienkrisen, Cyber-Homer, Roboter-Hochzeiten.
• Staffel 34, Folge 9: Lisa ist erwachsen, mit Burn-out – und trifft Nelson, der Vater geworden ist. 

Diese Episoden zeigen verschiedene Zukunftsversionen, die sich teilweise widersprechen. Aber sie geben einen charmanten Ausblick darauf, wie es mit den Simpsons „weitergehen könnte“ – wenn sie denn je altern würden. 

Warum eine perfekte Simpsons-Chronologie nicht gibt 

Die Simpsons sind kein Epos mit durchgehender Handlung, sondern eine satirische Momentaufnahme der Gegenwart, die sich seit 1989 immer wieder aktualisiert. Dabei bleiben die Figuren in ihrer Altersstruktur statisch, während die Welt um sie herum modernisiert wird. Selbst frühere Rückblenden oder Zukunftsvisionen werden später durch neue Episoden überlagert, konterkariert oder ignoriert. 

Streaming-Guide zu „Die Simpsons“: Serie und Filme in richtiger Reihenfolge

Wer sich dennoch eine Struktur bauen will, kann sich aber an der historischen Timeline dieses Artikels orientieren. Die untenstehende Liste gibt wiederum einen Überblick, wie man die Hauptserie, den Kinofilm und alle Kurzfilme in Reihenfolge ihres Erscheinens streamen kann.

Wer lieber nach Veröffentlichung vorgeht sollte diese Reihenfolge einhalten:

Zarte Berührungen, intensive Blicke und diese unausgesprochene Spannung…Manche Liebesfilme schaffen es, nicht nur das Herz zu berühren, sondern auch eine besondere Hitze zu entfachen. In dieser Liste dreht sich alles um genau solche Geschichten: Filme, in denen Leidenschaft, Verlangen und komplizierte Beziehungen im Mittelpunkt stehen.

Dabei geht es nicht nur um romantische Gesten oder große Gefühle. Viele dieser Werke erzählen auch von gesellschaftlichen Hürden, inneren Zerrissenheiten oder schicksalhaften Wendungen. Es sind moderne Klassiker, preisgekrönte Arthouse-Perlen und Filme mit Szenen, die in Sachen Sinnlichkeit Maßstäbe setzen. Diese Auswahl hilft dir, den passenden Film für genau die Abende zu finden, an denen es ruhig mal intensiver werden darf.

1. Original Sin (2001)

Havanna, 19. Jahrhundert: Ein wohlhabender Mann bestellt sich in Original Sin eine Braut aus Amerika. Doch als Julia (Angelina Jolie) ankommt, ist schnell klar: Sie ist nicht die, für die sie sich ausgibt. Antonio Banderas als naiver Ehemann wird vom ersten Moment an in ein Netz aus Verlangen, Geheimnissen und Betrug gezogen.

Der Film ist visuell opulent, lebt aber vor allem von der spürbaren Spannung zwischen Jolie und Banderas. Erotik wird hier nicht beiläufig gezeigt, sondern gezielt inszeniert. Die Grenzen zwischen Liebe, Besessenheit und Manipulation verschwimmen. Wer eine klassische Romanze sucht, ist hier falsch, aber wer sich auf ein düsteres Spiel mit dem Feuer einlässt, wird mit intensiven Szenen und einem atmosphärisch dichten Film belohnt.

2. Eyes Wide Shut (1999)

Dieser Film ist ein Trip, und das im wahrsten Sinne des Wortes. In Eyes Wide Shut begibt sich Tom Cruise als Arzt Bill Harford auf eine nächtliche Reise durch ein New York, das plötzlich düster, fremd und voller Versuchung wirkt. Was erst mit einem harmlosen Streit beginnt, zieht ihn am Ende immer tiefer in eine Welt aus Erotik, Fantasie und Geheimnissen. Besonders die berühmte Maskenball-Sequenz ist schwer zu vergessen, sie ist verstörend und dazu noch unglaublich aufgeladen. Stanley Kubrick stellt hier die ganz großen Fragen: Wie gut kennen wir den Menschen an unserer Seite? Und was passiert, wenn Fantasie zur Realität wird?

3. Lucía und der Sex (2001)

Schon der Titel verrät: Hier geht’s nicht um harmlose Romantik. Lucía und der Sex ist sinnlich, direkt und dabei erstaunlich poetisch. Die junge Lucía zieht sich nach dem plötzlichen Verschwinden ihres Freundes auf eine spanische Insel zurück. Doch statt Ruhe findet sie dort ein Netz aus Erinnerungen, geheimen Sehnsüchten und intensiven Begegnungen. Der Film wechselt fließend zwischen Vergangenheit und Gegenwart, zwischen Realität und Fantasie. Mal verspielt, mal melancholisch. Besonders stark: Wie hier Erotik und Emotion nicht gegeneinander ausgespielt, sondern miteinander verwoben werden. Körperliche Nähe ist nicht bloß Bild, sondern Gefühl. Ein Film, der auf vielen Ebenen funktioniert und einen emotional wie sinnlich mitnimmt.

4. Secretary (2002)

Lee Holloway (Maggie Gyllenhaal) ist still, verletzlich und auf der Suche nach Halt. Als sie eine Stelle bei dem exzentrischen Anwalt Mr. Grey (James Spader) annimmt, entwickelt sich langsam eine ungewöhnliche, kontrollierte Beziehung - erotisch, aber nicht beliebig.

Secretary ist ein Film über Dominanz, Einvernehmlichkeit und das Finden einer eigenen Sprache für Nähe. Die sexuellen Szenen wirken nie aufgesetzt, sondern eingebettet in eine Geschichte, die bewusst auslotet, was Intimität sein kann. Zwischen Spiel und Ernst entsteht eine Verbindung, die weder romantisch verklärt noch distanziert wird. Der Film bleibt lange im Kopf und zeigt, dass Lust auch mit Vertrauen beginnt.

5. Dirty Dancing (1987)

Der Klassiker schlechthin! Dirty Dancing ist viel mehr als nur eine Sommerromanze mit Kult-Tanzszenen. Es geht ums Erwachsenwerden, soziale Unterschiede und um das erste Mal, das sich zwar richtig, aber auch gefährlich anfühlt. Frances „Baby“ Houseman entdeckt beim Tanzunterricht nicht nur ihren Körper, sondern auch ihre eigene Stimme. Und dann ist da noch Tänzer Johnny, der cool, erfahren und emotional verletzbar Babys Herz erobert. Die Chemie zwischen den beiden ist elektrisierend, und der Satz “Ich habe eine Wassermelone getragen” gehört wohl zu einem der bekanntesten Filmzitate. Natürlich haben ebenfalls die Musik, die Choreografien und der legendäre letzte Tanz längst Popkulturstatus. 

6. Fifty Shades of Grey – Geheimes Verlangen (2015)

Mit Fifty Shades of Grey fand das Thema BDSM seinen Weg in den Mainstream und spaltete dort die Gemüter. Die schüchterne Studentin Anastasia Steele trifft auf den wohlhabenden, dominanten Unternehmer Christian Grey. Zwischen beiden entsteht eine leidenschaftliche Beziehung, geprägt von Macht, Kontrolle und unterschwelligen Ängsten. Der Film lebt von der Anziehung zwischen den Schauspielern und den bewusst provokanten Inszenierungen von Sexualität. Während viele Zuschauer die Offenheit des Films lobten, gab es auch viel Kritik, vor allem am Rollenbild und der romantisierten Darstellung ungleicher Machtverhältnisse. Doch unbestritten hat der Film dem Genre der erotischen Liebesfilme neue Impulse gegeben und ein breites Publikum erreicht.

7. Eiskalte Engel (1999)

Ein Elite-Internat in New York, zwei verwöhnte Stiefgeschwister und ein perfides Spiel mit den Gefühlen anderer: Eiskalte Engel ist ein Teen-Drama, das sich um Manipulation, Macht und Verführung dreht. Im Zentrum steht die Wette, ob der charmante Sebastian es schafft, die unschuldige Annette zu erobern – und dabei nicht selbst schwach wird. Was als zynischer Plan beginnt, wird schnell zum emotionalen Drahtseilakt. Die erotische Spannung zwischen Ryan Phillippe und Reese Witherspoon entwickelt sich glaubhaft und auf Augenhöhe. Der Film spielt bewusst mit Tabus, überzeichnet seine Figuren leicht und trifft dabei doch einen Nerv. Für viele bis heute ein Klassiker, wenn es um eine heiße Teen-Romance mit Biss geht.

8. Freunde mit gewissen Vorzügen (2011)

Jamie (Mila Kunis) und Dylan (Justin Timberlake) beschließen, Sex und Freundschaft strikt zu trennen. Keine Erwartungen, keine Verpflichtungen, sondern nur Körper ohne Komplikationen. Was allerdings harmlos klingt, entwickelt sich bald in eine andere Richtung.

Diese romantische Komödie ist witzig, temporeich und gleichzeitig deutlich sinnlicher als viele Genrevertreter. Die Chemie zwischen den Hauptfiguren ist sichtbar, die Szenen sind locker, aber keinesfalls oberflächlich. Freunde mit gewissen Vorzügen ist ein sehr leichter Film, aber definitiv auch einer der charmanteren. Ideal für alle, die prickelnde Dynamik mögen, ohne gleich in die Abgründe der menschlichen Psyche abzutauchen.

9. 9 1/2 Wochen (1986)

Die Beziehung zwischen Elizabeth (Kim Basinger) und John (Mickey Rourke) beginnt wie ein Flirt, entwickelt sich aber schnell zu einem Spiel aus Hingabe, Macht und psychologischen Grenzgängen. Die beiden verlieren sich in ihren Obsessionen, und das mit emotionalen Folgen.

Der Film lebt von seiner Atmosphäre, der Musik und der ständig spürbaren Anspannung. 9 1/2 Wochen gilt als einer der Klassiker des erotischen Kinos der 80er und schafft es, sowohl zu faszinieren als auch zu verunsichern. Die Grenze zwischen Spiel und Ernst, Lust und Verlust ist fließend. Ein Film, der auf vielen Ebenen reizt und ganz bewusst nicht alles genau erklärt.

10. 365 Days (2020)

Kaum ein Liebesfilm hat in den letzten Jahren so polarisiert wie 365 Days. Im Mittelpunkt steht Massimo, ein charismatischer, aber skrupelloser Mafiaboss, der die Geschäftsfrau Laura entführt und ihr ein ungewöhnliches Angebot macht: Sie soll innerhalb eines Jahres lernen, ihn zu lieben. Was folgt, ist ein visuell opulentes Spiel aus Verführung, Macht und Kontrolle, erzählt in überzogener, fast märchenhafter Manier. Der Film setzt stark auf Erotik und Hochglanzbilder, ohne dabei zurückhaltend zu sein. Kritisiert wurde er wegen seiner problematischen Dynamiken, gefeiert von Fans für seine Kompromisslosigkeit in Sachen Sinnlichkeit. Egal wie man dazu steht: 365 Days ist ein Film, über den man spricht, und zwar laut, leidenschaftlich und kontrovers.

Hier kannst du die zehn heißen Liebesromanzen anschauen

In der untenstehenden Liste siehst du, auf welchen Plattformen du die leidenschaftlichen und dramatischen Liebesfilme streamen kannst.

Ob als fünfminütiges Gute-Nacht-Abenteuer oder als interaktives Kino-Highlight – Peppa Pig begeistert seit 2004 Kinder auf der ganzen Welt. Mit über 180 Länderausstrahlungen und mehr als 40 Sprachfassungen zählt die britische Animationsserie zu den erfolgreichsten Vorschulformaten überhaupt.

Im Mittelpunkt steht das neugierige Schweinchen Peppa, das gemeinsam mit Familie und Freunden liebevoll erzählte Alltagsabenteuer erlebt – humorvoll, verständlich und stets mit einem hohen Wiedererkennungswert. Aktuell sorgt Peppa und das neue Baby als Kinofilm für Begeisterung bei den Kids – und genau diesen Anlass nutzen wir, um einen Blick auf das große Streaming-Angebot rund um Peppa zu werfen. Denn neben der regulären Serie gibt es zahlreiche Specials, Musikvideos und thematisch gebündelte Inhalte, die digital verfügbar sind. Wir zeigen dir, wo du Peppa Pig und ihre schönsten Geschichten streamen kannst – für jeden Anlass und jedes Alter.

Peppa Wutz (2004–heute)

Die Serie Peppa Wutz umfasst über 350 kurze Episoden mit jeweils rund fünf Minuten Laufzeit – perfekt für die Aufmerksamkeitsspanne kleiner Kinder. Jede Folge behandelt eine typische Alltagssituation aus Sicht der kleinen Schweinedame: Ob Zahnarztbesuch, Matschpfützen-Abenteuer oder eine Fahrt im Heißluftballon – Peppas Welt ist bunt, übersichtlich und charmant. Die Serie setzt auf einfache Sprache, klare Botschaften und liebevolle Animationen mit Wiedererkennungseffekt. Dabei funktioniert der Humor auch für Eltern – oft subtil, manchmal herrlich absurd. Peppa Wutz ist damit eine der erfolgreichsten Vorschulserien überhaupt und auf vielen Plattformen abrufbar – sowohl als Einzelfolgen als auch in praktischen Themenpaketen, die sich ideal für kindgerechtes Binge-Watching eignen.

Peppa Pig: Golden Boots (2015)

In diesem rund 15-minütigen Special begibt sich Peppa Wutz auf eine abenteuerliche Reise, wie sie selbst es noch nie erlebt hat: Ihre heißgeliebten goldenen Stiefel sind verschwunden – gestohlen von niemand Geringerem als der stets planschfreudigen Mrs. Ente! Um ihre Schuhe zurückzubekommen, reist Peppa quer durch das gesamte Serienuniversum. Mal schippernd im Boot, mal schwebend im Heißluftballon und sogar mit einer Rakete ins All – keine Strecke ist ihr zu weit. Unterwegs begegnet sie vielen vertrauten Figuren wie Frau Mümmel, Opa Wutz oder Herrn Zebra. Das farbenfrohe Abenteuer richtet sich an kleine Fans, die Peppa einmal in einem längeren Format erleben möchten. Kein Wunder also, dass dieses Special in zahlreichen Ländern sogar als Mini-Kinoevent lief. Ein charmantes Highlight für alle Kinder, die von Peppas Welt nicht genug bekommen können.

Peppa Pig: My First Cinema Experience (2017)

Peppa’s erstes Kino-Erlebnis ist genau das, was der Titel verspricht: ein liebevoll gestaltetes Einstiegsformat für Kinder, die zum ersten Mal ein Kino besuchen. Das Ganze kombiniert mehrere neue Episoden aus dem Peppa-Wutz-Universum mit spaßigen Mitmachelementen, musikalischen Einlagen und direkter Ansprache ans junge Publikum. Die Geschichten sind kurz, abwechslungsreich und greifen vertraute Alltagsthemen auf – vom Spielplatz über das Picknick bis hin zu fantasievollen Abenteuern mit Freunden und Familie. Zwischendurch laden Peppa, Schorsch und Co. immer wieder zum Mitsingen, Tanzen und Mitklatschen ein – perfekt abgestimmt auf die Bedürfnisse von Vorschulkindern. Die einfache Animation, das freundliche Tempo und die vertrauten Figuren schaffen ein sicheres Umfeld für ein erstes Kinoerlebnis ohne Überforderung. Ein ideales Format für Eltern, die ihren Kindern das Medium Film näherbringen möchten – kindgerecht, fröhlich und voller Peppa-Zauber.

Rund um die Welt mit Peppa (2016)

In diesem Special geht es für Peppa, Schorsch, Mama und Papa Wutz auf große Weltreise. Jede Station bringt spannende Begegnungen mit anderen Kulturen, Tieren und Traditionen. Rund um die Welt mit Peppa vermittelt auf spielerische Weise erste geografische Eindrücke und fördert dabei Neugier und Offenheit gegenüber dem Unbekannten. Die kindgerechte Sprache, der typische Peppa-Humor und das liebevolle Zusammenspiel der Figuren sorgen dafür, dass sich auch jüngere Kinder nicht überfordert fühlen. Statt belehrender Fakten bietet das Special eine warmherzige, episodische Entdeckungsreise, bei der Spaß und Staunen im Vordergrund stehen. Ideal für kleine Weltenbummler und alle, die Peppa einmal außerhalb von Schlammpfützen erleben wollen.

Wo du noch mehr Peppa Pig streamen kannst

Du willst wissen, wo du Peppa Wutz gerade sehen kannst – ob als Einzelfolge, Special oder thematisch gebündeltes Abenteuer? Dann hilft dir der JustWatch Streaming-Guide weiter. Dort kannst du gezielt nach Staffel, Sprache, Altersfreigabe oder Anbieter filtern und sofort herausfinden, ob deine Lieblingsfolge aktuell bei Plattformen wie Netflix, RTL+ oder Prime Video verfügbar ist – und ob du sie streamen, leihen oder kaufen kannst. Wichtig zu wissen für echte Fans: Einige der internationalen Peppa Pig-Highlights – darunter neue Specials oder Musikformate – sind bislang leider noch nicht in deutscher Sprache oder bei deutschen Streamingdiensten erhältlich. Aber was noch nicht ist, kann ja noch werden – denn die Hoffnung stirbt zuletzt!

Animationsfilme sind längst nicht mehr nur Kinderkram – sie gehören zu den größten Umsatzbringern der Kinogeschichte. Ob es um magische Schwestern, rebellische Halbgötter oder Klempner in Pilz-Königreichen geht: Diese Filme haben weltweit jeweils über eine Milliarde Euro eingespielt.

Und zwar nicht trotz, sondern wegen ihrer Emotionalität, Detailverliebtheit und universellen Themen. Ihre Geschichten sprechen Kinder ebenso an wie Erwachsene, ihre Bilder begeistern vom ersten Frame an, und ihre Figuren bleiben im Gedächtnis – egal, ob sie singen, kämpfen oder einfach nur die Welt retten. Wer heute über Kino spricht, kommt an animierten Blockbustern nicht vorbei. Hier kommen die zehn umsatzstärksten Animationsfilme aller Zeiten – gemessen am weltweiten Einspielergebnis. Jeder Titel ein Hit, jeder Absatz ein Blick hinter die Kassenrekorde.

1. Ne Zha 2 (2025) – ca. 1,9 Milliarden €

Dass ein chinesischer Animationsfilm alle Hollywoodproduktionen überflügelt, galt lange als undenkbar. Ne Zha 2 hat dieses Bild radikal verändert. Der Film basiert auf einer alten Legende, die hier mit modernem Pathos und visueller Wucht erzählt wird: Ein junger Halbgott wehrt sich gegen sein Schicksal – und entfacht dabei nicht nur himmlische Kämpfe, sondern auch einen kulturellen Nerv. In China wurde Ne Zha 2 zum Megaevent, mit organisierten Schulvorstellungen, TikTok-Hypes und patriotischer Euphorie. Weltweit spielte der Film über 1,9 Milliarden Euro ein. Inhaltlich trifft er den Zeitgeist: Es geht um Identität, Selbstbestimmung und familiäre Verantwortung. Formal überzeugt er durch spektakuläre Animation, emotionale Tiefe und eine Konsequenz, die man so im westlichen Mainstream selten sieht.

2. Alles steht Kopf 2 (2024) – ca. 1,6 Milliarden €

Pixar beweist mit Alles steht Kopf 2 (Inside Out 2), dass emotionale Intelligenz an der Kinokasse funktioniert – und zwar gewaltig. Über 1,6 Milliarden Euro weltweit sind der Beweis. Im Mittelpunkt steht erneut Riley, diesmal als Teenager, deren Innenleben von alten und neuen Gefühlen dominiert wird. Neben Freude, Wut und Kummer tauchen nun auch Angst, Neid oder Nostalgie auf. Der Film ist nicht nur ein Sequel, sondern eine Weiterentwicklung – thematisch und ästhetisch. Was oberflächlich wie ein Kinderfilm wirkt, ist in Wahrheit eine feinfühlige Reflexion über Selbstbild, Veränderung und Pubertät. Die visuelle Umsetzung ist ideenreich wie eh und je, der Humor clever dosiert, das Storytelling auf höchstem Pixar-Niveau. Inside Out 2 ist Pop-Psychologie mit Herz, Witz und einem unwiderstehlichen Charme.

3. Der König der Löwen (2019) – ca. 1,5 Milliarden €

Zumindest technisch gesehen ist The Lion King kein klassischer Animationsfilm – aber genau das macht ihn so bemerkenswert. Disney ließ 2019 den Zeichentrickklassiker als fotorealistische CGI-Version wiederauferstehen – mit monumentalem Erfolg: 1,5 Milliarden Euro weltweit! Visuell orientiert sich der Film an Naturdokumentationen, narrativ bleibt alles beim Alten: Simba muss lernen, Verantwortung zu übernehmen. Der Reiz liegt in der Mischung aus vertrauter Story, epischem Soundtrack und digitaler Perfektion. Kritiker warfen dem Remake Gefühlskälte vor – das Publikum hingegen strömte ins Kino. Vielleicht, weil The Lion King etwas bietet, das nur wenige Filme schaffen: eine kollektive Erinnerung, technisch neu verpackt, aber emotional exakt getroffen.

4. Die Eiskönigin 2 (2019) – ca. 1,3 Milliarden €

Die Eiskönigin 2 (Frozen 2) setzt die Reise von Elsa und Anna fort – mit noch größerem Fantasy-Ambiente, musikalischer Dramatik und einer Prise Mystery. Der Film erweitert die Welt von Arendelle, führt neue Figuren ein und vertieft die Charaktere der beiden Hauptfiguren. Inhaltlich geht es um Herkunft, Verantwortung und Wandel – Themen, die auch erwachsene Zuschauer abholen. Mit über 1,3 Milliarden Euro Einspiel wurde Die Eiskönigin 2 zum erfolgreichsten klassischen Disney-Animationsfilm. Die visuelle Qualität ist atemberaubend, die Musik kraftvoll und teils experimenteller als im Vorgänger. Der Film beweist: Erfolgsformeln lassen sich weiterentwickeln, ohne das Herz der Geschichte zu verlieren. Fazit: Wenn dich Frozen kalt lässt, hast du vermutlich ein Herz aus Eis.

5. Der Super Mario Bros. Film (2023) – ca. 1,3 Milliarden €

Was passiert, wenn man eines der bekanntesten Videospiel-Franchises der Welt mit Hollywood-Starpower und visueller Rasanz kombiniert? Man bekommt The Super Mario Bros. Movie – ein knallbunter Kassenschlager mit über 1,3 Milliarden Euro Einspielergebnis. Die Story ist simpel: Mario und Luigi landen im Pilz-Königreich und müssen mal wieder Prinzessin Peach retten. Doch was hier wirklich zählt, sind Details: die Easter Eggs für Fans, das Timing des Humors, die Musik, die man sofort mitsummt. Nintendo und Illumination haben einen Familienfilm geschaffen, der generationsübergreifend funktioniert – und ein Paradebeispiel dafür ist, wie gut Franchise-Adaptionen sein können, wenn sie mit Respekt und Können umgesetzt werden. Kurzum: Das ist Fanservice in seiner schönsten Form!

6. Die Eiskönigin - Völlig unverfroren (2013) – ca. 1,2 Milliarden €

Mit Die Eiskönigin (Frozen) setzte Disney 2013 einen neuen Maßstab für modernes Märchenkino. Der Film spielte weltweit über 1,2 Milliarden Euro ein – und katapultierte sich damit nicht nur an die Spitze der Box-Office-Charts, sondern auch in die Herzen einer ganzen Generation. Die Geschichte um Elsa und Anna stellte zum ersten Mal die Liebe zwischen Geschwistern über klassische Romanzen und zeigte, dass wahre Stärke aus Selbstakzeptanz entsteht. Die visuelle Gestaltung war revolutionär für die damalige Zeit, insbesondere die Magieeffekte rund um Schnee und Eis. Hinzu kommt der Hit Let It Go, der zum globalen Phänomen wurde. Frozen war nicht nur ein Film, sondern ein kulturelles Ereignis – mit Langzeitwirkung. Die Eiskönigin wurde sogar zur aufwendig inszenierten Themenattraktion in Disney-Parks weltweit – mit eigener Bootsfahrt, Schlosskulisse und Mitsing-Momenten für Fans jeden Alters.

7. Die Unglaublichen 2 (2018) – ca. 1,2 Milliarden €

Vierzehn Jahre nach dem Original kehrte die Superheldenfamilie zurück – und das Publikum war bereit. Incredibles 2 erzielte weltweit rund 1,2 Milliarden Euro und wurde zum erfolgreichsten Pixar-Sequel seiner Zeit. Der Film verlagert den Fokus auf Helen alias Elastigirl, während Bob alias Mr. Incredible mit Baby Jack-Jack zu Hause bleibt. Diese Rollenverteilung bringt nicht nur Humor, sondern auch überraschende Tiefe ins Drehbuch. Die Mischung aus temporeicher Action, sozialem Kommentar und familiärer Wärme funktioniert erneut hervorragend. Visuell ist der Film rasant, farbenfroh und stilistisch präzise. Die Themen Gleichberechtigung, Überforderung im Alltag und Medienmanipulation sind klug eingeflochten. Incredibles 2 beweist, dass Superheldenkino auch abseits von Marvel funktionieren kann – wenn Herz und Hirn eine tragende Rolle spielen.

8. Minions (2015) – ca. 1,1 Milliarden €

Mit Minions wurde aus einem Running Gag ein Milliarden-Franchise. Die gelben Sidekicks aus Ich – Einfach unverbesserlich rückten 2015 ins Zentrum – und das zahlte sich aus: über 1,1 Milliarden Euro weltweit sprechen eine deutliche Sprache. Der Animations-Hit erzählt, wie die Minions über Jahrtausende hinweg auf der Suche nach einem geeigneten Schurken durchs Leben stolpern – bis sie schließlich auf Scarlet Overkill treffen. Der Film lebt von Slapstick, visuellem Klamauk und einem Humor, der ganz ohne logischen Satzbau auskommt. Kinder lieben sie, Erwachsene können sich dem absurden Charme nur schwer entziehen. Minions ist kein Film mit Tiefgang, aber ein Meisterstück in Sachen massentauglicher Popkultur. Seien wir ehrlich: Man kann die kleinen Racker einfach nur ins Herz schließen.

9. Toy Story 4 (2019) – ca. 1,07 Milliarden €

Toy Story 4 ist mehr als ein bloßes Sequel – es ist ein eleganter Abschluss einer der emotionalsten Filmreihen der letzten Jahrzehnte. Mit rund einer Milliarde Euro weltweitem Einspielergebnis beweist der Film, dass auch ein vierter Teil noch frische Impulse setzen kann. Die Geschichte dreht sich um Woody, der seine Rolle als „Spielzeug“ neu hinterfragt, und um neue Figuren wie Forky, die klüger geschrieben sind, als ihr Aussehen vermuten lässt. Pixar gelingt erneut die Gratwanderung zwischen emotionalem Tiefgang und kindgerechter Unterhaltung. Die Animation ist beeindruckend detailverliebt, das Ende bittersüß. Toy Story 4 spricht nicht nur Kinder, sondern auch Erwachsene an, die mit den Figuren aufgewachsen sind – und sich nun selbst von ihnen verabschieden müssen.

10. Toy Story 3 (2010) – ca. 1,06 Milliarden €

Als Toy Story 3 in die Kinos kam, war es für viele ein emotionales Wiedersehen – und ein tränenreicher Abschied. Damals dachte man nämlich, dass die Geschichte um einen Jungen und sein geliebtes Spielzeug mit dem dritten Teil ihr Ende findet. Das weltweite Einspielergebnis lag nur knapp unter dem neun Jahre später erschienenen Toy Story 4. Die Geschichte um Andys Auszug und die ungewisse Zukunft seiner Spielzeuge berührt tief, ohne kitschig zu werden. Der Humor sitzt, die Figuren sind vertraut, das Finale ikonisch. Toy Story 3 zeigt, wie man Nostalgie clever einsetzt, ohne sich darin zu verlieren. Für viele bleibt dieser dritte Teil der emotionale Höhepunkt des gesamten Franchise – ein Kinomoment, den man nicht vergisst.

Wo du diese Animations-Spektakel streamen kannst

Du willst wissen, wo du diese Blockbuster aktuell streamen kannst? Dann schau in den JustWatch-Streaming-Guide. Dort findest du alle Infos zur Verfügbarkeit – ob im Abo, zum Kaufen oder Leihen. Außerdem kannst du nach Plattform, Genre, Preis, Altersempfehlung und Bewertungen filtern. So stellst du dir ganz einfach deine persönliche Watchlist zusammen und verpasst garantiert keinen Animationshit mehr. Ideal für alle, die wissen wollen, wo man Filmgeschichte nachholen oder neu entdecken kann – mit einem Klick, ohne Umwege.

Frischer Wind im MCU-Universum: Ironheart stellt eine neue Heldin ins Zentrum – Riri Williams, ein brillantes, junges Technikgenie, das in Black Panther: Wakanda Forever ihr Debüt feierte. Es gibt viele Parallelen zur MCU-Historie. In ihrer eigenen Serie baut sie etwa nicht nur ihren Ironheart-Anzug, sondern auch an Tony Starks Vermächtnis weiter. Doch wer ihre eigene Geschichte auch wirklich verstehen will, braucht Kontext.

Wir zeigen dir zehn Filme, die beleuchten, woher sie kommt, was sie antreibt und welche Ideen sie prägen. Von Iron Mans Anfängen bis zu Wakandas Technologiewelt liefert diese Watchlist das nötige Vorwissen. Ironheart beginnt nicht bei null – sondern dort, wo andere Helden und Heldinnen vor ihr aufgehört haben. Mit diesen zehn Filmen bist du also bestens auf Ironheart vorbereitet!

Iron Man (2008)

Iron Man war der große Urknall des MCU – und schließlich auchd as Fundament, auf dem Riri Williams später aufbaut. Wer Ironheart wirklich verstehen möchte, sollte also auch wirklich beim Anfang ansetzen. Iron Man erzählt nicht nur die Geschichte eines genialen Waffenentwicklers, der in einer Höhle seinen ersten Anzug zusammenschweißt. Es ist auch eine Geschichte von Verantwortung, Ego und Erlösung, von Philanthropismus und Futurismus., Tony Stark, Milliardär und eitler Gockel, entwickelt sich zum Symbol eines neuen Heldentypus. Und der ist nicht nur mit großem Ego ausgestattet, sondern ist auch verletzlich, widersprüchlich, brillant. Für Riri ist er mehr als ein Vorbild – er ist ihr Maßstab. Ihr Ironheart-Anzug, ihre Haltung, ihr Konflikt: Alles beginnt bei Stark. Wer die neue Generation verstehen will, muss diesen Ursprung kennen. Alles andere wäre, nun ja – oberflächlich.

Iron Man 2 (2010)

Tony Stark hat ein Problem. Okay, mehrere, um genau zu sein. Sein Reaktor vergiftet ihn langsam, der Staat will seine Rüstung, und aus Russland kommt ein rachsüchtiger Typ mit Elektropeitschen. Iron Man 2 ist lauter, überladener, aber auch spannender als sein Vorgänger. Es geht um Kontrolle, Eitelkeit – und die Frage, was passiert, wenn ein Mann zur Marke wird. Für Riri Williams ist dieser Film Gold: Hier wird klar, wie gefährlich Tech ohne moralischen Kompass ist. Und wie tief Stark selbst in seiner eigenen Legende steckt. Kein perfekter Film, aber ein wichtiger – vor allem für Ironheart.

Iron Man 3 (2013)

Nach Avengers steht Tony Stark massiv am Abgrund. Er ist schlaflos, traumatisiert, ohne Rüstung, aber glücklicherweise  nicht ohne Verstand. Iron Man 3 ist weniger Superhelden-Spektakel, dafür mehr Charakterstudie. Der Film dekonstruiert die Figur des Iron Man und stellt den Menschen Tony Stark ins Zentrum. Der ist verletzlich, getrieben, improvisierend. Genau hier liegen Parallelen und Anschluss zu Riri Williams. Auch sie baut sich ihre Identität, ihre Technik – und ihre Haltung – selbst zusammen. Dass Tony hier lernt, mehr als nur „der Typ im Anzug“ zu sein, ist zentral für das Verständnis seines Vermächtnisses. Für Ironheart bedeutet das: Heldentum beginnt nicht im Labor, sondern im Zweifel. Und manchmal sogar in der Garage.

Avengers: Age of Ultron (2015)

Ein Roboter mit Gottkomplex. Geboren aus Angst. Tony Stark wollte die Welt retten – und schuf ihren Feind. Avengers: Age of Ultron ist ein Film über Hybris, nicht Heldentum. Maschinen denken zu schnell. Menschen zu langsam. Ultron sieht beides. Und greift an. Für Riri Williams ist das eine Warnung: Technik hat eine Grenze. Und wenn man sie nicht kennt, kennt sie dich. Ironheart wird bauen, was Stark einst begann – aber vielleicht klüger. Ultron ist der Moment, in dem das MCU begreift: Intelligenz rettet nicht automatisch. Sie kann auch zerstören. Wer das nicht versteht, hat bei Ironheart schon verloren.

The First Avenger: Civil War (2016)

Zwei Männer, ein Bruch. Freundschaft gegen Prinzip. Kontrolle gegen Freiheit. The First Avenger: Civil War ist kein Heldenspektakel, sondern eine politische Parabel in Spandex. Stark will Regulierung, Cap bleibt old school. Riri Williams sieht das später – und lernt: Technik hat Konsequenzen. Und Verantwortung trägt nicht immer ein Cape. Der Film ist laut, aber sagt leise viel. Über Schuld. Über Vertrauen. Über das Gewicht von Entscheidungen. Wer Ironheart verstehen will, sollte hier genau hinschauen. Denn was Stark hier beginnt – der Zweifel, der Kontrollwille, das Misstrauen – das alles wird sie erben. Nicht als Tochter. Als Nachfolgerin. Und vielleicht: als Korrektiv.

Avengers 3: Infinity War (2018)

Eskalation mit MCU-Kosmos ist angesagt. Thanos sammelt die Infinity-Steine, die Welt droht zu zerbrechen. Im Zentrum: Tony Stark, der bis zum Schluss versucht, mit Technologie das Unvermeidliche aufzuhalten. Avengers 3: Infinity War zeigt Stark auf seinem Höhepunkt – brillant, getrieben, strategisch. Für Riri Williams ist dieser Film entscheidend: Sie sieht nicht nur den Mythos Iron Man, sondern auch seine Grenzen. Stark scheitert hier – und sein Scheitern prägt die Welt, in die Ironheart später tritt. Der Film macht klar: Technik allein reicht nicht. Was zählt, ist Haltung. Für Riri wird genau das zur Kernfrage: Wo endet der Anzug – und wo beginnt sie?

Avengers: Endgame (2019)

Hier sieht man das Ende einer Ära. Tony Stark opfert sich selbst, um die Welt zu retten. Keine Explosion, kein Triumph – nur ein Fingerschnipsen und Stille. Avengers: Endgame ist der Schlusspunkt seiner Reise: vom egozentrischen Waffenhändler zum selbstlosen Helden. Für Riri Williams ist das mehr als eine historische Fußnote – es ist ihr Startpunkt. Sie wächst in eine Welt hinein, in der Stark nicht mehr lebt, aber alles hinterlassen hat: Technologie, Ideale, Schuld. Ironheart beginnt dort, wo Endgame endet. Wer verstehen will, was es bedeutet, sein Erbe anzutreten – ohne sein Charisma, aber mit ähnlichem Talent – muss diesen Film gesehen haben.

Black Panther (2018)

Black Panther führt Wakanda ein – eine hochentwickelte Nation mit eigener Technologie, Kultur und Vision. Für Ironheart ist dieser Film deshalb relevant, weil Riri Williams später in diese Welt eingeführt wird. Die Figur Shuri, Wakandas junge Wissenschaftlerin, dient dabei als Vorbild und Bezugspunkt. Beide sind jung, hochintelligent und technisch versiert. Der Film zeigt, dass Technologie im Marvel-Universum nicht nur von Tony Stark kommt, sondern auch aus anderen kulturellen Kontexten. Wer verstehen will, warum Wakanda für Riri so wichtig ist – und warum sie dort ernst genommen wird –, sollte Black Panther vorab gesehen haben.

Black Panther: Wakanda Forever (2022)

In Black Panther: Wakanda Forever feiert Riri Williams – die Heldin, die in Ironheart zurückkehrt – ihr MCU-Debüt. Wir erleben sie als brillante MIT-Studentin, die einen Vibranium-Detektor entwickelt und damit unbeabsichtigt einen internationalen Konflikt auslöst. Ungewollt wird sie zur Schlüsselfigur im Machtkampf zwischen Wakanda und Talokan. Der Film zeigt Riris Intelligenz, technische Brillanz und ihren ersten Kampfeinsatz im selbstgebauten Ironheart-Anzug. Ihre Persönlichkeit, ihr Mut und ihr Humor machen sie sofort sympathisch. Wakanda Forever markiert nicht nur Riris Ursprung, sondern steht auch für die Repräsentation einer neuen Generation starker Frauen im MCU. Pflichtprogramm vor Ironheart!

Spider-Man: No Way Home (2021)

In Spider-Man: No Way Home verliert Peter Parker fast alles – und muss lernen, allein Verantwortung zu tragen. Der Film zeigt, wie es ist, jung zu sein, über außergewöhnliche Fähigkeiten zu verfügen und trotzdem keinen Rückhalt zu haben. Genau das erwartet auch Riri Williams in Ironheart. Sie steht wie Peter unter dem Einfluss von Tony Starks Vermächtnis, muss aber ihren eigenen Weg finden. No Way Home macht deutlich, wie herausfordernd es ist, als junger Mensch in einem von Erwachsenen dominierten Heldenuniversum zu bestehen. Für das Verständnis von Riris Situation ist dieser Film deshalb ein wichtiger Vergleichspunkt.

Wo du die Filme streamen kannst

Alle genannten Filme findest du auf den gängigen Plattformen – zum Beispiel bei Disney+, WOW, Prime Video oder Apple TV. Mit der JustWatch-Suchfunktion kannst du jederzeit prüfen, wo die Titel aktuell verfügbar sind. So bist du bestens vorbereitet, wenn Ironheart startet.

Mit dem Kinostart von M3GAN 2.0 erlebt das Genre der Killer-Spielzeug-Filme gerade ein spektakuläres Comeback. Der Erfolg der ersten M3GAN hat bewiesen, wie sehr das Publikum von der Angst fasziniert ist, dass ausgerechnet vertraute Kinderspielzeuge zur tödlichen Bedrohung werden können.

Killer-Spielzeug-Filme nutzen eine der tiefsten menschlichen Urängste: Die Perversion der Unschuld – wenn Objekte des Trostes zu Quellen des Terrors werden.

Von klassischen Voodoo-Puppen bis zu modernen KI-Robotern haben diese Filme über Jahrzehnte das Kinopublikum in Angst und Schrecken versetzt. Ob durch übernatürliche Kräfte, Voodoo-Zauber oder künstliche Intelligenz zum Leben erweckt: Diese mörderischen Spielzeuge bieten pure Angst und zeigen, wie schnell das Vertraute ins Unheimliche kippen kann.

M3GAN (2023)

Die KI-Roboterpuppe M3GAN katapultiert das Killer-Spielzeug-Genre ins digitale Zeitalter und definiert es dabei neu. Als hochentwickelte Beschützerin der verwaisten Cady programmiert, entwickelt sie einen mörderischen Instinkt gegen alle vermeintlichen Bedrohungen, die Cadys Wohlbefinden gefährden könnten. Regisseur Gerard Johnstone verbindet geschickt Science-Fiction-Elemente mit klassischen Horror-Tropen und schafft dabei eine Atmosphäre zeitgenössischer Ängste vor autonomer Technologie.

M3GANs perfekte, fast menschliche Erscheinung, gepaart mit ihrer unheimlichen Kaltblütigkeit, macht sie noch verstörender als ihre mechanischen Vorgänger wie Chucky. Die präzise choreographierten Tanz- und Mordszenen sind stilistisch brillant inszeniert und tragen maßgeblich zur beklemmenden Stimmung bei. Der technologiekritische Subtext, der die Gefahren unkontrollierter künstlicher Intelligenz beleuchtet, ist intelligent verpackt und regt zum Nachdenken an. M3GAN ist kein nostalgischer Puppen-Horror, der alte Klischees bedient, sondern eine moderne Neuinterpretation des Genres – elegant, brutal und erschreckend aktuell in einer Welt, die zunehmend von Technologie durchdrungen ist. 

Chucky - Die Mörderpuppe (1988)

Die Good Guy-Puppe Chucky, besessen von der Seele des Serienmörders Charles Lee Ray, definierte das Genre neu und schuf eine der bekanntesten Horror-Ikonen aller Zeiten. Regisseur Tom Holland kombiniert gekonnt Übernatürliches mit Slasher-Elementen und schafft einen Film, der bis heute funktioniert. Chucky ist charmant und tödlich zugleich – seine kindliche Erscheinung kontrastiert perfekt mit seiner mörderischen Persönlichkeit. Die praktischen Effekte sind auch heute noch beeindruckend, die Spannungsaufbau meisterhaft. Der Film spawnte eine ganze Franchise, aber der Originalfilm bleibt der Goldstandard. Chucky - Die Mörderpuppe bewies, dass Killer-Puppen nicht nur B-Movie-Material sind, sondern echte Mainstream-Horror-Hits werden können. Ein zeitloser Klassiker, der seine Schockwirkung nie verloren hat.

Annabelle (2014)

Die fiese Porzellanpuppe aus dem Conjuring-Universum setzt auf atmosphärischen Horror statt Slasher-Action. Basierend auf einer angeblich wahren Geschichte, erzählt der Film von jungen Eheleuten, die von der antiken Puppe mit mörderischen Absichten terrorisiert werden. Regisseur John R. Leonetti nutzt klassische Geister-Horror-Techniken und verbindet sie mit dem visuell verstörenden Erscheinungsbild der viktorianischen Puppe. Annabelle bewegt sich kaum, aber ihre pure Präsenz genügt für echte Gänsehaut. Der Film ist düsterer und ernster als Chucky, ohne dessen schwarzen Humor. Die Gothic-Atmosphäre und die starken Darstellerleistungen machen Annabelle zu einem würdigen Vertreter des modernen Horror-Kinos. Wer subtilen, atmosphärischen Schrecken schätzt, findet hier seinen perfekten Alptraum.

Dead Silence (2007)

Mary Shaw und ihre Bauchredner-Puppe Billy bringen das Genre zurück zu seinen Gothic-Horror-Wurzeln. James Wan inszeniert eine düstere Geschichte um einen rachsüchtigen Geist, der Menschen tötet und ihnen die Zungen herausschneidet. Die visuellen Effekte sind atmosphärisch und verstörend, ohne auf allzu derben Splatter zu setzen, was dem Film eine einzigartige und beklemmende Atmosphäre verleiht. Dead Silence ist ein moderner Klassiker des Genres, der beweist, dass auch subtiler Horror wirken kann, indem er sich auf psychologischen Terror und eine unheimliche Stimmung konzentriert. Die Geschichte ist komplex und überraschend, die Auflösung clever konstruiert, wobei jede Wendung die Spannung steigert und den Zuschauer bis zum Schluss fesselt. Wan schafft es, aus einer simplen Prämisse einen vielschichtigen Horror-Film zu entwickeln, der lange im Gedächtnis bleibt.

Dolls (1986)

Stuart Gordons Werk brachte eine ganze Armee lebender Puppen ins Kino. Reisende suchen Schutz vor einem Sturm in einem alten Herrenhaus – nur um zu entdecken, dass die Spielzeugsammlung der Hausbesitzer alles andere als harmlos ist. Der Film kombiniert klassischen Horror mit märchenhaften Elementen und schafft eine einzigartige Atmosphäre zwischen Nostalgie und Terror. Die praktischen Effekte sind charmant-gruselig, die Puppenchoreografie ist trotz eines überschaubaren Budgets beeindruckend. Dolls ist weniger brutal als andere Genre-Vertreter, aber nicht weniger effektiv. Gordon nutzt die viktorianische Kulisse perfekt aus und schafft ein Werk, das sowohl Erwachsene als auch mutige Jugendliche ab 16 Jahren ansprechen kann. Ein unterschätzter Klassiker mit zeitloser Wirkung.

Puppet Master (1989)

André Toulons Marionetten mit ihren einzigartigen Persönlichkeiten und Fähigkeiten schufen eine eigene Horror-Mythologie. Blade mit seinen Messerhänden, Pinhead mit seiner übergroßen Kraft und Jester mit seinem sich wandelnden Gesicht wurden zu Kultfiguren des B-Horror-Genres. Regisseur David Schmoeller entwickelte eine komplexe Hintergrundgeschichte um den Puppenmacher und seine mit ägyptischen Zauber belebten Kreationen. Die Filmreihe lebt von ihrer düsteren Atmosphäre und den ausgefallenen Marionetten-Designs mit Kultpotenzial. Puppet Master spawnte eine der längsten Horror-Franchises überhaupt und bewies die Langlebigkeit des Genres. Die Mischung aus übernatürlichem Horror und praktischen Effekten macht jeden der Filme zu einem besonderen Erlebnis für Genre-Fans – trotz schwankender Qualität.

Benny Loves You (2019)

Der britische Independent-Film zeigt, wie auch mit kleinem Budget frische Ideen im Genre möglich sind. Ein mörderischer Teddybär "beschützt" seinen erwachsenen Besitzer vor allen vermeintlichen Bedrohungen – mit ziemlich blutigen Konsequenzen. Regisseur Karl Holt verbindet schwarzen Humor mit überraschend effektiven Schockmomenten. Der Film ist eine Horrorkomödie, die beide Genres ernst nimmt und perfekt ausbalanciert. Benny ist sowohl niedlich als auch verstörend – eine schwierige Balance, die hier tatsächlich gelingt. Die praktischen Effekte sind kreativ und überzeugend, die Handlung überraschend emotional. Benny Loves You beweist, dass das Killer-Spielzeug-Genre auch heute noch für Überraschungen gut ist und zeigt, wie Independent-Produktionen etablierte Formeln kreativ weiterentwickeln können.

Noch mehr Killer-Spielzeug-Horror gefällig?

Du willst noch mehr mörderische Puppen, dämonische Teddys und tödliche Spielzeuge entdecken? Das Genre bietet unzählige weitere Schätze – von klassischen 80er-Jahre-Slashern bis zu modernen Geister-Geschichten. Ob übernatürlicher Terror oder technologische Ängste: Killer-Spielzeug-Filme werden auch weiterhin Generationen von Zuschauern das Fürchten lehren und zeigen, dass manchmal die vermeintlich harmlosesten Objekte die größten Schrecken bergen. Mit dem JustWatch Streaming Guide findest du diese und viele weitere Toy-Horror-Highlights ganz einfach – egal ob zum Streamen, Leihen oder Kaufen.

Quentin Tarantino ist Vieles: Regisseur, Drehbuchautor, Besserwisser-Cineast – und, wie sich zeigt, auch Architekt eines filmischen Multiversums. Was auf den ersten Blick wie eine lose Sammlung stilisierter Gewaltmärchen wirkt, hängt bei genauerem Hinsehen doch irgendwie zusammen.

Seit Jahren kursiert unter Fans die Theorie eines „Tarantinoverse“, eines gemeinsamen Kosmos, in dem viele seiner Figuren und Geschichten miteinander verbunden sind. 2017 bestätigte der Regisseur schließlich selbst: Ja, dieser Kosmos existiert – und er besteht aus zwei Universen.

„There’s the realer than real universe, alright, and all the characters inhabit that one. But then there’s this movie universe. And so From Dusk Till Dawn, Kill Bill, they all take place in this special movie universe. So basically when the characters of Reservoir Dogs or Pulp Fiction, when they go to the movies, Kill Bill is what they go to see. From Dusk Till Dawn is what they see.” — Quentin Tarantino

1. Das „Realer than Real“-Universum

Die erste und zentralere Unversum innerhalb von Tarantinos Werk ist also das sogenannte Realer than Real World Universe. Hier gelten die Grundregeln unserer Welt – oder zumindest eine drastisch überspitzte Version davon. Gewalt ist real, Konsequenzen ebenfalls, auch wenn alles durch Tarantinos markanten Stilfilter läuft.

Verbindungen gibt es zahlreiche. So sind Vincent Vega aus Pulp Fiction und Mr. Blonde alias Vic Vega aus Reservoir Dogs Brüder. Alabama, die weibliche Hauptfigur aus True Romance, arbeitet nach dem Ende des Films offenbar mit Mr. White aus Reservoir Dogs zusammen – ein Hinweis, der im Originaldrehbuch zu finden ist. Red Apple Zigaretten und Big Kahuna Burger tauchen als fiktive Marken in mehreren Filmen auf und sind gewissermaßen popkultureller Kitt, der alles zusammenhält.

Filme dieses Universums:

• Reservoir Dogs (1992)
• True Romance (1993 – Tarantino schrieb das Drehbuch, übernahm aber nicht die Regie)
• Pulp Fiction (1994)
• Death Proof (2007)
• Inglourious Basterds (2009)
• Django Unchained (2012)
• The Hateful Eight (2015)
• Once Upon a Time in Hollywood (2019, teilweise – siehe unten)

Ein entscheidender Punkt: Tarantinos „realere“ Welt ist nicht unsere tatsächliche Geschichte. Inglourious Basterds etwa erzählt ein alternatives historisches Szenario, das wie ein dunkles Märchen funktioniert. Doch diese „historische Umformung“ bleibt innerhalb einer kohärenten Weltlogik, die sich durch alle Filme zieht.

2. Das „Movie Universe“

Und dann ist da noch das „Movie Universe“. Hier spielt sich ab, was Tarantinos Charaktere vermutlich selbst auf der Leinwand sehen würden – überzeichnet, stilisiert, teils übernatürlich. Hier regiert das Genre – Vampirhorror, Martial-Arts-Epen, Comic-Ästhetik. Die Regeln der Realität sind aufgehoben. Figuren sind oft wandelnde Archetypen, inspiriert von Italo-Western, Shaw-Brothers-Kino und Exploitationfilmen.

Tarantino beschreibt diese Filme als das, was seine „realeren“ Figuren selbst im Kino sehen würden. Sie sind die Popkulturprodukte innerhalb seiner Popkulturrealität.

Filme dieses Universums:

• Natural Born Killers (1994 – basierend auf einem Tarantino-Drehbuch, stark überarbeitet von Oliver Stone)
• From Dusk Till Dawn (1996 – Drehbuch & Nebenrolle Tarantino, Regie: Robert Rodriguez)
• Kill Bill Vol. 1 & 2 (2003/2004)

3. Zwischen den Universen: Once Upon a Time in Hollywood

Rick Dalton (Leonardo DiCaprio) und Cliff Booth (Brad Pitt) leben im „Realer Than Real“-Universum. Ihre Geschichte basiert auf historischen Ereignissen, wird aber durch fiktionale Elemente erweitert und verändert – wie so oft bei Tarantino. Doch der Unterschied ist: Dalton ist Schauspieler in einer Vielzahl fiktiver Serien und Filme, darunter Bounty Law und Operazione Dyn-O-Mite! – Werke, die wiederum dem „Movie“-Universum angehören.

Der Film verknüpft damit beide Universen ausdrücklich: Die Figuren leben real – aber ihre Filmografie gehört der stilisierten Sphäre an.

„Tarantinoverse“: Wie die Filme von Quentin Tarantino verbunden sind – und wo man sie streamen kann

Die untenstehende Liste enthält alle in diesem Artikel erwähnten Filme, geordnet in chronologischer Reihenfolge – und mit aktuellem Überblick, wo man sie im Abo, als Kauf- oder Leihoption streamen kann.

Zwar wurde zuvor weltweit schon viel herum experimentiert, doch Der Jazzsänger (1927) gilt allgemein als der erste abendfüllende Tonfilm der Filmgeschichte. Dank des Gesangs von Al Jolson wurde das Musikdrama ein Riesen-Hit und ebnete so den Weg zum Durchbruch des Tonfilms.

Eingeläutet wurde damit auch das Ende der ersten großen Ära in der Entwicklung des Films: dem Stummfilm. Seit den Anfängen der ersten Filmpioniere von den Lumière-Brüdern hin zu den Gebrüdern Skladanowsky und Alice Guy-Blaché Ende des 19. Jahrhunderts wurden weltweit bis Ende der 1920er Jahre faszinierende Klassiker der Filmgeschichte geschaffen. Die extrem produktive Stummfilmphase hat die Grundsteine der wichtigsten Filmgenres gelegt und dabei wahrhaft Spektakuläres geschaffen – Filme, die bis heute begeistern und erstaunen.  

Wir stellen Euch zehn spannende Stummfilme in chronologischer Reihenfolge vor – allesamt unterhaltsame Klassiker unterschiedlichster Genres. Wo Ihr sie auf welchem Wege streamen könnt, verrät Euch dabei unser Guide.

1. Die Reise zum Mond (1902)

Der Franzose Georges Méliès gilt als der große Illusionist und Visionär unter den Filmpionieren. Als Erfinder des Stop-Motion-Verfahrens und zahlreicher anderer Tricks verzauberte er ein weltweites Publikum. Im eigenen sonnendurchfluteten Filmstudio drehte er die fantasievollsten Abenteuerfilme – Martin Scorsese setzte jener Zeit mit Hugo Cabret (2011) ein filmisches Denkmal. Méliès’ bekanntestes Werk, der Science-Fiction-Film Die Reise zum Mond nach Motiven von Jules Verne und H.G. Wells, handkoloriert und voller damals innovativster Tricks, zählt zu den bedeutendsten Arbeiten der filmischen Frühgeschichte.

2. Das Cabinet des Dr. Caligari (1920)

Robert Wienes düsterer Horrorfilm steht exemplarisch für die Strömung des expressionistischen Films, der die Filmproduktion der Weimarer Republik weltberühmt machte. Am deutlichsten zeigt sich der Expressionismus von Das Cabinet des Dr. Caligari an den prägnanten Bauten. Die Häuser, Räume und Stadtfluchten wirken auf groteske Weise verzerrt, aufgemalte Schatten bilden mit der harten Beleuchtung eine unheimliche Stimmung, und düster geschminkte Schauspieler vermitteln in den engen Räumen klaustrophobischen Grusel. Der Film erzählt von einem Schlafwandler, der von Dr. Caligari tagsüber auf einem Jahrmarkt präsentiert wird und der in der Nacht zum Mörder wird. Die unheilvolle Stimmung und das scheinbar fremdgesteuerte Böse waren bestimmende Motive des Weimarer Kinos. Bis heute fasziniert der Film durch die intensive Atmosphäre und die akzentuierten Bilder.

3. Der Vagabund und das Kind (1921)

Der Vagabund und das Kind, in Deutschland auch unter seinem Originaltitel The Kid bekannt, markiert Charlie Chaplins ersten Langfilm, den er schrieb, produzierte und inszenierte. In der Hauptrolle tritt er in seiner ikonischen Kunstfigur des „Tramp“ auf, die noch heute jedes Kind sofort mit Chaplin assoziiert. Im Film findet der namenlose Tramp einen kleinen Jungen und kümmert sich rührend um ihn, bis ihre Zweckgemeinschaft bedroht wird. Der Film, den Chaplin über ein Jahr hinweg akribisch vorbereitete und mit enormem Aufwand umsetzte, verbindet Chaplins klassischen Comedyelemente mit zeitgenössischen Sozialthemen – eine seinerzeit einzigartige Mischung. Das Publikum war begeistert, der Film wurde zum Kassenschlager und bis heute eines von Chaplins prägendsten Werke.

4. Nosferatu, eine Symphonie des Grauens (1922)

Friedrich Wilhelm Murnaus Nosferatu, eine Symphonie des Grauens gilt als eines der großen Meisterwerke der internationalen Filmgeschichte. Der Film prägte die Dominanz des Dämonischen im Weimarer Kino wie kaum ein anderer und gilt als Begründer des filmischen Gothic Horror. Die inoffizielle Adaption des Bram-Stoker-Klassikers „Dracula“ hat unvergessliche Momente des Horrorfilmgenres hervorgebracht. Die blasse und grausige Präsenz des Hauptdarstellers Max Schreck, der Schatten seiner knochigen Hände, die düsteren Bilder der Wismarer und Lübecker Architektur, die für den fiktiven Ort Wisborg Pate standen: Zahllose Filme orientieren sich bis heute an der faszinierenden Umsetzung dieses Vampirfilms.

5. Dr. Mabuse, der Spieler (1922)

Mit Dr. Mabuse, der Spieler schuf Fritz Lang 1922 die erste Verfilmung jener manipulativen Figur, die auf den Schriftsteller Norbert Jacques zurückgeht und die immer wieder besonders in der deutschen Filmgeschichte in Erscheinung tritt. Der zweiteilige Film erzählt die Geschichte des zwielichtigen Psychoanalytikers, der hinter der Fassade seiner Praxis ein Verbrechersyndikat führt und im Berliner Nachtleben Menschen beim Glücksspiel über Hypnose manipuliert. Von Lang herausragend inszeniert, besticht der Film aus heutiger Sicht insbesondere durch den Spiegel, den er dem Weimarer Zeitgeist vorhält. Für Lang entwickelte sich Dr. Mabuse zur Figur, mit der er noch zweimal deutliche Gesellschaftskritik äußerte: Sein Das Testament des Dr. Mabuse (1933) zog Parallelen zwischen Verbrechen und Nationalsozialismus und wurde von den Nazis verboten. Mit Die 1000 Augen des Dr. Mabuse (1960) schließlich schuf er ein frühes Mahnmal gegen eine Welt der Überwachung.

6. Ausgerechnet Wolkenkratzer! (1923)

Im Kanon der großen US-amerikanischen Stummfilmkomödianten wird Harold Lloyd selten als erstes genannt, dabei steht sein Einfallsreichtum, seine Risikobereitschaft und sein mimisches Spiel Chaplin, Keaton und Laurel/Hardy in nichts nach. Der bis heute bekannteste Beleg dafür ist die spannende und turbulente Komödie Ausgerechnet Wolkenkratzer!. Der Held des Films, ein kleiner Mann vom Dorf, will in New York groß rauskommen und einen Wettbewerb um die beste Werbeaktion für ein Kaufhaus gewinnen. Seine Idee: ohne Hilfsmittel ein Hochhaus zu erklimmen. Der Film enthält haarsträubende Stunts, die Lloyd größtenteils persönlich ausübte, und bietet Nervenkitzel auf derart schwindelerregende Art, dass – so wird kolportiert – manche Kinos seinerzeit Krankenschwestern beschäftigten, um Besucher aus drohender Ohnmacht zu retten. Das vielleicht berühmteste Bild, in dem Lloyd sich am Zeiger einer Uhr festhält, fand im ersten Teil von Zurück in die Zukunft (1985) eine schöne Würdigung.

7. Der letzte Mann (1924)

Die bewegende Geschichte über einen Hotelportier, der wegen seines zunehmenden Alters zur Toilettenbetreuung degradiert wird, aber zuhause weiterhin so tut, als wäre nichts geschehen, bedeutete für Filmschaffende wie Friedrich Wilhelm Murnau, Produzent Erich Pommer, Kameramann Karl Freund und natürlich Hauptdarsteller Emil Jannings den Türöffner nach Hollywood. Dieser Höhepunkt des deutschen Filmexpressionismus besticht insbesondere durch die subjektivierte Erzählweise und Bildgestaltung, die es ihm ermöglichte, so gut wie ohne Zwischentitel auszukommen. Erstmals wurde im Film mit einer subjektiven entfesselten Kamera gearbeitet und damit ein neuer Kosmos der Filmsprache eröffnet.

8. Panzerkreuzer Potemkin (1925)

Als sowjetische Revolutionspropaganda gedreht, stellt der Film heute mit seiner beispiellosen Bildkomposition und seiner innovativen Montage ein unbestrittenes Meisterwerk dar, das Generationen von Filmschaffenden weltweit inspiriert hat. Sergei Eisenstein, der sich mit seinen avantgardistischen Filmen bewusst gegen den Erzählstil des Westens gestellt hat, schuf mit Panzerkreuzer Potemkin dank seiner Attraktionsmontage eine gewaltige Spannungsdramaturgie, die sich in einer der berühmtesten Sequenzen der Filmgeschichte entlädt: dem Massaker auf der Hafentreppe von Odessa. Zahllose Filme von The Untouchables (1987) über Die nackte Kanone 3⅓ (1994) bis zu Woody Allens Bananas (1971) haben Montage und Dramaturgie dieser Szene in Zitaten gehuldigt.

9. Der General (1926)

Ein Lokomotivführer nimmt während des Amerikanischen Bürgerkriegs im Alleingang die Verfolgung seiner entführten Lokomotive auf: So ungefähr jeder kennt Bilder aus Buster Keatons Stummfilmkomödie Der General. Dabei bedeutete sie seinerzeit Keaton selbst als großes Fiasko, denn der einst teuerste Film aller Zeiten floppte und läutete den Niedergang eines der spannendsten Filmpersönlichkeiten aller Zeiten ein. Heute stellen seine unglaublichen Stunts, seine immens gefährlichen Tänze auf Loks und Waggons, die erstaunlich bewegliche Kamera und Keatons „Deadpan Acting” Ikonen der Filmgeschichte dar.

10. Napoleon (1927)

Der Historienfilm über das Leben Napoléon Bonapartes gehört zu den zahlreichen gigantomanischen Produktionen der Filmgeschichte, deren technischer und erzählerischer Anspruch über ihre jeweiligen Möglichkeiten hinausgingen. Regisseur Abel Gance schuf ein Historienepos voller Innovationen im Bereich Montage und Kamera, in Teilen handkoloriert und mit zahllosen Schauspielern besetzt. Doch all der Aufwand und all die Innovationen dieses visuell aufregenden Films hatten einem Umstand nichts entgegenzusetzen: der Erfindung des Tonfilms. Die Begeisterung über dieses neue audiovisuelle Erlebnis setzte sich derart schnell durch, dass Abel Gances Napoleon gnadenlos unterging und erst in den 1980er Jahren wiederentdeckt und dann endlich gewürdigt wurde.

Wo es die zehn faszinierendsten Stummfilme online zu sehen gibt

Alle genannten Filme sind in Deutschland bei unterschiedlichen Streamingdiensten abrufbar. Die nachstehende Liste verrät Euch alle Details.

Ein düsteres Geheimnis, ein unheimlicher Fremder und ein Sommer, der alles verändert: Die „Ich weiß, was du letzten Sommer getan hast"-Reihe gehört zu den bekanntesten Slasher-Serien der späten 1990er-Jahre.

Mit einer Mischung aus Teenie-Drama, Horror und einem ikonischen Killer im Regenmantel traf der erste Teil 1997 genau den Nerv der Zeit und prägte ein ganzes Genre.

Es folgten Fortsetzungen, Neuinterpretationen und ein kurzzeitiger Abstecher ins Fernsehen. Doch der Kern blieb: Schuld, Angst und die Frage, wie weit sich eine Jugendsünde verfolgen lässt. Zwischen Rache, Schuldgefühlen und der Angst vor der Vergangenheit erzählen die Filme von Figuren, die sich in einem tödlichen Netz aus Schweigen und Verdrängung verfangen. Hier findest du alle Filme in der richtigen Reihenfolge.

1. Ich weiß, was du letzten Sommer getan hast (1997)

Ich weiß, was du letzten Sommer getan hast startet mit vier Freunden, einem Unfall und einem folgenschweren Fehler. Julie, Ray, Helen und Barry überfahren in einer Sommernacht einen Fremden und beschließen gemeinsam, das Geschehene zu vertuschen. Ein Jahr später bekommt Julie eine anonyme Nachricht mit genau einem Satz: "Ich weiß, was du letzten Sommer getan hast." Ab diesem Moment beginnt das Grauen. Der erste Film der Reihe war ein Überraschungserfolg und gilt heute als Klassiker des Genres. Jennifer Love Hewitt, Sarah Michelle Gellar und Freddie Prinze Jr. wurden über Nacht zu Stars, und der Film selbst überzeugte mit düsterer Atmosphäre, stylischer Inszenierung und einem bedrohlichen Killer im Fischer-Outfit. Statt plumper Effekthascherei setzt der Film auf Spannung, Paranoia und das langsame Zerbröckeln von Freundschaften unter Druck. Eine Schuld, die sich nicht abschütteln lässt, wird zu einem Sommer des Schreckens, der nie vorbei ist.

2. Ich weiß noch immer, was du letzten Sommer getan hast (1998)

Ein Jahr nach den Ereignissen versucht Julie, zur Ruhe zu kommen, doch die Vergangenheit lässt sie nicht los. Ein vermeintlich harmloses Gewinnspiel bringt sie mit ihren Freunden auf eine tropische Insel, die sich bald als Falle entpuppt. Ich weiß noch immer, was du letzten Sommer getan hast setzt direkt an die Handlung des ersten Teils an, tauscht aber das neblige Kleinstadtsetting gegen eine abgelegene Urlaubsinsel mit eingeschränktem Kontakt zur Außenwelt aus. Inhaltlich wird es diesmal überdrehter: Es gibt mehr Figuren, mehr Opfer und mehr Tempo. Die Atmosphäre bleibt düster, aber die Story schlägt immer wildere Haken. Trotzdem behält der Film den Reiz des Originals, vor allem durch das Zusammenspiel aus Schuld, Verfolgung und der Frage, wie viel Vergangenheit ein Mensch ertragen kann. Für Fans des ersten Films bleibt es ein Pflichtbesuch, der zwar nicht subtil ist, aber trotzdem unterhaltsam.

3. Ich werde immer wissen, was du letzten Sommer getan hast (2006)

Das alte Muster bleibt in einer neuen Stadt mit neuen Charakteren bestehen. Eine Gruppe Jugendlicher inszeniert in Ich werde immer wissen, was du letzten Sommer getan hast einen makabren Halloween-Streich, der tödlich endet. Aus Angst vor den Konsequenzen schweigen sie. Ein Jahr später kehrt das Grauen zurück: Ein maskierter Fremder mit Hakenhand stellt ihnen nach. Die alte Botschaft gilt weiter: Was man verheimlicht, verfolgt einen irgendwann.Der dritte Teil hat mit den ursprünglichen Charakteren nichts mehr zu tun, wohl aber mit dem übergreifenden Thema der Reihe: Schuld, Angst und Schweigen. Der Film verlegt die Handlung in eine neue Umgebung und bedient sich klassischer Genre-Motive. Keine große Neuerfindung, aber eine konsequente Fortsetzung der Idee mit neuem Cast und altbekannter Bedrohung.

4. Ich weiß, was du letzten Sommer getan hast (TV-Serie, 2021)

Die Serie zu Ich weiß, was du letzten Sommer getan hast bringt den Slasher-Stoff als achtteilige Streaming-Adaption zurück, diesmal in einer modernen, digitalisierten Welt. Eine Gruppe Jugendlicher vertuscht einen tödlichen Unfall und wird ein Jahr später von anonymen Nachrichten und tödlichen Vorfällen heimgesucht. Auch hier steht das Motiv der verdrängten Schuld im Mittelpunkt, diesmal aber mit mehr Platz für Nebenfiguren, Geheimnisse und familiäre Verstrickungen. Hier bleiben zwar bleiben klassische Slasher-Elemente erhalten, viele Spannungsmomente entstehen aber auch aus dem Zusammenspiel der Figuren. Die Seriebietet Fans eine moderne Variante des Stoffes, in der Schuld nicht nur verfolgt, sondern spaltet.

5. Ich weiß, was du letzten Sommer getan hast (2025)

Fast 30 Jahre nach dem Original kehren Jennifer Love Hewitt und Freddie Prinze Jr. zu Ich weiß, was du letzten Sommer getan hast zurück, diesmal jedoch nicht als Hauptfiguren, sondern als Mentoren einer neuen Teenie-Generation. Auch diesmal schlägt der Hakenmann wieder zu. Eine Gruppe junger Erwachsener wird von derselben bedrohlichen Stimme aus der Vergangenheit eingeholt, als Fotos und Briefe auftauchen. Die alten Charaktere zeigen sich diesmal stärker in beratender Rolle, während die jungen Darsteller im Mittelpunkt stehen, die sich zwischen Schuldgefühlen und dem Versuch, der eigenen Geschichte zu entkommen, bewegen. Auch hier gibt es klassische Slasher-Elemente mit moderner Optik, mehr Blut und diesmal digitaler Atmosphäre.  

Alle Filme und die Serie von „Ich weiß, was du letzten Sommer getan hast“: Das ist die richtige Reihenfolge zum Streamen

Die untenstehende Liste umfasst alle Teile von „Ich weiß, was du letzten Sommer getan hast“. Mit JustWatch findest du heraus, wo du alles in der richtigen Reihenfolge streamen kannst.

Netflix-Eigenproduktionen im Action-Genre wurden lange vor allem mit großen Namen und Starpower in Verbindung gebracht – mit gemischtem Echo. Inzwischen hat sich das Spektrum dieser Filme jedoch deutlich erweitert. Der Fokus liegt heute häufig auf einfallsreichen One-Take-Sequenzen, eindrucksvollen Choreografien und internationalen Regiestilen, die neue Impulse setzen. Dadurch entstehen Werke, die durch visuelle Wucht, körperliche Intensität und stilistische Vielfalt überzeugen – von schnörkellosen Rachethrillern bis zu selbstironischen Prügelkomödien.

Ob brutale Faustkämpfe, stilisierte Kopfschüsse oder fliegende Motorräder: Diese Filme bieten Action pur. Diese Liste richtet sich an alle, die Actionkino nicht nur anschauen, sondern regelrecht zelebrieren möchten. Wer kompromisslose Spannung, physisch spürbare Gewalt und cineastische Handschrift schätzt, findet hier acht herausragende Beispiele, die weit über standardisierte Ballerfilme hinausgehen. Einige dieser Titel sind düster und distanziert, andere verspielt und witzig – aber alle eint ihre Energie und ihr Unterhaltungswert.

A Killer Romance (Hit Man, 2024)

Glen Powell überzeugt als falscher Auftragskiller, der sich in eine Zielperson verliebt – und plötzlich selbst ins Fadenkreuz gerät. Richard Linklater verfilmt diese absurde Prämisse mit überraschender Ernsthaftigkeit, temporeicher Inszenierung und jeder Menge ironischer Twists. Statt bloßer Schießereien gibt es raffinierte Doppelbödigkeit, Rollenspiele und Dialoge, die knallen wie eine Maschinenpistole. A Killer Romance ist kein klassischer Actionfilm, sondern ein Genre-Hybrid mit messerscharfer Regie und starken Figuren. Die Actionszenen sind stilvoll und klug inszeniert, der Humor bissig, die Spannung hoch. Powell brilliert in wechselnden Identitäten – charmant, gefährlich, verletzlich. Wer glaubt, er kenne schon alle Auftragskiller-Geschichten, wird hier angenehm überrascht. Ein filmischer Volltreffer – originell, stilbewusst und durchweg unterhaltsam.

Rebel Ridge (2024)

Jeremy Saulnier inszeniert einen Rachethriller, der seine Wut nicht versteckt. Im Zentrum steht ein junger Mann, der sich gegen ein korruptes System auflehnt – und dabei buchstäblich alles zerlegt. Rebel Ridge ist brutal, schnell und kompromisslos: Keine CGI-Schlachten, sondern rohe Körperlichkeit, staubige Kulissen und pointierter Sozialkommentar. Der Film erinnert stilistisch an Blue Ruin und Green Room, geht aber noch eine Spur sozialkritischer zur Sache. Die Actionszenen sind intensiv und realistisch, die Konfrontationen glaubwürdig. Der Film liefert keine einfachen Antworten – aber viele wuchtige Bilder und charakterliche Tiefe. Für alle, die ihre Action nicht weichgespült, sondern mit echtem Zorn serviert wollen. Rebel Ridge ist ein Faustschlag – politisch wie filmisch.

The Old Guard (2020)

Unsterbliche Söldner, tödliche Missionen, moralische Dilemmata: The Old Guard mischt Genreklassiker mit frischem Ansatz. Charlize Theron spielt eine Kriegerin, die seit Jahrhunderten kämpft – und langsam daran zerbricht. Die Action ist solide, die Kämpfe mit Gewicht, die Figuren glaubwürdig und verletzlich. Der Film ist einer der wenigen Netflix-Actionfilme mit echtem Herz. Die Kämpfe sind gut choreografiert, die Waffenwechsel flüssig, die Einsätze hoch. Die Inszenierung bleibt dabei überraschend emotional – es geht nicht nur um Gewalt, sondern um Verantwortung. Die Fortsetzung steht bereits in den Startlöchern, aber der erste Teil steht für sich: Als Mischung aus Comic-Verfilmung, Tragödie und modernem Söldnerfilm ist er besser als sein Ruf – und bleibt im Gedächtnis.

Extraction (2020)

Tyler Rake ist ein gebrochener Söldner mit tödlichen Fähigkeiten – und wird in einen brutalen Rettungseinsatz in Bangladesch geschickt. Extraction war der erste große Netflix-Actionhit, inszeniert von Stunt-Koordinator Sam Hargrave, der rohe Gewalt mit stilisierter Kameraarbeit verbindet. Der Film bietet spektakuläre Nahkämpfe, eine atemlose Verfolgungsjagd und einen legendären One-Take durch enge Gassen, Häuser und Dächer. Chris Hemsworth überzeugt als wortkarger Kämpfer mit Gewissen, der sich durch Horden von Gegnern schlägt. Extraction setzt auf Wucht und Rhythmus statt komplexer Handlung – aber das funktioniert erstaunlich gut. Die Fortsetzung Extraction 2 hat die Action weitergedacht und noch brachialer umgesetzt – doch schon der erste Teil ist ein echtes Brett für Fans von kompromissloser Genre-Kost.

The Big 4 (2022)

Aus Indonesien kommt dieser durchgeknallte Genre-Mix, der sich zwischen Action, Komödie und Slapstick bewegt. Vier Ex-Killer werden wieder aktiv – mit Stil, Tempo und viel Chaos. Regisseur Timo Tjahjanto (The Night Comes for Us) kennt sich mit ultrabrutaler Action aus, hier tobt er sich etwas humorvoller aus. The Big 4 lebt von überdrehten Setpieces, schnellen Schnitten und einer Energie, die man so selten bei westlichen Produktionen sieht. Die Figuren sind überzeichnet, aber (größtenteils) sympathisch, die Action grotesk, aber effektiv. Wer asiatische Genre-Exzesse liebt und keine Scheu vor überhöhter Gewaltdarstellung hat, bekommt hier ein unkonventionelles Action-Feuerwerk serviert – inklusive absurder Kämpfe und explosiven Pointen.

Red Notice (2021)

Dwayne Johnson, Ryan Reynolds und Gal Gadot gemeinsam vor der Kamera – da sind Spektakel und Selbstironie fast schon vorprogrammiert. Red Notice liefert genau das: einen internationalen Heist-Film mit Hochglanzoptik, flotten Sprüchen und reichlich Schauwerten. Regisseur Rawson Marshall Thurber lässt Tempo und Humor regieren – in einem Abenteuer, das weniger auf Tiefgang als auf Schauplatzwechsel und prominente Gesichter setzt. Die Story bleibt dabei eher formelhaft, aber das Zusammenspiel der Stars trägt den Film über so manche dramaturgische Flachstelle hinweg. Ob Wüsten, Museen oder Hochsicherheitsgefängnisse – visuell wird geklotzt. Kein Meilenstein des Genres, aber ein charmantes Action-Vergnügen mit Blockbuster-Flair. Ideal für einen entspannten Sonntagnachmittag: denn der Film verlangt nicht viel vom Publikum – und genau das macht ihn so bekömmlich.

Havoc (2025)

Tom Hardy kämpft sich durch eine korrupte Unterwelt, nachdem ein Drogendeal eskaliert. Klingt simpel – ist es auch. Doch Regisseur Gareth Evans (The Raid) interessiert sich weniger für Handlung als für Intensität. Havoc ist ein Film, der körperlich weh tut: Jeder Schlag hat Gewicht, jeder Raum wirkt wie eine Falle, jeder Fluchtweg ist ein Spießrutenlauf. Die Kamera bleibt dicht dran, die Schnitte sind knapp gesetzt, die Gewalt ist roh. Glamour gibt es hier nicht – nur Dreck, Enge, Schmerz. Hardy wuchtet sich durch Treppenhäuser, Lagerhallen und Hinterhöfe, als hinge sein Leben davon ab. Die Story dient vor allem als Vorwand für physische Eskalationen, die so real wirken wie blaue Flecken. Evans zeigt erneut, dass er ein Meister des Close-Combat-Kinos ist. Havoc ist nichts für Zartbesaitete – aber ein kompromissloses Statement in Sachen Street-Level-Action.

Project Power (2020)

Superkräfte für genau fünf Minuten – das ist die zentrale Idee dieses Sci-Fi-Actionfilms mit Jamie Foxx und Joseph Gordon-Levitt. Die Prämisse ist stark, die Umsetzung solide: rasantes Tempo, viele Explosionen, ein düsteres New Orleans als Schauplatz. Der Film spielt mit gesellschaftlichen Themen wie Kontrolle, Ausbeutung und staatlichem Machtmissbrauch – ohne sie allzu tief zu vertiefen. Dafür punktet er mit spannenden Verfolgungsjagden, effektvollem CGI und einem starken Duo im Zentrum. Foxx liefert gewohnt kraftvoll ab, Gordon-Levitt bringt Leichtigkeit in den Plot. Die Effekte sind überzeugend, die Action kernig. Zwar bleibt einiges an erzählerischem Potenzial ungenutzt, aber als kurzweiliger Streaming-Trip funktioniert Project Power sehr ordentlich. Wer Popcornkino mit Sci-Fi-Flair sucht, wird hier fündig.

Noch mehr Netflix-Action? Bitte hier entlang!

Du willst noch mehr Adrenalin, Kugelhagel und Nahkampf? Im Netflix-Bereich auf JustWatch findest du alle aktuellen Actionkracher – sortierbar nach Bewertung, Genre oder Erscheinungsjahr. Für Fans von harter Kost, klugen Choreos und dreckigen Fights gibt’s dort noch viele weitere Volltreffer. Deine Watchlist wird es dir danken!

Mit dem Reboot, das am 17. Juli 2025 in die Kinos kommt, rückt der Slasher-Hit von 1997 wieder ins Rampenlicht. Damals wurde der Film zu einem Meilenstein des Teen-Horrors – dank düsterer Atmosphäre, Enterhaken-Mörder und einprägsamen Darstellern, die quasi über Nacht zu Stars wurden.

Doch was wurde aus Jennifer Love Hewitt, Freddie Prinze Jr. und den anderen? Einige von ihnen blieben dem Genre treu, andere wagten den Absprung – mal mit großem Erfolg, mal mit etwas weniger Glück. In diesem Artikel zeigen wir dir, was der originale Cast heute macht – und in welchen Serien oder Filmen du die einstigen Teen-Idole heute streamen kannst.

Jennifer Love Hewitt (Julie James)

Sie war das prägende Gesicht des Films – und blieb auch danach dem Bildschirm treu. Nach dem Sequel und Erfolgen wie Heartbreakers wechselte Jennifer Love Hewitt ins Serienfach. Besonders prägend: ihre Hauptrolle in Ghost Whisperer und als Escort-Dame mit Doppelleben in The Client List. Seit 2018 spielt sie Maddie in 9-1-1, einer erfolgreichen Dramaserie rund um Feuerwehr und Notruf. Dort überzeugt sie mit emotionalem Tiefgang und spielt eine Figur mit interessanter Vorgeschichte. Auch als Buchautorin und Produzentin ist Jennifer Love Hewitt aktiv. Übrigens: Jennifer Love Hewitt übernimmt im Reboot von Ich weiß, was de letzten Sommer getan hast erneut die Rolle der Julie James.

Freddie Prinze Jr. (Ray Bronson)

Mit Eine wie keine und Scooby-Doo wurde er zum Teenie-Star – doch statt weiter auf den Herzensbrecher zu setzen, wandte sich Freddie Prinze Jr. dem Synchronsprechen zu: Als Voice Actor in Star Wars Rebels oder Mass Effect baute er sich eine zweite Karriere auf. Dazu kamen Wrestling-Engagements bei WWE und ein eigener Horrorfilm-Podcast. Ob romantisch, nerdig oder nostalgisch: Freddie hat bewiesen, dass man sich auch abseits der Leinwand auf ihn verlassen kann. Und genau wie Jennifer Love Hewitt hat auch Freddie Prinze Jr. einen Auftritt im Reboot von Ich weiß, was du letzten Sommer getan hast. Fans dürfen sich also auf ein Wiedersehen mit Ray Bronson freuen.

Sarah Michelle Gellar (Helen Shivers)

Wer vom Horror der 90er spricht, kommt an ihr kaum vorbei: Sarah Michelle Gellar wurde durch Buffy zur Kultfigur. Nach Erfolgen wie Eiskalte Engel, The Grudge oder Scooby-Doo legte sie eine längere Pause ein, um sich um Familie und Projekte hinter der Kamera zu kümmern. 2023 kehrte sie mit der Mystery-Serie Wolf Pack zurück – allerdings blieb diese bei Kritik und Publikum hinter den Erwartungen. Dennoch ist Gellar nach wie vor eine einflussreiche Stimme in Sachen Female Empowerment. Beim Reboot bleibt sie dem Cast aber fern – obwohl Regisseurin Jennifer Kaytin Robinson laut eigener Aussage regelrecht darum gebettelt hat, sie wieder vor die Kamera zu bekommen.

Ryan Phillippe (Barry Cox)

Phillippe war nie nur der Schönling – spätestens mit Eiskalte Engel bewies er, dass in ihm mehr steckt. Es folgten weitere ernste Rollen in Way of the Gun, Crash oder als Elite-Sniper in der Serie Shooter. In Big Sky spielte er eine spannende Figur, ebenso im etwas verunglückten Thriller The Locksmith (2023). Phillippe hat sich auf gebrochene Männer spezialisiert – vielschichtig, zwiegespalten und fern vom klassischen Leading Man. Gerade deshalb funktioniert er in dunkleren Stoffen so gut. Wer ihn heute sehen will, bekommt keine Teen-Romantik, sondern kantige Thrillerkost – mit einem Schauspieler, der seinem Schönling-Image längst entwachsen ist.

Bridgette Wilson (Elsa Shivers)

Sie war die strenge Schwester mit schlechtem Timing – und verschwand kurz nach dem Slasher-Film fast vollständig von der Bildfläche. Bridgette Wilson spielte in den 90ern in Filmen wie Mortal Kombat oder Billy Madison, bevor sie 2000 Tennislegende Pete Sampras heiratete. Danach konzentrierte sie sich auf ihr Familienleben und trat nur noch selten vor die Kamera. 2022 wurde öffentlich, dass sie an Eierstockkrebs erkrankt ist – seither befindet sie sich in Behandlung. Trotz Rückzug bleibt sie für viele Fans ein Gesicht der 90er. Neue Filme gibt es nicht, doch ihre früheren Rollen genießen inzwischen Kultstatus. Ein stilles, respektvolles Karriereende.

Muse Watson (Ben Willis / Der Fischer)

Kaum ein Slasher-Killer war so grimmig ikonisch wie Watsons Enterhaken-Mörder. Doch der charakterstarke Muse Watson kann mehr als nur drohend schweigen: In NCIS spielte er Gibbs’ Mentor Mike Franks, in der ersten Staffel von Prison Break den inhaftierten Charles Westmoreland. Er ist Spezialist für Nebenrollen mit Gewicht – hart, wortkarg, aber oft mit moralischem Kern. Auch heute ist er gelegentlich in Indie-Filmen zu sehen oder auf Fan-Conventions aktiv. Wer einen verlässlichen Nebendarsteller mit Wiedererkennungswert sucht, findet ihn hier. Muse Watson mag nie der Megastar gewesen sein – doch sein Auftritt in Ich weiß, was du letzten Sommer getan hast bleibt bis heute unvergessen.

Wo du mehr vom IWWDLSGH-Cast streamen kannst

Sie waren Gesichter einer ganzen Generation: Der Cast von Ich weiß, was du letzten Sommer getan hast hinterließ Spuren – nicht nur in Serien und Filmen, sondern in der Popkultur. Einige von ihnen sind heute regelmäßig auf dem Bildschirm zu sehen, andere leben vom Mythos ihrer früheren Rollen.

Mit JustWatch kannst du ihre Karrierewege ganz einfach nachverfolgen: Ob Jennifer Love Hewitt in 9-1-1, Sarah Michelle Gellar in Buffy oder Ryan Phillippe in Shooter – unsere Plattform zeigt dir, wo genau du ihre aktuellen und früheren Projekte streamen kannst. So bleibt die Nostalgie lebendig – und dein Watchlist-Sommer garantiert spannend. Denn Legenden altern nicht – sie wechseln nur das Genre!

Joachim Trier ist ein Regisseur der Zwischentöne. In seinen Filmen erzählt er von der Melancholie des Alltags, vom scheuen Glück und der ewigen Wiederholung existenzieller Krisen – meist inmitten urbaner norwegischer Kulissen.

Gemeinsam mit seinem Co-Autor Eskil Vogt hat Joachim Trier einen Stil entwickelt, der sich durch poetische Bilder, präzise Figurenzeichnung und eine kluge Dramaturgie auszeichnet. Seine sogenannte „Oslo-Trilogie“ sowie spätere Werke kreisen um Selbstfindung, Verlust und die brüchige Suche nach Sinn in einer Welt, die mehr Möglichkeiten als Halt bietet. Ob depressive Intellektuelle, ziellose Studentinnen oder überspannte Familienväter – seine Figuren scheinen wie moderne Sisyphos-Gestalten, die in Schleifen denken, hoffen, scheitern und neu beginnen. 

Wir geben einen Überblick über das bisherige Werk des Regisseurs – die Liste am Ende verrät, wo man die Filme von Joachim Trier derzeit streamen kann.

Auf Anfang (2006)

Joachim Triers Debütfilm folgt zwei jungen Männern in Oslo, die sich als Schriftsteller etablieren wollen. Während Phillips Roman veröffentlicht wird und er kurz darauf psychisch zusammenbricht, bleibt Eriks Werk unbeachtet. Beide sind getrieben vom Wunsch nach Bedeutung, doch ihre Wege offenbaren die fragile Grenze zwischen künstlerischem Ausdruck und persönlichem Abgrund. Auf Anfang ist kein klassisches Drama, sondern ein vielschichtig montiertes Porträt zweier Lebensentwürfe. Durch Rückblenden, Tagträume und essayistische Kommentare entsteht eine komplexe Erzählstruktur, die die emotionale Zerrissenheit der Figuren einfängt. Der Film macht deutlich: Die Sinnsuche der Figuren ist weniger Ziel als Zustand. Triers melancholischer, aber nie hoffnungsloser Blick legt früh die stilistischen Grundlagen seines Schaffens offen.

Oslo, 31. August (2011)

Anders, ein ehemaliger Schriftsteller, darf seine Entzugsklinik für einen Tag verlassen. Er streift durch Oslo, trifft alte Freunde, besucht ein Vorstellungsgespräch – und verliert sich doch immer mehr in seiner inneren Leere. Trier begleitet ihn mit großer Empathie durch eine Stadt, die zugleich vertraut und fremd erscheint. In lakonischen Dialogen und schmerzhaft offenen Momenten entfaltet sich das Bild eines Mannes, der an der Unvereinbarkeit zwischen Erwartung und Wirklichkeit zerbricht. Die Kamera bleibt stets dicht an der Figur, ohne sie je zu überzeichnen. Die genaue Beobachtung des sozialen Umfelds und die kluge Inszenierung machen Oslo, 31. August zu einer stillen, intensiven Meditation über Depression, Verlorenheit und die Sehnsucht nach einem Neuanfang, der womöglich nie kommen wird. 

Louder Than Bombs (2015)

In Joachim Triers erstem englischsprachigen Film kehrt der Witwer Gene mit seinen beiden Söhnen nach dem Tod der Mutter, einer bekannten Kriegsfotografin, ins gemeinsame Haus zurück. Die Familie driftet auseinander, während sie auf unterschiedliche Weise mit dem Verlust ringt. Der Film erzählt nicht linear, sondern setzt Erinnerungen, Träume und Perspektivwechsel zu einem Porträt familiärer Entfremdung zusammen. Jesse Eisenberg, Gabriel Byrne und Isabelle Huppert brillieren in einem Drama, das nicht nur vom Tod, sondern vor allem vom Weiterleben handelt. Dabei geht es weniger um große Dramen als um leise Irritationen, Spannungen und Zärtlichkeiten. Triers Gespür für das Unsagbare im Zwischenmenschlichen bleibt auch auf internationalem Terrain erhalten – Louder Than Bombs ist ein komplexer Film über Nähe, Schweigen und das Gewicht unausgesprochener Wahrheiten.

Thelma (2017)

Mit Thelma wagt sich Trier ins Genre-Kino. Die titelgebende junge Thelma verlässt ihr streng religiöses Elternhaus, um in Oslo zu studieren. Als sie sich in eine Kommilitonin verliebt, treten übernatürliche Kräfte in ihr zutage, die eng mit ihrer unterdrückten Sexualität und familiären Traumata verknüpft sind. Trier kombiniert Coming-of-Age-Drama mit Mystery-Elementen und schafft dabei ein psychologisch feinfühliges, atmosphärisch dichtes Porträt innerer Befreiung. Der Film ist visuell opulent, voller symbolischer Bilder und präziser Spannungsmomente. Thelma erzählt von der Angst vor dem eigenen Begehren – und davon, wie befreiend es sein kann, diese Angst zu überwinden. So wird das Übernatürliche zur Metapher für innere Zerrissenheit, Kontrolle und letztlich Selbstermächtigung. 

Der schlimmste Mensch der Welt (2021)

Julie ist Anfang dreißig, talentiert, klug – und orientierungslos. Zwischen Studienwechseln, wechselnden Liebesbeziehungen und einer unentschiedenen Karriere als Fotografin sucht sie nach einem Lebensentwurf, der zu ihr passt. Joachim Trier erzählt in zwölf Kapiteln, einem Prolog und Epilog, von dieser Suche – leichtfüßig und melancholisch zugleich. In Rückblenden, Tagträumen und flüchtigen Begegnungen entsteht das Porträt einer Frau, die sich jeder Festlegung entzieht. Renate Reinsve, die in Cannes als Beste Darstellerin ausgezeichnet wurde, verleiht Julie dabei eine faszinierende Mischung aus sympathischer Verletzlichkeit und egoistischem Eigensinn. Der schlimmste Mensch der Welt ist das emotionale und formale Glanzstück der Oslo-Trilogie – ein sinnlicher, trauriger und oft überraschend komischer Blick auf das Unfertige im Menschsein. Trier gelingt ein Werk, das präzise den Zeitgeist junger urbaner Generationen einfängt, ohne sich darin zu verlieren. 

Sentimental Value (2025)

Joachim Trier bleibt seinem Sujet treu – und setzt doch neue Akzente: Nach dem Tod ihrer Mutter stehen die Schwestern Nora (Renate Reinsve) und Agnes (Inga Ibsdotter Lilleaas) vor der Herausforderung, sich mit ihrem entfremdeten Vater Gustav (Stellan Skarsgård) auseinanderzusetzen – einem einst gefeierten, inzwischen aber müde gewordenen Regisseur. Gustav hat ein neues Drehbuch geschrieben und bietet Nora die Hauptrolle an – doch sie lehnt entschieden ab. Stattdessen besetzt er die Rolle mit der Hollywood-Schauspielerin Rachel Kemp (Elle Fanning). Als die Dreharbeiten in Norwegen beginnen, kommen alte Erinnerungen, Erwartungen und Verletzungen zurück an die Oberfläche. In zurückhaltenden Bildern und mit subtiler Ironie erzählt Trier ein leises Drama über Entfremdung, Reue und das nie ganz versiegende Bedürfnis nach Nähe. Sentimental Value verbindet Familiendrama mit filmischer Selbstreflexion – ein bewegender Nachtrag zu Triers bisherigen Arbeiten. 

Zwischen Nähe und Leere: Alle Filme von Joachim Trier – und wo man sie streamen kann

Die untenstehende Liste gibt einen Überblick darüber, wo man „Der schlimmste Mensch der Welt“, „Sentimental Value“ und alle weiteren Filme des Regisseurs aktuell streamen kann.

Kaum ein Schauspieler unserer Zeit sucht so konsequent die Extreme wie Alexander Skarsgård. In seiner Filmografie reiht sich der blutgetränkte Rachefeldzug eines Wikingerkriegers an die Gewalt eines Serien-Schlägers, der entfremdeten Zynismus eines Tech-Moguls an den moralischen Abstieg eines gescheiterten Schriftstellers.

Skarsgård spielt in der Regel nicht die Sympathieträger – sondern Figuren, die in Krisen geraten, (mindestens) ambivalent sind und dabei etwas Unbequemes über Macht, Männlichkeit oder Selbstverlust offenbaren.

Gerade in Rollen, die physisch oder psychisch fordernd sind, blüht Skarsgård auf. Seine Titelrolle in der neuen Serie Murderbot steht im Kontrast dazu: Als Sicherheitsdroide mit eigenem Bewusstsein spielt er ein Wesen jenseits klarer Kategorien – halb Maschine, halb Mensch, letztlich aber eher von leichtfüßig-lustigem Charakter als von düsteren Mordgelüsten getrieben. Höchste Zeit also, auf die zehn Rollen zurückzublicken, in denen Alexander Skarsgård bislang besonders überzeugen konnte.

10. Das Glück der großen Dinge (2013)

Im Zentrum dieses sensiblen Familiendramas steht ein kleines Mädchen, das zwischen zwei egozentrischen Elternteilen aufgerieben wird: Alexander Skarsgård spielt Lincoln, den neuen Partner von Maisies Mutter (Julianne Moore), der sich wider Willen in eine Vaterrolle hineingezogen sieht. Während Maisies eigentliche Eltern um das Sorgerecht streiten, ist es ausgerechnet er, der dem Kind ungekannten Halt gibt. Seine Figur steht im Kontrast zur lauten Selbstbezogenheit der leiblichen Eltern – und wächst dabei ganz leise in seine neue Verantwortung hinein. Das Glück der großen Dinge erzählt mit viel Feingefühl von moderner Elternschaft – und zeigt Alexander Skarsgård als sanften Gegenpol in einem komplexen Beziehungsgeflecht.

9. The East (2013)

In Zal Batmanglijs spannungsgeladenem Ökothriller wird eine ehrgeizige Agentin (Brit Marling) von einer privaten Sicherheitsfirma auf eine Undercover-Mission geschickt: Sie soll eine Gruppe militanter Aktivisten infiltrieren, die gegen Konzerne kämpft, die für Umweltzerstörung, Medikamentenskandale oder soziale Ausbeutung verantwortlich sind. Die Gruppe, die sich The East nennt, inszeniert spektakuläre Vergeltungsaktionen, um ihre „Ziele“ öffentlich bloßzustellen. Doch je tiefer die Agentin in die Struktur und Überzeugungen der Gruppe eintaucht, desto stärker verschwimmen für sie die Grenzen zwischen Auftrag und Empathie. Nicht zuletzt wegen Benji, dem Anführer dieser Bewegung: Alexander Skarsgård spielt ihn ruhig, kontrolliert – seine Figur ist kein lauter Rädelsführer, sondern ein Visionär, der überzeugt ist, moralisch im Recht zu sein. Er verkörpert die Verführungskraft radikaler Überzeugungen – und macht erfahrbar, wie leicht sich Ideale in Dogmen verwandeln können.

8. Big Little Lies (2017–2019)

Die gefeierte HBO-Serie folgt einer Gruppe wohlhabender Frauen im kalifornischen Monterey, deren perfekt inszenierte Leben nach und nach Risse bekommen. Was als elegantes Familiendrama beginnt, entpuppt sich als spannungsgeladene Serien-Studie über Gewalt, Loyalität und weibliche Solidarität. Ein tödliches Ereignis wirft rückblickend Fragen auf: Was geschah wirklich – und warum schweigen alle Beteiligten? Alexander Skarsgård spielt Perry Wright, den scheinbar perfekten Ehemann von Celeste (Nicole Kidman). Hinter der bürgerlichen Fassade lauern jedoch psychischer Terror und häusliche Gewalt. Skarsgård verleiht der Figur eine verstörende Ambivalenz: höflich, charmant – und zutiefst bedrohlich. Für seine Rolle wurde er mit einem Emmy und einem Golden Globe ausgezeichnet.

7. Melancholia (2011)

Mit Melancholia hat Lars von Trier einen atmosphärisch dichten Film über das Unausweichliche geschaffen – die nahende Kollision eines fremden Planeten mit der Erde wird zur Metapher für persönliche und existentielle Katastrophen. Im Mittelpunkt steht Justine (Kirsten Dunst), deren schwere Depression die Feier ihrer eigenen Hochzeit überschattet. Während der Weltuntergang näher rückt, entfaltet sich ein beklemmendes Drama über Angst, Isolation und das Ende aller Illusionen. Alexander Skarsgård spielt Justines Ehemann, der als bodenständiger, kontrollierter Gegenpol fungiert. Er versucht verzweifelt, Halt zu geben und die Fassade der Normalität zu wahren, während die Realität sich immer mehr verdunktelt.

6. Succession (2018–2023)

Die vielfach ausgezeichnete Drama-Serie Succession taucht tief in das Leben der Roy-Familie ein, die ein milliardenschweres Medienimperium kontrolliert. Hinter Glamour und Luxus brodelt allerdings ein Sumpf aus Machtspielen und Verrat. Jeder will die Krone – egal, wie schmutzig der Weg dorthin ist. Alexander Skarsgård steigt in der letzten Staffel als Lukas Matsson ein, ein eiskalter Tech-Mogul aus Schweden, der mit unkonventionellen Methoden die alte Medienwelt aufmischt. Skarsgård macht seine Figur zum faszinierenden Gegenspieler: Seine Figur verkörpert eine neue Art von Macht – digital, charmant, doch skrupellos.

5. True Blood (2008–2014)

In der düsteren Kleinstadt „Bon Temps“ koexistieren Menschen und Vampire, seit Blut in Flaschen verfügbar ist. True Blood ist ein wilder Mix aus Mystery, Drama und schwarzem Humor – mit jeder Menge blutiger Machtkämpfe und leidenschaftlicher Affären. Alexander Skarsgård spielt Eric Northman, einen uralten, charismatischen Vampir, der seine Macht mit eiskaltem Kalkül und animalischer Anziehungskraft sichert. Eric ist zugleich verführerisch und gefährlich – Skarsgård macht ihn zu einem aufregenden Mittelpunkt der Serie und erzielte mit seiner Rolle den internationalen Durchbruch.

4. The Northman (2022)

In Robert Eggers archaischen Wikinger-Epos wird Alexander Skarsgård zum Krieger Amleth, der nach der Ermordung seines Vaters finstere Rache schwört. Was auf dem Papier nach einer linearen Heldengeschichte klingt, wird in The Northman zu einem mythologisch aufgeladenem Fiebertraum – und Skarsgård zu einer Urgewalt aus Schmerz, Zorn und Verzweiflung. Er stürzt sich mit körperlicher Hingabe in diese Rolle, verwandelt sich in einen Tiermenschen, der zwischen Traumvisionen und Blutritualen taumelt. The Northman ist ein barbarischer Bilderrausch – und Skarsgård brilliert als sein intensives Zentrum.

3. Infinity Pool (2023)

Brandon Cronenberg inszeniert einen dystopischen Albtraum: Alexander Skarsgård spielt einen erfolglosen Schriftsteller, der mit seiner Ehefrau (Cleopatra Coleman) in einem luxussatten, fiktiven Urlaubsland strandet. Dort entgleitet ihm die Realität, als er in ein sadistisches Spiel aus Klonen, drakonischen Strafen und Doppelmoral hineingezogen wird. Zwischen Satire und Horror angesiedelt, ist Infinity Pool eine wilde, stilisierte Abrechnung mit westlichem Hedonismus – und Skarsgård verleiht der Hauptfigur eine nervöse Energie, die vom passiven Beobachter zum nihilistischen Täter wird. Eine der radikalsten Rollen seiner Karriere.

2. Pillion (2025)

Wer sagt, dass BDSM im Kino immer todernst sein muss? Pillion, Harry Lightons Adaption von Adam Mars-Jones’ Roman „Box Hill“, verlegt die radikale Vorlage charmant ins Hier und Jetzt – samt Humor, Leder und Weihnachtschören. Statt schmerzhafter Introspektion gibt es Rom-Com-Ästhetik mit einem ironischen Blick auf Lust, Rollen und Begehren. Die Londoner Vorstadt, Motorräder, ein Ordnungsamt und die Fetischszene liefern die Kulisse für eine queere Liebesgeschichte mit doppeltem Boden. Harry Melling spielt Colin, einen schüchternen Einzelgänger, der sich in Ray verliebt – einen dominanten, wortkargen Biker mit einer Vorliebe für Kontrolle. Alexander Skarsgård gibt Ray mit stoischer Ruhe und subtiler Autorität. Seine Präsenz ist leise, aber markant – ein Mann, der Regeln setzt, ohne viel zu erklären. Pillion ist schrill, verspielt, mutig – ein Filmereignis ganz eigener Art und eine Überraschung der Filmfestspiele von Cannes 2025.

1. The Diary of a Teenage Girl (2015)

In dieser ebenso verstörenden wie einfühlsamen Coming-of-Age-Geschichte spielt Alexander Skarsgård den gutaussehenden, aber unreifen Monroe – den Freund der Mutter der 15-jährigen Minnie (Bel Powley), mit der er eine Affäre beginnt. Die Handlung wird aus der Perspektive eben dieser Minnie erzählt, die ihren sexuellen und künstlerischen Selbstfindungsprozess in einem Tagebuch dokumentiert. Marielle Heller schafft es, die Abgründe einer missbräuchlichen Beziehung ohne Voyeurismus, dafür mit großer emotionaler Präzision auszuloten. Alexander Skarsgårds Figur ist dabei kein plumper Bösewicht, sondern als deutlich profanere Bedrohung angelegt. Gerade in der moralischen Schwebe liegt die Stärke von The Diary of a Teenage Girl – einem Film, der seine weibliche Hauptfigur verstehen will, ohne zu verharmlosen, was sie erlebt.

Alexander Skarsgårds beste Filme und Serien im Streaming-Überblick: 10 Rollen zwischen Verführung, Verstörung und Grenzüberschreitungen

Die untenstehende Liste enthält unsere Film- und Serienempfehlungen zu Alexander Skarsgård – zusammen mit Informationen zu allen aktuellen Streaming-Möglichkeiten.

Er trägt einen roten Anzug und überzeugt mit geschärften Sinnen und jeder Menge Prügeleien: Daredevil gehört zu den ikonischsten Figuren im Marvel-Kosmos. Als blinder Anwalt Matt Murdock hält er sich in den Gerichtssälen von Hell's Kitchen auf, als maskierter Rächer mischt er die Dächer von New York auf: Die Figur hat im Laufe der Jahre so einige Inkarnationen erlebt.

Dabei wurde er mal düster, mal kampffreudig und mal extrem brutal inszeniert. Wer sich fragt, in welcher Reihenfolge man alle Filme und Serien rund um den „Man Without Fear" sehen sollte, bekommt hier die komplette Übersicht in der richtigen Reihenfolge - von den frühen Gehversuchen bis zum MCU-Einstieg.

Daredevil (2003)

Bevor Netflix das düstere Potential von Matt Murdock entdeckte, gab es Ben Affleck, in Leder und mit Sonnenbrille. In Daredevil aus dem Jahr 2003 bekommen wir den Anwalt mit Doppelleben erstmals in Spielfilmform, komplett mit tragischer Story, blutigem Rachefeldzug und wackeligen CGI-Stunts. Jennifer Garner ist die Elektra, Colin Farrell wird zum völlig überdrehten Bullseye und Michael Clarke Duncan ist der Kingpin mit Stil. Der Film kam bei den Fans nicht sonderlich gut an und gilt teilweise als kitschig und immer wieder inkonsistent. Trotzdem ist er aber irgendwie Kult, zumindest als Dokument der Zeit. Der düstere Ton war seiner Zeit ein Stück voraus, die Umsetzung ist heute aber eher Retro-Spaß. Kleiner Tipp: Die Director’s Cut-Version ist deutlich runder und beliebter.

Marvel’s Daredevil (Serie, 2015-2018)

Die Rückkehr des Mannes ohne Furcht ist diesmal düsterer, brutaler und mit mehr Tiefgang. In der gefeierten Netflix-Serie Marvel’s Daredevil schlüpft Charlie Cox in die Rolle von Matt Murdock, dem blinden Anwalt mit Gerechtigkeitssinn, der auch diesmal wieder seine Vorliebe für nächtliche Schlägereien in Hell’s Kitchen zeigt. Staffel 1 präsentiert den ikonischen Gegenspieler Wilson Fisk (Vincent D’Onofrio), in Staffel 2 werden Punisher und Elektra eingeführt, und Staffel 3 liefert ein fulminantes Finale mit psychologischer Wucht. Der Stil ist durchgehend düster, ernst und blutig und wartet mit One-Take-Kampfszenen, flackerndem Neonlicht und sorgfältiger Charakterentwicklung auf. Diesmal ist das kein Marvel-Spektakel mit Witzen, sondern ein Crime-Drama mit Kapuze.

Marvel’s The Defenders (2017)

Vier Einzelgänger tun sich zusammen, um New York zu retten, und das bedeutet, es ist Crossover-Time im düsteren Marvel-Universum. The Defenders vereint Daredevil, Jessica Jones, Luke Cage und Iron Fist und liefert ein echtes Straßenhelden-Dreamteam. Gemeinsam nehmen sie es mit der mysteriösen Organisation „The Hand“ auf, die schon vorher für Ärger sorgte. Natürlich kracht es mal wieder ordentlich, aber auch die Dynamik zwischen den Helden macht Spaß, in der Daredevil der ernste Anführer ist, Jessica erstmal einen trinkt und Luke unerschütterlich cool bleibt. Iron Fist… Nun ja, der ist irgendwie dabei. Die Serie fühlt sich wie eine Superhelden-Variante von The Avengers in kleinerem Maßstab an und zeigt sich urban, kantig und unterhaltsam. Acht Folgen mit viel Action und wenig Leerlauf.

Daredevil: Born Again (2025)

Die Rückkehr ins MCU, diesmal ganz offiziell. Daredevil: Born Again kehrt als lang erwartetes Comeback des blinden Superhelden Matt Murdock zurück, und das düsterer, komplexer und intensiver denn je. Mit Charlie Cox in der Hauptrolle taucht die Serie tief in die Abgründe von Hell’s Kitchen ein, wo Recht und Gerechtigkeit auf brutale Weise aufeinandertreffen. Alte Feinde kehren zurück, Geheimnisse werden gelüftet und Matt muss alles riskieren, um sich selbst und die Stadt zu retten. Mit einer Mischung aus harter Action, packendem Drama und moralischen Konflikten verspricht Born Again die perfekte Verschmelzung von klassischem Superhelden-Drama und erwachsenem Thriller. Fans können sich auf eine spannende Neuinterpretation freuen, die das Daredevil-Universum neu definiert.

Hier findest du alle “Daredevil”-Filme in der richtigen Reihenfolge

Die untenstehende Liste zeigt, wo du zurzeit sämtliche Filme und Serien von „Daredevil“ streamen kannst. 

Lange Zeit war Lindsay Lohan DAS Gesicht der Teenie- und Familienfilme der 2000er-Jahre. Mit ihren Rollen begleitete sie eine ganze Generation, angefangen als süßes Disney-Mädchen bis hin zur jungen Frau, die sich später auch ernsteren Rollen widmete. Trotz ihrer Schauspielerfolge war ihr Leben abseits der Kamera oft chaotisch.

Ihre Filmhits, von denen einige bereits als Kult gelten, zeigen jedoch, dass Lindsay Lohan ein echtes Talent hat, das weit über reine Unterhaltung hinausgeht. In dieser Liste findest du acht ihrer besten und beliebtesten Filme, vom Teenie-Hit bis zur ernsthaften Film-Biografie.

1. Girls Club – Vorsicht bissig! (2004)

Girls Club ist nicht einfach nur eine Teenie-Komödie, sondern ein echter Kultfilm, der bis heute unzählige Fans hat. Lindsay spielt Cady Heron, ein Mädchen, das neu an der Highschool ist und schnell merkt, dass soziale Hierarchien und Machtspiele brutal sein können. Der Film trifft genau den Nerv der Zeit mit seinem bissigen Humor, cleverem Drehbuch von Tina Fey und unvergesslichen Sprüchen, die zum Teil heute noch in den Alltag eingegangen sind. Lindsay gelingt es, die Figur einer unschuldigen, aber auch selbstbewussten Teenagerin glaubwürdig zu spielen, was ihr damals einen riesigen Popularitätsschub brachte. Für viele ist Girls Club der Film, mit dem man Lindsay Lohan untrennbar verbindet.

2. Ein Zwilling kommt selten allein (1998)

Ein Zwilling kommt selten allein war Lindsay Lohans großer Durchbruch als Kinderstar und zeigt, wie talentiert sie schon früh war. Sie spielt nicht nur eine, sondern gleich zwei Rollen: Die Zwillinge Hallie und Annie, die sich erst zufällig treffen und dann gemeinsam versuchen, ihre getrennten Eltern wieder zusammenzubringen. Die Geschichte kommt dir bekannt vor? Dann könnte das daran liegen, dass sich der Film an Erich Kästners berühmten Kinderroman „Das doppelte Lottchen“ anlehnt. Das Disney-Remake ist charmant, witzig und kindgerecht, bleibt aber auch für Erwachsene unterhaltsam. Besonders beeindruckend ist, wie Lindsay es schafft, die beiden Charaktere klar zu unterscheiden und ihnen jeweils ihre eigene Persönlichkeit zu geben. Der Film ist bis heute ein Familienklassiker, der gerade für viele Kinder der 1990er-Jahre eine große Bedeutung hat.

3. Freaky Friday – Ein voll verrückter Freitag (2003)

In Freaky Friday erlebt Lindsay Lohan einen echten Rollenwechsel: Sie spielt ein Teenager-Mädchen, das durch einen mysteriösen Vorfall den Körper mit ihrer Mutter tauscht. Das führt zu vielen komischen und berührenden Situationen, die das Verhältnis zwischen Mutter und Tochter neu definieren. Die Chemie zwischen Lindsay und ihrer Schauspielkollegin Jamie Lee Curtis ist absolut spürbar und sorgte für Begeisterung bei den Fans - und ihren Eltern. Für Lindsay war Freaky Friday ein wichtiger Schritt, um sich von ihrem Kinderstar-Image zu lösen und zu zeigen, dass sie auch in Comedy- und Erwachsenenthemen überzeugen kann. Auch Kritiker lobten ihre Performance mit Jamie Lee Curtis, was den Film zu einem absoluten Klassiker der Familienunterhaltung machen.

4. Georgias Gesetz (2007)

In Georgias Gesetz spielt Lindsay Lohan ein Mädchen mit einem schwierigen Leben, das den Sommer bei ihrer strengen Großmutter verbringt. Eine Rolle, die Lindsay diesmal ganz schön viel emotionale Tiefe abverlangte und auch ernthafte Töne anschlug. Das war ein erneuter Schritt in Richtung ernsthafterer Unterhaltung für Lohan, der Film selbst bekam jedoch gemischte Kritiken. Trotzdem wurde Lohans Performance anerkannt und ihr wurde ein Kompliment zuteil, über das sich wahrscheinlich jeder Schauspieler freut: Athentizität. Noch mehr Aufmerksamkeit erhielt der Film wegen der Medienberichterstattung über Lindsay selbst, da sie am Set durch ihr Verhalten für Schlagzeilen sorgte. 

5. Herbie Fully Loaded - Ein toller Käfer startet durch (2005)

Mit Herbie – Fully Loaded festigte Lindsay Lohan ihren Status als Leinwandliebling der 2000er. Sie spielt Maggie Peyton, eine junge Frau mit Benzin im Blut, die eigentlich nichts mehr mit dem Rennsport zu tun haben will, bis ihr ein ziemlich eigensinniger VW-Käfer vor die Füße rollt. Auch wenn die Story rund um Herbie, einen längst kultigen Kino-Käfer, eher leichtgewichtig bleibt, ist es Lohans Performance, die den Film trägt. Für viele Zuschauer war der Film damals ein nostalgischer Ausflug mit frischem Anstrich, und für Lohan ein weiterer Schritt vom Teenie-Star zur Hauptdarstellerin mit Zugkraft. Hier sind sowohl Charme als auch sportlicher Ehrgeiz dabei, und die Gags zünden fast so gut wie das Auto. Kritiker sahen das zwar eher gemischt, aber beim jungen Publikum kam der Film gut an, und das nicht zuletzt wegen Lindsay.

6. Liz & Dick (2012)

Mit Liz & Dick hat sich Lindsay Lohan an eine echte Hollywood-Ikone gewagt: Elizabeth Taylor. Keine leichte Aufgabe – große Rolle, große Erwartungen, viel Glamour, viel Drama. An ihrer Seite: der ebenso legendäre Richard Burton, gespielt von Grant Bowler. Der Film erzählt von ihrer leidenschaftlichen und oft chaotischen Beziehung, inklusive Ehen, Trennungen und öffentlichem Rummel. Voller Einsatz stürzt sich Lohan in die Rolle, und das mal elegant, mal exzentrisch und mal komplett am Limit. Auch wenn der Film selbst eher gemischte Reaktionen bekam, wurde Lohan für ihren Mut gelobt. Man spürt, dass sie hier zeigen wollte, was noch in ihr steckt, abseits aller Teenie-Rollen und Highschool-Komödien. Liz & Dick ist definitiv ein Film, der eine andere, ernstere Seite von ihr zeigt. Nicht perfekt, aber mutig und sehenswert, wenn man Lohan mal in einem ganz anderen Licht erleben will.

7. Bekenntnisse einer Highschool-Diva (2004)

Nicht jeder Teenie-Film wird zum Kult aber Bekenntnisse einer Highschool-Diva hat definitiv seinen eigenen Charme, und das liegt vor allem an Lindsay Lohan. Sie spielt Lola, ein aufgewecktes Mädchen mit Schauspielambitionen, das neu an der Schule ist und dort  natürlich erstmal aneckt. Zwischen Schulbühne, Popstars und kleinen Dramen unterhält Lindsay mal wieder mit Tempo und Charisma. Natürlich ist die Handlung manchmal vorhersehbar und bedient die üblichen Klischees, aber Lohan macht das mit Witz und Spielfreude locker wett. Der Film zeigt sie in einer ihrer leichten, frühen Rollen - noch ganz ohne Skandale, dafür aber mit viel Energie und dieser typischen Lohan-Ausstrahlung, die man damals einfach mochte. Wer Lust auf Nostalgie und ein bisschen Highschool-Flair hat, ist hier genau richtig.

8. Freakier Friday (2025)

Fast 22 Jahre nach dem Original kommt Freakier Friday als Fortsetzung. Lindsay Lohan und Jamie Lee Curtis sind wieder dabei, und dieses Mal tauschen sie den Körper nicht nur miteinander, sondern mit einer weiteren Generation. Der Film verspricht viel Nostalgie und modernen Humor zugleich und bringt die Themen Familienkonflikte und Generationenverständnis frisch auf die Leinwand. Das Comeback wird von Lindsays Fans bereits sehnlichst erwartet, denn es zeigt, dass sie wieder aktiv in großen Projekten mitmischt und ihre Karriere neuen Schwung bekommt.

Teenie-Star Lindsay Lohan: Hier kannst du ihre acht besten Filme streamen

Die untenstehende Liste zeigt dir acht der besten Filme mit Hollywood-Teeniestar Lindsay Lohan. Mit Hilfe von Just Watch erfährst du außerdem, auf welchen Plattformen du sie dir anschauen kannst. 

Queeres Kino ist längst mehr als Nischenkultur – es ist politisch, poetisch, wütend, zärtlich, kühn und filmisch aufregend. Gerade in den letzten zehn Jahren hat sich auf der Leinwand ein bemerkenswerter Wandel vollzogen: Die Geschichten queerer Figuren sind vielfältiger, differenzierter und ästhetisch anspruchsvoller geworden.

Zum Pride Month präsentieren wir eine kuratierte Auswahl von fünfzehn herausragenden LGBTQ-Filmen, die seit 2015 erschienen sind – mal überaus politisch oder radikal persönlich, mal emotional komplex und stilistisch brillant. Von stillen Liebesgeschichten bis zu lauten Selbstbehauptungen, von Europa über Afrika bis Lateinamerika reicht diese Liste, die queere Filmkunst in all ihrer Kraft feiert.

Hier kommen die 15 besten queeren Filme der letzten zehn Jahre – von Platz 15 bis Platz 1:

15. Rafiki (2018, Wanuri Kahiu)

Inmitten einer homophoben Gesellschaft erzählt Rafiki eine ebenso farbenfrohe wie widerständige Liebesgeschichte zweier junger Frauen in Nairobi. Regisseurin Wanuri Kahiu inszeniert das Aufblühen zwischen Kena und Ziki als bittersüßen Rausch aus Farbe, Musik und Hoffnung – und als mutige politische Geste in einem Land, in dem Homosexualität kriminalisiert ist. Das Verbot des Films in Kenia machte ihn zur internationalen Sensation und zum Symbol für queere Sichtbarkeit auf dem afrikanischen Kontinent. Dabei bleibt Rafiki stets persönlich, zärtlich und lebensbejahend – ein Film, der sich gegen Repression nicht nur mit Mut, sondern auch mit Schönheit wehrt.

14. Ungehorsam (2017, Sebastián Lelio)

In einer orthodox-jüdischen Gemeinde Londons treffen zwei Frauen aufeinander, deren gemeinsame Vergangenheit sie nie aufgearbeitet haben – und deren Anziehungskraft sofort wieder auflodert. Ungehorsam erzählt leise, aber eindringlich vom Konflikt zwischen persönlicher Freiheit und religiöser Bindung. Rachel Weisz und Rachel McAdams brillieren in dieser doppelten Charakterstudie, die nicht nur die Dynamik von Schuld und Begehren erkundet, sondern auch einfühlsam mit der Frage umgeht, wie sich Tradition und Selbstbestimmung überhaupt miteinander vereinbaren lassen. Ein ebenso sinnlicher wie trauriger Film über die Freiheit, anders zu leben – und zu lieben. 

13. Blue Jean (2022, Georgia Oakley)

England, 1988: Das „Section 28“-Gesetz verbietet es Lehrer*innen, Homosexualität zu thematisieren. Blue Jean begleitet eine Sportlehrerin, die ihre sexuelle Identität geheim hält – bis eine neue Schülerin sie ungewollt zu einer folgenreichen Entscheidung zwingt. Georgia Oakley zeichnet ein präzises Bild vom inneren Spagat zwischen Anpassung und Auflehnung. Rosy McEwen als Jean trägt den Film mit stoischer Eleganz, während das toxische Klima erzkonservativer Moral Stück für Stück an die Oberfläche drängt. Die blauen Farbtöne, das kühle Licht und der zurückhaltende Score spiegeln perfekt die unterdrückte Anpannung. Ein stiller, aber kraftvoller Beitrag zum queeren Coming-of-Age-Kino.

12. Eine fantastische Frau  (2017, Sebastián Lelio)

Als ihre große Liebe stirbt, gerät das Leben der trans Frau Marina aus den Fugen – und Eine fantastische Frau begleitet sie mit einer bewundernswerten Balance aus Realismus und Symbolkraft. Daniela Vega spielt Marina mit zurückhaltender Intensität und macht den Schmerz und den Stolz ihrer Figur greifbar. Der Film zeigt nicht nur die institutionalisierte Gewalt, mit der trans Personen in Chile konfrontiert sind, sondern auch die Widerstandskraft queerer Identität. Sebastián Lelio inszeniert eine Geschichte der Würde, die sich zwischen Alltagsrealismus und poetischen Ausbrüchen bewegt – und zurecht den Oscar für den besten internationalen Film gewann.

11. 120 BPM (Beats Per Minute) (2017, Robin Campillo)

Frankreich, Anfang der 90er: Die AIDS-Krise tobt, und eine Aktivist*innengruppe von „ACT UP“ kämpft mit Kreativität, Wut und Verzweiflung um Sichtbarkeit, Medikamente und Gerechtigkeit. 120 BPM ist politisches Kino, das nie belehrend wirkt – weil es ebenso stark von Lebenslust, Liebe und Solidarität erzählt wie von Tod und Krankheit. Die Kamera tanzt, kämpft, trauert – und zeigt eine queere Gemeinschaft, die nicht nur Opfer, sondern auch treibende Kraft gesellschaftlicher Veränderung ist. Besonders intensiv: die Liebesgeschichte zwischen Sean und Nathan, die das Private im Politischen verankert.

10. Joyland (2022, Saim Sadiq)

Eine Familie in Lahore, ein heimlicher Job in einer Burlesque-Tanzgruppe, ein langsames Erwachen: Joyland ist das erste pakistanische Drama, das queere Liebe in den Mittelpunkt stellt – und wurde dafür im eigenen Land heftig diskutiert. Der Film nähert sich seinem Thema mit großer Sensibilität und formaler Eleganz. Besonders bemerkenswert: die komplexe Darstellung der trans Frau Biba, gespielt von Alina Khan, mit Würde und Tiefe. Zwischen Genderrollen, gesellschaftlicher Kontrolle und persönlichem Aufbegehren gelingt Sadiq ein visuell faszinierender und emotional komplexer Film über die Kraft der Sehnsucht.

9. Große Freiheit (2021, Sebastian Meise)

In der Nachkriegszeit wird Hans immer wieder wegen seiner Homosexualität inhaftiert – Paragraf 175 lässt ihn zum Stammgast im Gefängnis werden. Große Freiheit erzählt diese Geschichte nicht als moralisches Lehrstück, sondern als tief humanes Drama über das Recht auf ein selbstbestimmtes Dasein. Franz Rogowski spielt Hans mit wortloser Verletzlichkeit, während Georg Friedrich als Zellengenosse Viktor eine ungewöhnliche Beziehung zu ihm entwickelt. Meise bleibt formal streng, aber emotional offen – und zeigt, wie unter widrigsten Umständen Nähe möglich wird. Ein Film über Liebe im Schatten der Repression, rau, traurig und auf stille Weise romantisch.

8. The Inspection (2022, Elegance Bratton)

Basierend auf eigenen Erfahrungen erzählt Regisseur Elegance Bratton von einem jungen, schwulen Schwarzen, der sich den US-Marines anschließt, um den Respekt seiner Mutter zu verdienen und der Obdachlosigkeit zu entkommen. The Inspection ist ein Film über Maskulinität, Ausgrenzung und Selbstbehauptung – und darüber, was es bedeutet, irgendwo dazugehören zu wollen. Jeremy Pope brilliert in der Hauptrolle als Ellis French, der trotz Drill, Homophobie und innerer Zweifel seinen Platz erkämpft. Der Film konfrontiert militärische Härte mit emotionaler Verletzlichkeit – und fragt, ob Anerkennung wirklich jeden Preis wert ist. Kraftvoll, persönlich, mutig.

7. Moonlight (2016, Barry Jenkins)

Moonlight ist ein poetisches Meisterwerk über drei Lebensphasen eines schwarzen Jungen, der in einem prekären Milieu aufwächst und seine sexuelle Identität entdeckt. Barry Jenkins verbindet visuelle Sinnlichkeit mit sozialer Schärfe – aus Licht, Wasser, Blicken und Schweigen entsteht eine filmische Sprache, die zutiefst berührt. Mahershala Ali, Trevante Rhodes und Alex Hibbert tragen das stille Drama mit unglaublich eindrücklicher Präsenz. Moonlight zeigt, wie queeres Begehren auch dort existiert, wo Sprache fehlt. Der erste queere Film, der den Oscar für den besten Film gewann – zurecht.

6. TÁR (2022, Todd Field)

Lydia Tár – gefeierte Dirigentin, ehrgeizig, lesbisch. Doch was passiert, wenn Macht in eitle Selbstverblendung kippt? TÁR ist kein klassischer queerer Film, aber ein radikaler Beitrag zur Darstellung queerer Figuren jenseits des Opferstatus: Es ist eine Errungenschaft, dass sie mittlerweile (wieder) alles sein können – auch unsympathisch, sogar problematisch. Cate Blanchett spielt die Titelrolle mit absoluter Furchtlosigkeit: als faszinierende, irritierende, kontrollsüchtige Figur im Spannungsfeld zwischen Geniekult, Missbrauchsvorwürfen und Identitätskonstruktion. Todd Fields Film ist kühl und komplex, ein psychologisches Puzzle voller Ambiguität. Dass Lydia queer ist, ist hier nicht zentrales Thema – sondern Teil einer größeren Frage: Wer besitzt Macht, und wie hoch ist ihr Preis?

5. Porträt einer jungen Frau in Flammen (2019, Céline Sciamma)

Eine Malerin, eine Braut, ein abgelegenes Haus an der Küste – daraus entfaltet Céline Sciamma ein leises, visuell berauschendes Drama über weibliches Begehren, Blickregime und künstlerische Autonomie. Porträt einer jungen Frau in Flammen ist formal streng und emotional überwältigend. Ohne männliche Figuren und mit einem genauen Gespür für Blickwechsel, Schweigen und unterdrückte Leidenschaft entwickelt sich eine Liebesgeschichte, die lange nachglüht. Der Film stellt queere Liebe nicht zur Diskussion – er zelebriert sie, als subversiven Akt und als Möglichkeit zu größter Nähe. Ein Kinoereignis von hypnotischer Schönheit.

4. Queer (2025, Luca Guadagnino)

William S. Burroughs’ autobiografischer Roman galt lange als unverfilmbar – bis Luca Guadagnino das Unmögliche wagte. Queer ist ein fiebriges, schwüles Porträt eines amerikanischen Ex-Pats im Mexiko der 1950er, der eine Obsession für einen undurchschaubaren, jüngeren Mann entwickelt. Guadagnino verwandelt Burroughs’ Text in einen visuell beeindruckenden, melancholischen Rausch aus Begehren, Paranoia und Kontrollverlust. Daniel Craig brilliert in einer komplexen Hauptrolle, während der Film zwischen Abstoßung und Anziehung zu seiner Fingur changiert. Queer ist kein Wohlfühlfilm – sondern ein literarisch aufgeladenes, ästhetisch radikales Stück Kino, das die dunklen Seiten queeren Begehrens ausleuchtet.

3. Love Lies Bleeding (2024, Rose Glass)

Muskeln, Blut und Lust: Love Lies Bleeding ist ein stylisher, queerer Thriller über eine Bodybuilderin und ihre Liebhaberin, die gemeinsam in eine Spirale aus Gewalt und Begehren geraten. Rose Glass kombiniert Neo-Noir-Elemente mit queerem Empowerment und einem Schuss 80s-Ästhetik. Kristen Stewart liefert eine elektrisierende Performance zwischen Verlangen und Verzweiflung, während die Kamera Körper, Schweiß und Nähe in kühne Bilder gießt. Hier wird queere Liebe nicht romantisiert – sie ist gefährlich, exzessiv, absolut. Ein filmischer Trip, der visuell und emotional unter die Haut geht.

2. Call Me by Your Name (2017, Luca Guadagnino)

Der Sommer flirrt, das Licht ist weich, die Gefühle stark: Call Me by Your Name erzählt von der zarten Romanze zwischen dem 17-jährigen Elio und dem älteren Oliver – voller Spannung, Scham, Lust und Melancholie. Guadagnino fängt die Atmosphäre Norditaliens mit betörender Sinnlichkeit ein, während Timothée Chalamet und Armie Hammer eine glaubwürdige und tief berührende Beziehung entwickeln. Selten war eine Ode an das erste große Begehren so kraftvoll – ein Klassiker des queeren Kinos, mit bittersüßem Finale und einem der stärksten Abschlussmonologe der Filmgeschichte.

1. Carol (2015, Todd Haynes)

Todd Haynes' Meisterwerk über die Liebe zwischen zwei Frauen im Amerika der 1950er ist von seltener Eleganz. Cate Blanchett als mondäne Carol und Rooney Mara als schüchterne Therese durchleben ein Geflecht aus gesellschaftlicher Konvention, heimlichem Begehren und leiser Rebellion. Ihre Liebesgeschichte entwickelt sich in Blicken, Berührungen, in dem, was nicht gesagt wird. Die Kamera von Edward Lachman fängt durch beschlagene Fensterscheiben und in sanften Farben die Unsichtbarkeit queerer Liebe in einer feindlichen Welt ein. Haynes erzählt eine große Liebesgeschichte ohne Pathos, aber mit all der Gravitas, die solche Gefühle haben können. Ein moderner Klassiker – und der beste queere Film der letzten Dekade.

Streaming-Tipps zum Pride Month: Die 15 besten queeren Filme der letzten zehn Jahre

Die untenstehende Liste zeigt, bei welchen Streaming-Anbietern unsere 15 queeren Filmempfehlungen aktuell im Abo, als Kauf- oder Leihoption verfügbar sind. Happy Streaming – und happy Pride!